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Se muestran los artículos pertenecientes al tema 02 LA REVISTA.

TONTERIAS EN NOMBRE DE LA CREATIVIDAD

El afán al "figuretismo" ganar la atención de los medios, por algunos chefs y personajes desubicados, han tenido como resultado la presentación y preparación de muchas "huachaferías" y productos incomibles - desarrollando en lugar de comida fusión - comida confusión - y la pobre creatividad se ha convertido en una cachetada al buen gusto y el resultado una comida horrible - que por supuesto algunos insufribles "yuppies" aplauden por que creen que de esta manera están en "onda" por ejemplo...

El ’body sushi’ se podría resumir coma una degustación de cocina tradicional japonesa sobre el cuerpo desnudo de un hombre o de una mujer. Esta práctica ‘erótica - gastronómica’ se ha incorporado como medio camino entre los inalcanzables precios del ‘shushimen’ y las despedidas de soltero, que lo incluyen todo hasta muchas veces el inevitable “final feliz”.

Uno de estos establecimientos lo podemos encontrar en la localidad castellonesa de Vila-real. España. Para el próximo marzo tienen previsto organizar un evento privado para 40 personas y a día de hoy han recibido 134 denuncias a través del Observatorio de la Mujer y el Observatorio de la Publicidad Sexista. 

15/01/2013 06:30 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA PROHIBICION DEL CAFE EN 1756

Aveces los políticos piensa de forma muy extraña y ven como algo racional el prohibir cierto tipo de plantas. De eso se trata esta historia, de una planta que tiene leves efectos sobre la mente humana cuando se ingiere y que por lo tanto se puede considerar un "medicamento". La planta en cuestión es igual a cualquier otra especie vegetal, con hojas y flores, y fue prohibida por razones políticas y de poder en Suecia.

El hecho de que se prohibiera esta supuesta droga producto de ciertos juegos de poder no significa que no tuviera detractores y antagonistas reales. Muchos nunca se refirieron a ella en términos de uso, sino sólo de abuso. Incluso afirmaron que devastaría la economía nacional.

En una famosa presentación de una autoridad local, la planta de la que hablamos fue descrita como una "droga de entrada" al abuso de sustancias más serias, e incluso se describió con detalle su uso indebido.

Gran parte de la población optó por hacer caso omiso de las recomendaciones de las autoridades locales y siguió consumiendo esta planta. Muchas tiendas se instalaron para que la gente pudiera consumirla en secreto. Incluso algunos lo hacían a escondidas en sus hogares.

En respuesta a esto, el gobierno sueco usó agentes especiales que se infiltraban a estas reuniones y patrullaban las calles buscando el olor característico de la planta con el fin de detener a los "abusadores". Durante el último período de la prohibición se crearon salidas para disfrutar de la droga en el bosque, lejos de los rastreadores y la ciudad.

No tomó mucho tiempo para que la gente se diera cuenta de lo absolutamente absurdo que era la prohibición y la idea de que era una "droga de entrada". La ley contra la planta de café, promulgada el 4 de noviembre de 1756 en Suecia -por ridículo que suene- se suspendió de forma intermitente hasta que fue finalmente derogada en 1823.  Aún así, muchos querían que la prohibición total se re-promulgara, con los mismos argumentos otra vez. El comercio de cafe fue reglamentado en 1951 y su consumo ha sido permitido desde entonces.

01/01/2013 11:44 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

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FRUTAS PERUANAS

Europa y EEUU se disputan mandarinas, uvas y platanos peruanos

Las exportaciones de frutas frescas peruanas alcanzaron un valor de US$ 580.8 millones entre enero y agosto del 2012,superando en 7.9% lo exportado en similar período del año pasado (US$ 538.3 millones), informó el Ministerio de Agricultura (Minag).

Este resultado se debe a la mejora de los precios de exportación de algunas frutas como las mandarinas, bananas tipo Cavendish Valery, tangelo y uvas frescas, según la Oficina de Estudios Económicos y Estadísticos (OEEE) del Minag.

En términos de volumen de exportación, que en el período evaluado fue de 416,200 toneladas, hubo una reducción de 0.2 % (898 toneladas menos), respecto al volumen exportado entre enero y agosto del 2011, debido a las menores colocaciones de mango fresco y mango congelado.

Los principales destinos de las frutas peruanas son Holanda, Estados Unidos, España, Alemania y Bélgica.

El reporte del Minag también informó que la participación de las fritas frescas dentro del valor total de las exportaciones agrarias registradas entre enero y agosto del 2012 (US$ 2,614.3 millones), pasó a 22.2%, del 20.2% del mismo periodo del año pasado.

17/10/2012 05:54 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

TRANSGENICOS EN DEBATE

Lima, (EFE).- Una coalición de las más importantes agrupaciones de agricultores, científicos y gastrónomos de Perú ha reclamado hoy al Gobierno peruano que promulgue la moratoria de 10 años para el ingreso de transgénicos en el país aprobada la semana pasada por el Congreso de la República.
El Gobierno del presidente Alan García aprobó en abril un decreto para el ingreso inmediato de transgénicos en el país, lo que generó un fuerte rechazo social en algunos sectores y un intenso debate social y político en uno de los países con más biodiversidad del mundo.
La presión social derivó en un debate en el Congreso de la República, que la semana pasada aprobó una moratoria de 10 años para el ingreso de productos transgénicos con fines de cultivo y de crianza, pero a la que el Gobierno peruano presentó una serie de observaciones, entre ellas retrasar la entrada de transgénicos sólo cinco años.
La "Coalición de defensa de la biodiversidad, el agro, la salud y la gastronomía" anunció hoy en un comunicado que estará en "acción permanente" hasta lograr que el Ejecutivo de García, que acabará su gestión el próximo 28 de julio, apruebe retrasar la entrada de productos transgénicos en Perú para fines de cultivo y crianza.
La coalición, que ve en los transgénicos una amenaza para la biodiversidad de Perú, rechazó las observaciones del Gobierno al texto por considerar que no están fundamentadas y sucumbir, dijo, a las presiones de importantes grupos económicos.
"Son observaciones carentes de fundamento técnico, sin argumentos y plagadas de falsedades típicamente políticas, que solo obedecen a la imposición de transnacionales comerciales" señaló Flora Luna, representante de la Asociación Médica Peruana.
La plataforma, que exigió un correcto etiquetado de los productos transgénicos, prevé reunirse con el gobierno entrante del nacionalista Ollanta Humala, quien anunció que derogaría el decreto de ingreso.
La promulgación del decreto el pasado mes de abril para autorizar la entrada inmediata de transgénicos causó un fuerte rechazo social, ante lo que asociaciones agrarias, reconocidos cocineros peruanos como Gastón Acurio y científicos crearon una plataforma en contra de la normativa.
El intenso debate social y político incluso acabó con la renuncia del entonces Ministro de Agricultura, Rafael Quevedo, criticado por supuestos intereses económicos en una empresa de pollos importadora de semillas transgénicas. EFE
19/07/2011 16:20 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS TRANSGÉNICOS EN EL PERÚ

 
Los cultivos transgénicos han sido enfrentados interesadamente contra los cultivos orgánicos para sancionar en el Congreso una moratoria o postergación de la aplicación de los primeros en el Perú, ocultándose que no hay tal colisión porque ambos coexisten exitosamente en el mundo, pero lo que es más grave, con esta moratoria se está atentando contra el desarrollo económico y la seguridad alimentaria, sostuvo Alexander Grobman, reconocido especialista peruano en biotecnología, en entrevista exclusiva concedida a LA RAZÖN. A continuación sus respuestas a las preguntas de La Razon: El Congreso ha debatido ardorosamente el tema de los transgénicos hasta llegar a la ley de la moratoria o postergación de su aplicación. ¿Considera Ud. que los congresistas son personas bien informadas sobre el tema?
Esa pregunta me la han hecho todo tipo de personas. El 98% de las personas, según una encuesta, no sabe lo que es un transgénico, incluso un importante medio local sostiene que en una encuesta suya las dos terceras partes de las personas encuestadas admitieron que no saben lo que es un transgénico, aún así se oponen a ellos.

¿Entonces, a qué se debe a que se opongan a lo que no conocen?

A las mentiras y distorsiones que medios irresponsables y activistas a ultranza han sembrado acerca de los cultivos transgénicos, desde que producen cáncer hasta que van a terminar con la biodiversidad del Perú.

¿Y en cuanto a la decisión del Congreso que bajó de 15 a 10 años la moratoria de su aplicación?

Se debe a que se asesoraron exclusivamente por activistas y ONG marcados por sus agendas ambientalistas, financiadas por una bien conocida amalgama de grupos de interés ideológico, económico internacional o mercantilista y agencias de contacto de algunos gobiernos, específicamente de Europa Occidental.

DOBLE JUEGO - ¿Solo estos?

Marcándoles el paso se encontraba un diario decano y el ministro del Ambiente, Antonio Brack, en un doble rol de apoyo al Gabinete Ministerial adentro y de oposición a sus acuerdos afuera de sus sesiones.

¿Qué repercusión tiene esta moratoria acordada por el Legislativo?

Es simplemente un atentado irresponsable, que contribuye a demorar el desarrollo económico del país y arriesgar su seguridad alimentaria. Se sustenta en el canto de sirena de la defensa de la biodiversidad, que suena bien y que hoy se usa para respaldar todo tipo de discursos, desde el de un político advenedizo hasta el de un cocinero de 5 tenedores.

¿Qué es lo que no se ha considerado en este debate concluido con la moratoria?

No han tomado en cuenta que la demanda de alimentos en el mundo crece 100 millones de bocas al año que alimentar y que la seguridad alimentaria no está garantizada. Todo indica que acabaremos talando más bosques para compensar los años perdidos en una estéril defensa de la biodiversidad, que se pudo lograr mediante un desarrollo responsable de la biotecnología moderna.

PROYECTOS LISTOS - ¿En el debate previo, en la Comisión Agraria, no hubo acaso suficiente información?

En varias visitas a la Comisión Agraria ningún miembro de la Comisión y menos su presidente se hicieron presentes. Esta es la comisión que pretende saber de biotecnología y aprobar una moratoria a la biotecnología moderna.

Los cuestionadores han dicho de usted y de los promotores de los transgénicos, que actúan por encargo de terceros...

A quienes nos preocupamos con total sinceridad y tenemos amplia experiencia en agricultura y biotecnología, sobre el futuro desarrollo del agro nacional, se nos tilda de vendidos a Monsanto, por supuesto sin ninguna prueba de supuestas relaciones económicas y comerciales con esa empresa.

¿Qué logro exhibe su paso por el sector Agricultura como promotor de los transgénicos?

Hemos desarrollado una cartera de más de 50 perfiles de proyectos de biotecnología moderna en colaboración con gremios de agricultores, ganaderos, piscicultores, etc., para mejorar y dar valor agregado al agro y a la acuicultura y que se encuentran en el INIA a la espera de tener un reglamento de bioseguridad bajo el cual impulsar su desarrollo.

AVANCES EN EL MUNDO - ¿El acuerdo de moratoria ha cerrado toda posibilidad de acceso a los alimentos de origen transgénico?

Al menos se inhibieron de prohibir también la importación de alimentos de origen transgénico, luego de enterarse que importamos 1.9 millones de toneladas de maíz, 900,000 toneladas de torta de soya y casi 400,000 toneladas de aceite de soya (entre 88 y 99% transgénicos) en el 2010 y lo hacemos desde hace 15 años, sin que pase nada.

La ley del Congreso sobre moratoria ha sido observada por el Ejecutivo, ¿con qué argumentos?

El Ejecutivo, con plena justificación ha observado esta ley por oponerse a tratados internacionales. Una ley tiene rango inferior a un tratado, que es ley supranacional del país y si el Congreso insistiera en mantener la ley que ha dado, ésta seguiría siendo ilegal ante cortes internacionales.

¿Cuál es el avance de los cultivos transgénicos en el mundo?

En 35 años, los cultivos transgénicos al año 2010, ya se han acumulado 1,000 millones de hectáreas acumuladas sembradas en el mundo, el equivalente a toda la dimensión del Perú, sin que haya habido daños a la biodiversidad o a la salud. Se siembran en todos los países de Sudamérica, salvo Ecuador, Perú, Venezuela y las Guayanas, y son consumidos diariamente por más de 1,000 millones de habitantes. Ya es una tecnología conocida, madura y segura, a pesar de las falacias que propagan sus enemigos.

FALSEDADES AL DESCUBIERTO - Los críticos de los transgénicos sostienen que éstos matarían la biodiversidad peruana. ¿Qué hay de cierto?

La alternativa de Perú como país orgánico es una absoluta tontería. Quien conoce de ciencias agrícolas y la agricultura del Perú y sus oportunidades y limitaciones, sabe que la agricultura orgánica no es sostenible para mantener un nivel de rendimientos sin fertilización química, que está vedada a los cultivos orgánicos, y por eso los agricultores orgánicos están condenados a tener bajos rendimientos.

¿Si los rendimientos de la agricultura orgánica son bajos, ¿a qué se debe la propaganda de que es objeto?

Los productos orgánicos no son para consumo en el Perú, sino para la exportación y en condiciones muy limitadas. Sin embargo, no se oponen los cultivos convencionales o transgénicos y viceversa estos tampoco se oponen a los otros. Estados Unidos, el mayor productor de cultivos transgénicos, es también el mayor productor de orgánicos. El mercado mundial de alimentos orgánicos, en todo caso no pasa del 2% del total de alimentos.

¿Qué llamado le haría al Ejecutivo y al Congreso respecto a la moratoria propuesta por el cuerpo legislativo?

Les digo que no tiene ninguna lógica postergar el desarrollo de la biotecnología por 10, 5, ó siquiera 2 años. No se ganaría nada con la moratoria que no podamos hacer hoy. Las solicitudes de registros de variedades transgénicas, para ser procesadas toman meses y luego, verificar los eventos transgénicos y sus efectos sobre la biodiversidad en las zonas en las que se ha solicitado su aplicación, requiere de, al menos, dos años según las experiencias similares en Colombia.

Si al menos por esta vez prevaleciera la razón, el Congreso se abstendría de insistir sobre un error. No se deben tomar decisiones basadas en la algarabía que han levantado grupos activistas sin sustento científico ni económico que alegan supuestos daños al ambiente. Estos no han sido tipificados ni sustentados científicamente. Estos daños se han producido en 10 de los 17 países mega - biodiversos del mundo, que en la hora presente ya siembran transgénicos y tampoco se producirán en el Perú. (*) Presidente de la Asociación Peruana para el Desarrollo de la Biotecnología- Perubiotec

17/07/2011 11:10 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

SHAKIRA Y EL PISCO PORTON

http://www.youtube.com/watch?v=8OO1pOqRJkA
 
"Rabiosa", el más reciente video de Shakira, se ha convertido en toda una sensación en la red por el sensual "pole dance" que ejecuta la colombiana, a tal punto que a 24 horas de haber sido lanzado vía YouTube alcanzó las tres millones de reproducciones en todo el planeta.

Sin embargo, un detalle que pocos han captado es que en el citado video se muestran en varias escenas algunos ejemplares de un licor de la marca "Portón", pisco peruano de exportación premium que actualmente se dirige solo al mercado norteamericano.

La referida marca de pisco se produce en la Hacienda La Caravedo de Ica, cuya producción está a cargo del experto Johnny Schuler.

El nuevo video musical de la barranquillera viene causando un boom internacional, convirtiéndose en países como Inglaterra, España, México y Francia en el número 1, mientras que en Argentina, Suecia e Irlanda alcanzó el 2do lugar, entre otros.

14/06/2011 02:30 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

NUEVO VODKA SMIRNOFF BLACK

Lima.- La histórica herencia de Smirnoff, un vodka original, innovador y de gran calidad, presenta una de sus joyas, Smirnoff Black. Ahora los peruanos amantes de la bebida de los zares podrán disfrutar de su inconfundible suavidad, cuerpo y carácter que lo diferencian al resto de las vodkas.

Smirnoff Black rinde honor al estilo de producción tradicional ruso del siglo XVIII. Se elabora bajo el mejor estilo antiguo, utilizando alambiques de cobre, primero se destila tres veces para garantizar la mayor pureza de su líquido, luego pasa a una cuarta destilación también en los alambiques de cobre que acentúa las esencias naturales del grano. Por último, se filtra para eliminar las impurezas  pero preservando las características del grano que otorgan el cuerpo y carácter a su líquido.

Smirnoff Black representa el estilo del vodka disfrutado y reconocido antiguamente por la élite rusa, en la denominada “Era Dorada”, época en la cual esta bebida alcanzó grandes niveles de calidad y cuyas producciones eran reservadas solo para el consumo de la Corte Imperial y de sus productores.

Su inconfundible sensación de suavidad al primer contacto con el paladar da paso luego a las notas naturales del grano que le dan al Smirnoff Black ese excepcional cuerpo y carácter.

Disfruta responsablemente de Smirnoff Black en un vaso corto, con tres cubos de hielo y acompañado de agua tónica y limón, el clásico Vodkatonic con el cual sentirás su suavidad.

09/06/2011 08:11 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

WHARTON 31

Boletín de Universia-Knowledge@Wharton
http://www.wharton.universia.net
12 - 25 enero, 2011
Finanzas e Inversión
La economía global en 2011: ¿Cielos despejados o turbulencias a la vista?
En Estados Unidos la mayoría de los expertos creen que este año la economía crecerá, aunque advierten que problemas como las elevadas tasas de desempleo o el lamentable estado del sector de la vivienda podrían dar al traste con el crecimiento económico. Mientras, el futuro del euro está en entredicho y el fantasma de la inflación se cierne sobre China, Latinoamérica y la India a pesar de haber resistido estoicamente la reciente recesión global. En Oriente Medio algunos observadores esperan un renovado crecimiento, aunque señalan que la limitación de recursos en la zona podría convertirse en un grave problema. Knowledge@Wharton ha entrevistado a profesores de Wharton y otros expertos para preguntarles su punto de vista sobre el estado de la economía global para este año 2011.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=whatshot&language=spanish
Política y Gobierno
¿Quién gana con el apoyo dado a Bolivia en una antigua disputa fronteriza?
Durante años Bolivia ha reclamado tener acceso al Océano Pacífico a través de Chile. Probablemente una de las disputas con mayor carga política de toda la región, esta petición no es la norma sino la excepción. A diferencia de otras disputas fronterizas en Latinoamérica, Bolivia –completamente interior-, no quiere controlar terrenos ricos en recursos o caladeros de pesca. Simplemente desea el derecho soberano a disponer de un corredor terrestre y un puerto marítimo para transportar de un modo más directo y económicamente viable minerales y otros productos comercializables. ¿Se ha logrado algún avance tras los últimos acontecimientos? ¿Quiénes serán los mayores beneficiarios si la propuesta llega a buen puerto?
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1998&language=spanish
Tecnología
¿Ganará la telefonía móvil la batalla de la conectividad en América Latina?
Hoy en día algunas voces auguran la desaparición de la Web debido a que el acceso tradicional a Internet vía PC se ha tornado arcaico, comparado con la atractiva experiencia móvil de conectarse a través de un teléfono celular. Si a esto sumamos que la penetración de la telefonía móvil en Latinoamérica alcanza al 90% de la población y que el coste de un celular es mucho más bajo que el de un netbook o un iPad, esta tecnología estaría convirtiéndose en el medio de conectividad preferido de los usuarios regionales. ¿Qué repercusiones tendrá esto para los fabricantes de aparatos celulares y el resto de la industria?
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1999&language=spanish
Marketing
¿Enfadado o arrepentido?: La importancia de aprender a leer las emociones del consumidor insatisfecho
Quién no se ha sentido insatisfecho alguna vez con el servicio ofrecido en un hotel o en un restaurante. Según una investigación de un equipo de la Universidad de Valencia, la novedad está en que conocer los patrones de comportamiento del consumidor en función de las emociones negativas predominantes durante la experiencia insatisfactoria sería muy valioso para los gerentes y la puesta en marcha de estrategias de restitución del servicio por parte de la empresa. Los académicos animan, incluso, a que los empleados aprendan a reconocer las señales fisiológicas del consumidor para identificar esas emociones.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=2000&language=spanish
Innovación y Empresa
Networking social: Webs que convierten al fan en padrino de los artes
Hoy en día, con Internet, la distribución se ha vuelto mucho más fácil. Cualquiera puede colocar un video en YouTube o, si lo prefiere, puede mostrar su creatividad poniendo su trabajo online. Sin embargo, recibir compensación económica por hacerlo es otra historia. El crowdfunding [financiación colectiva de proyectos] es una solución a ese problema. Webs como IndieGoGo, Spot.Us, Pledge Music y Kickstarter han surgido en respuesta a esa tendencia. Al permitir que los fans financien el trabajo de artistas directamente, esas webs han democratizado el apoyo a la creatividad patrocinando música y películas que dependían antes de los estudios de grabación, de cine y de otras empresas tradicionales del sector.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1996&language=spanish
Finanzas e Inversión
Estirar los ahorros: Los baby boomers preparan su jubilación
Setenta y siete millones de baby boomers, la generación de americanos nacida entre 1946 y 1964, fueron protagonistas de eventos que van desde el movimiento de liberación de la mujer hasta la revolución sexual. Fueron cinco décadas de grandes avances. Ahora que marchan hacia su jubilación, también prometen redefinirlos, pero no del modo en que esperaban hacerlo. Aunque quieran continuar trabajando para seguir activos y manteniendo una buena renta, no están preparados para financiar las décadas posteriores a una carrera construida de forma tradicional.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1994&language=spanish
Recursos Humanos
Adaptarse a la ’nueva normalidad’: Consecuencias de las elevadas tasas de desempleo a largo plazo
Las esperanzas de una recuperación económica acelerada en EEUU sufrieron un duro revés recientemente con la divulgación de un informe sombrío sobre el empleo, incluyendo un aumento inesperado de la tasa de paro. Esa noticia refuerza el sentimiento cada vez más fuerte entre muchos economistas de que serán necesarios muchos años para que el desempleo vuelva a situarse en valores considerados normales. La persistente atmósfera de incertidumbre, explican los economistas, podría tener como resultado consecuencias a largo plazo para empleadores y empleados.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1995&language=spanish
12/01/2011 18:35 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

DESARROLLO CIENTIFICO 2011

Aracelli Acosta - ABC Madrid - Una máquina cuántica que desafía la realidad, la primera forma de vida artificial de Craig Venter o el genoma del Neandertal fueron elegidos por la prestigiosa revista «Science» entre los diez mejores hallazgos científicos del año que acaba de terminar. Ahora, la revista «Nature» realiza sus predicciones sobre cuáles son los hallazgos clave que pueden emerger del mundo de la investigación en este año que comienza.
 
El clima cálido del pasado
Un proyecto de perforación del hielo en el norte de Groenlandia podría arrojar luz sobre el penúltimo periodo cálido que vivió la Tierra, el interglacial eemiense. En julio las perforadoras alcanzaron el lecho rocoso a más de 2.500 metros de profundidad, y ahora los investigadores están analizando el gas y las partículas atrapadas en el hielo para conocer detalles de este periodo que tuvo lugar hace 130.000-115.000 años, cuando la temperatura media global del planeta era 5ºC superior a la actual.
 
Genes y enfermedades
Los estudios del genoma completo, donde se compara el ADN de personas con una enfermedad con el de otras sin esa patología, han revelado vínculos entre enfermedades y algunas regiones del genoma, pero no han logrado avanzar mucho sobre la bioquímica que hay detrás de esas asociaciones, algo que se espera pueda ocurrir en 2011.
 
Células como tubo de ensayo
Los investigadores ya saben cómo convertir una célula de la piel en una célula nerviosa o en cualquier otro tipo celular. Esa tecnología, aún verde para aplicarse en tratamientos a pacientes, será este año muy útil en proyectos de investigación. Las células humanas reprogramadas serán las mejores ratas de laboratorio para probar nuevos medicamentos e investigar, sobre todo enfermedades psiquiátricas que no tienen buenos modelos animales con los que ensayar.
 
Genoma para todos
Este año podría ser el momento del genoma «low cost», cuando por unos 1.000 dólares cualquiera pueda obtener su mapa genético. Con la nueva generación de máquinas de secuenciación, el número de genomas secuenciados por completo se disparará.
 
La «partícula de Dios»
Aunque es poco probable que el esquivo bosón de Higgs (la llamada «partícua de Dios») pueda ser verificado este año por el Gran Colisionador de Hadrones (LHC), hay posibilidades de que el LHC aporte evidencias sobre la supersimetría en la naturaleza, la teoría por la que toda partícula tiene un socio superpesado por descubrir. En Illinois, se quiere retrasar el cierre de su acelerador de partículas (el Tevatron) por hallar el bosón de Higgs.
 
La hora de la materia oscura
Están en marcha una serie de experimentos subterráneos, como el Xenon 100 en Italia o el de búsqueda criogénica de materia oscura en Minesota (Estados Unidos), que esperan identificar partículas de materia oscura.
 
Avance contra la hepatitis C
Se espera que en 2011 la Agencia de Medicamentos de Estados Unidos apruebe la comercialización del telaprevir, indicado contra el virus de la hepatitis C, con el que está infectado el 3% de la población mundial.
 
Un gemelo para la Tierra
Los «cazadores» de planetas anticipan que el telescopio Kepler de la NASA captará este año un planeta parecido a la Tierra orbitando una estrella similar al Sol.
 
Los últimos transbordadores
El último vuelo de la flota de transbordadores espaciales de la NASA está previsto para el mes de abril, cuando se trasladará a la Estación Espacial Internacional el Espectrómetro Alfa Magnético (AMS) para la búsqueda de antimateria y materia oscura. Sin embargo, el Congreso de Estados Unidos podría autorizar otra salida de un transbordador en noviembre. Asimismo, si la segunda prueba de lanzamiento del «Dragon», la nave desarrollada por SpaceX, una firma comercial de vuelos espaciales de California, termina con éxito, el lanzamiento de vuelos privados con tripulación o carga será una realidad.
 
Explorar el sistema solar
En marzo, la misión Messenger de la NASA está llamada a convertirse en la primera nave en orbitar Mercurio, mientras que en agosto la sonda Dawn orbitará a uno de los componentes más grandes del cinturón de asteroides Vesta. Otras misiones previstas incluyen a Juno, que orbitará los Polos de Júpiter, o el vehículo robótico Mars Science Laboratory, que desentrañará los secretos del planeta rojo.
 
El superláser coquetea con la fusión
Los responsables del Laboratorio Lawrence Livermore (California) esperan que su láser NIF (siglas en inglés del Centro Nacional de Ignición), el más potente del mundo, obtenga energía de la fusión nuclear mediante el bombardeo con rayos láser.
 
Estudiando la Tierra
El satélite GOCE de la Agencia Espacial Europea, diseñado para medir el campo gravitatorio terrestre, publicará resultados durante este año, que servirán para vigilar el aumento del nivel del mar. Mientras tanto, la NASA lanzará el satélite Aquarius para estudiar la salinidad de los océanos y el Glory se centrará en la radiación solar y los aerosoles.
10/01/2011 19:03 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

AVANCES CIENTIFICOS 2010

Publican los avances científicos de 2010

 
La publicación científica Science enlistó los inventos más importantes del año y de la primera década del siglo XXI
 
 
 
 
SUMEDICO
 
 

La revista Science, enlistó en su más reciente publicación los mejores y más significativos avances científicos que se consiguieron durante 2010.

Para los investigadores de la publicación, el invento del año fue una máquina que por medio de movimiento demuestra que un objeto puede encontrarse en dos sitios al mismo tiempo. Esto se consigue, de acuerdo con los analistas, por medio de la mecánica cuántica.

El motivo por el cual este prototipo de máquina fue considerado como el invento del año corresponde, de acuerdo con los criterios de la revista de la Asociación Estadounidense para el Avance de la Ciencia (AAAS, por sus siglas en inglés), a que hasta el momento “todos los objetos fabricados por los humanos se han movido de acuerdo con las leyes de la mecánica clásica".

La teoría cuántica revela que un objeto muy pequeño puede impregnarse de energía en cantidades limitadas y jamás permanecer perfectamente quieto, y puede estar, literalmente, en dos sitios al mismo tiempo.

Otro de los inventos que destacaron, fue una gelatina vaginal que fue probada en mujeres sudafricanas y redujo en casi más del 30 por ciento el riesgo de infección con el VIH, además de una píldora profiláctica que redujo en más del 40 por ciento las infecciones.

Investigadores del Instituto J. Craig Venter, de Rockville (Maryland), y San Diego (California) que desarrollaron una célula sintética que generaba la producción de proteínas, compitieron con fuerza e importancia por el premio del año en avances científicos.

Otro de los descubrimientos que destacó, fue la reprogramación de células específicas a su estado de células madre embrionarias, para el diagnóstico de enfermedades.

La primera década del siglo

Uno de los avances importantes que se realizaron durante la primera década del siglo XXI, fue el descubrimiento del llamado genoma oculto, una porción del genoma humano que era considerado como desechable pero que se descubrió contiene tanta información como los genes.

Otro de los descubrimientos en el tema médico, fue el de la reacción infecciosa que tienen los procesos inflamatorios y que puede generar enfermedades como cáncer, Alzheimer, aterosclerosis, diabetes y obesidad.

Dentro de la publicación se reseñó también el descubrimiento de agua en la superficie del planeta Marte, lo que hace crecer las especulaciones de que existió vida en el planeta rojo. Y siguiendo la línea de la astronomía, se recordaron los 500 planetas que se descubrieron fuera del sistema solar.

Finalmente, un descubrimiento que destacó, fue el de la manipulación de la luz por medio de la cual se pudo conseguir la invisibilidad de los objetos. (Con información de El Universal)

04/01/2011 03:15 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

¿ POR QUE ?

Por BBC Mundo, BBC Mundo

¿Por qué los elefantes no bailan?

¿Se puede construir un ascensor a la Luna? ¿Podría sobrevivir un hámster a la caída desde un avión? La Real Institución de Gran Bretaña buscó respuestas científicas a preguntas insólitas.

¿Por qué los elefantes no bailan?

"Hormigas."

Quizá ésta sea una pregunta que usted nunca antes se planteó, pero la Real Institución de Gran Bretaña dio con la respuesta.

¿Alguna vez se preguntó por qué no ha visto a un elefante bailando el tango en Tailandia o chachachá en las llanuras africanas?

Esta cuestión -entre otros temas trascendentales- será objeto de una de las charlas que cada final de año ofrece la Real Institución.

En esta ocasión, en este evento fijo en el calendario del instituto de investigación desde 1825, aborda entre otras cosas las razones por las cuales el tamaño sí importa cuando se trata del comportamiento de los animales.

Y especialmente para la BBC, el conferencista de este año, el doctor Marck Miodownik, médico en el King's College de Londres, responder a varias de esas preguntas que nunca nos hicimos pero que, una vez planteadas, no nos aguantamos las ganas de que nos revelen la respuesta.

¿Por qué los elefantes no pueden bailar?

Aunque son uno de los animales más grandes y carismáticos sobre la Tierra, las piernas de los elefantes son tan pesadas que no pueden cambiar de dirección con rapidez.

Por esta razón, estos paquidermos, capaces de correr a velocidades cercanas a los 40 kilómetros por hora, no pueden saltar ni realizar movimientos complejos. Así que, por falta de gracia, el baile queda descartado.

¿Podría sobrevivir un hámster a la caída desde un avión?

El tamaño de un animal determina sus posibilidades de sobrevivir a una caída desde gran altura. Cuanto más pequeño y ligero es el animal, con menos fuerza golpeará el suelo.

Por este motivo, caer desde un avión es mortal para los humanos, pero no para los hámsters. Las arañas, ni siquiera notan el impacto.

¿Es una hormiga más fuerte que un físicoculturista?

Las hormigas son increíblemente fuertes en relación con su tamaño. Las más fuertes puede levantar 100 veces su propio peso, lo cual equivaldría a que un humano levantara un elefante africano.

Un levantador de pesos olímpico tan sólo puede alzar el doble de su peso corporal.

Esto se debe a que las hormigas son tan ligeras que utilizan muy poca de su fuerza para sostenerse a sí mismas. De este modo, pueden usar el resto de sus músculos para elevar otras cargas. Se puede decir que, a medida de que un animal es mayor, es más débil en términos relativos.

¿Pueden los humanos subir por las paredes?

Salamandra.

"Salamandra."

Inspirándose en las propiedades de las garras de la salamandra, que contienen pelos diminutos que le permiten al animal trepar por los muros, los científicos crearon un tipo de cinta artificial que imita ese sistema.

Esos pelos hacen que las manos tengan un área enorme de contacto efectivo con la pared y que ambas superficies se atraigan.

En la actualidad se están desarrollando guantes que se pegan a los objetos de vidrio. En teoría, este sistema podría permitir a los humanos subir por las paredes.

Además, también ayudaría a los astronautas a agarrarse mejor a las superficies cuando están en el espacio.

¿Pueden los televisores repararse a sí mismos?

Un aparato capaz de arreglarse solo, sin necesidad de la colaboración de un técnico, parece un producto de ciencia ficción.

Sin embargo, ya se descubrieron materiales que pueden arreglarse o "cicatrizar" por sí solos.

Por ejemplo, los compuestos de resinas epoxy-utilizados en la fabricación de adhesivos- pueden reparar superficies rasgadas, de un modo parecido a las costras que se forman sobre la piel herida.

Por lo tanto, no es tan descabellado pensar que en los próximos años se produzcan televisiones "autorreparables".

¿Podríamos construir un ascensor hasta la Luna?

La Tierra desde la Luna.

"La Tierra desde la Luna."

Para que esto fuera posible, tendríamos que edificar una torre de 36.000 kilómetros de altura.

Para levantar tal estructura, necesitaríamos un material resistente, pero extremadamente ligero. El cemento, el hormigón, el acero, o incluso el aluminio que se usan en la actualidad son demasiado pesados y harían que el edificio se hundiera.

Con fibra de carbono -el material más fuerte y ligero que existe en este momento- la torre no podría alcanzar más de nueve kilómetros de altura.

En cambio, recientemente se descubrió un material que podría hacer que cambiaran las cosas. Su base son nanotubos de carbono de solo un átomo de grosor.

Ahora, los científicos están intentando unir esos nanotubos. De conseguirlo, se podría fabricar una estructura superresistente que capaz de transportar un ascensor a 36.000 kilómetros.

03/01/2011 19:06 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

HAMBURGUESAS PELIGROSAS

Las 4 hamburguesas más peligrosas del mundo

Armas mortales de carne, queso y salsas grasientas que cuadruplican la cantidad de calorías recomendada por día.

Estas son las hamburguesas más calóricas para tu dieta

Estas son las hamburguesas más calóricas para tu dieta

Si creías que las hamburguesas regulares de los fast food eran lo más calórico y grasiento que podías probar, estás equivocado. En esta nota te presentamos a las hamburguesas más peligrosas para la dieta: en un par de bocados superan las 2000 calorías que un hombre adulto debe comer al día. 

1. Hamburguesa Cuadruple Bypass: 8000 caloríasLa preparan en el restaurante más mortal del mundo, Heart Attack Grill. Lleva cuatro piezas de carne vacuna de media libra cada una fritas en grasa de cerdo, un tomate entero cortado en rodajas, media cebolla en rodajas, ocho fetas de queso, y seis rebanadas de pan. Cuesta 12,95 dólares.

2. Hamburguesa de Fifth Third Ballpark: 4800 caloríasEmblemática del estadio de baseball Fifth Third Ballpark, de los West Michigan Whitecaps, cuesta unos 20 dólares. Es una bomba de 5 piezas de carne roja con queso, abundante salsa de chilli, salsa con nachos, salsa de queso, rodajas de tomate, hojas de lechuga, crema agria y chips de harina de maíz, entre dos rodajas de pan con semillas de sésamo.

3. Pizza de hamburguesa de Burger King: 2500 caloríasPresentada este año en Nueva York, cuadruplica el tamaño de del Whopper clásico y lleva cuatro piezas de carne con pepinillos, mozzarella, salsa marinara y salsa de pesto entre dos panes con semillas de sésamo (US).  

4. Hamburguesa Luther Double Down: más de 2220 caloríasInspirada en la hamburguesa Luther, que en lugar de pan lleva doughnuts glaceadas (alrededor de 1000 calorías), y el sándwich de pollo frito Double Down de la cadena norteamericana Kentucky Fried Chicken (1220 calorías). Lleva dos piezas de carne de pollo rebozada y empapada en aceite con dos fetas de queso, dos de panceta, salsa de queso y salsa Colonel, entre dos rebanas de una dounhnut glaceada. ¡Puaj!

03/01/2011 18:23 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CRONICAS NAVIDEÑAS

Por: Rafael Ariansen S. - Instituto de los andes

Festivos saludos para todos Ustedes. Convencido por un inusitado espíritu navideño comparto con ustedes una serie de crónicas relativas a la época más feliz del año. Así que olvídense del calor, de la estrechez presupuestal y de las tiendas atestadas de gente y aprovechen estos "¿Sabía Usted que...?" para que durante la cena de Noche Buena se hagan los interesantes.

El origen de la extendida costumbre de regalar tarjetas navideñas se atribuye a Sir Henry Cole, un londinense que a principios del siglo XIX (1843) encargó a un amigo pintor, el artista John Calcott, que le dibujara y pintara una escena navideña, que luego mandaría a reproducir en una imprenta, para después escribirle unos breves deseos de felicidad, firmarlas y enviarlas a los amigos y familiares. La imagen representaba a una familia levantando sus copas para brindar, y la frase impresa no podía ser otra que el inmortal "Merry Christmas and Happy New Year".

¿Por qué se llama "Misa del Gallo" a la misa que se celebra el 24 de diciembre como término de la vigilia de Navidad? Porque esa misa solía caer "ad galli cantus" o "al canto del gallo", de donde le quedó su sugestivo nombre que nada tiene que ver con el hecho de que en algunos países acostumbraran comer gallo al horno en la cena de Nochebuena.

La tradición de armar el "Nacimiento" se remonta al año 1223, en una Navidad de la villa italiana de Grecio. En esta localidad, San Francisco de Asís reunió a los vecinos de Grecio para celebrar la misa de medianoche. En derredor de un pesebre, con la figura del Niño Jesús moldeado por las manos de San Francisco, se cantaron alabanzas al Misterio del Nacimiento; en el momento más solemne de la misa, aquella figura inmóvil adquirió vida, sonrió y extendió sus brazos hacia el Santo de Asís. El milagro se había producido ante la vista de todos, y aquellos que no murieron de la impresión, empezaron a extender la fama de los "Nacimientos" y su costumbre se extendió por todo el mundo.

¿Por qué pavo para Navidad? Las aves siempre han sido un plato fundamental en las comidas celebradas durante el solsticio de invierno. La razón por la que no podían faltar en ninguna celebración importante es su simbolismo. En la Antigüedad se creía que cuando las ocas y otras aves migratorias regresaban desde el sur a las regiones más septentrionales, traían con ellas la primavera y la abundancia de esta estación. Según esta creencia, que arraigó con fuerza durante siglos, poner un ave en la mesa era un acto ritual para pedirle a sus compañeras de vuelo que regresaran pronto.

Desde hace medio siglo, cada año los noruegos envían un enorme árbol de Navidad a Inglaterra en agradecimiento por la ayuda recibida durante la Segunda Guerra Mundial. El árbol se instala en la plaza de Trafalgar.

En la mitad del Océano Pacífico, al sur de Hawaii, existe una isla llamada Navidad. La venta de sellos de correos es su principal actividad económica.

La palabra pesebre se deriva del latín praesepem. Su significado original era "cajón para la comida de los animales". El buey, atributo de San Lucas Evangelista, es símbolo de la paciencia y el trabajo . El asno, animal que acompaña a la Virgen en el nacimiento, es símbolo de humildad.

En Belén (Jerusalén) existe la denominada Basílica de la Natividad. Fue construida en tiempos del emperador Constantino el Grande y restaurada por Justiniano en el siglo VI, este templo se encuentra bajo custodia de las Iglesias cristianas católica, armenia, siria, copta y griega en Tierra Santa, convulsionada por el conflicto israelí-palestino. Aún así, se trata de un impresionante destino de oración y peregrinaje, pues la tradición cuenta que sus muros se levantaron en el lugar preciso en el que nació Jesús y en su interior puede visitarse, entre otras reliquias, "la Gruta del Pesebre".

Hay unos 2000 millones de niños en el mundo. Pero si consideramos sólo a los cristianos la cifra se reduce a un 15% del total, calculando una media de 3,5 niños por hogar, por lo que estamos hablando de unos 91,8 millones de hogares que deberá visitar Papa Noel en Nochebuena, en un lapso no mayor de 31 horas gracias a los diferentes husos horarios y a la rotación de la tierra. ¡Vaya trabajito!

Los adornos y esferas que se cuelgan actualmente del árbol fueron creados en el siglo XVIII por los sopladores de vidrio de Bohemia, Alemania.

El muérdago está considerado como un talismán que da suerte y felicidad desde la antigüedad. La tradición navideña del ramo de la suerte se extendió a partir de finales del primer cuarto del siglo XX.

Papá Noel es uno de los personajes más queridos de la navidad, sin embargo su figura es reciente. En 1931 la compañía Coca Cola encargó al artista Haddon Sundblom el diseño de una imagen "más humana" para Santa Claus, que hasta el momento era imaginado por las personas de una forma muy diferente. Inspirado por un poema de Clement Moore (1822) creó la cálida, barbada y regordeta figura que ahora es tan conocida.

MUY ATENTAMENTE
RAFAEL ARIANSEN

24/12/2010 00:50 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL ELIXIR DE LA JUVENTUD 02

Por: Jaime Ariansen Cespedes - Instituto de los Andes

La Magia Verde

El Chartreuse es un licor de hierbas, de origen francés, que tiene una antigua y romántica historia. Se las cuento tal como la escuché: En la época de los alquimistas, el famoso mago Alastor recibió un día a un barbudo y sucio pastor llamado Jonathan, que decía venir desde muy lejos para verlo. Solicitó su intervención para presentar al Rey “el verdadero elixir de la vida”, “el brebaje que reconforta el cuerpo y el espíritu”, “la bebida que es capaz de poner pies en polvorosa a más de 300 espíritus malignos, de esos diablos que se apoderan del cuerpo de las personas gentiles”.

Es innecesario decir que Alastor se interesó mucho con tan elocuente presentación. El Rey de los Magos observó, analizó y bebió esa fuerte y fragante bebida verde, que venía en esa extraña y retorcida botella verde de la que salía un denso y bailarín humo verde, que tenía la virtud de volver la visión verde, aunque sólo por un instante, de todo el que la bebiera.

El elixir fue presentado en la Corte con gran suceso. En pocos días los requerimientos del rudo Jonathan para compartir los secretos de su receta se habían multiplicado como la fama de esta nueva panacea. Hasta que llegaron al límite. Este extremo se llamaba Romina, que era la hermosa y pelirroja hija del Alguacil, que por supuesto rechazó el requerimiento amoroso de ese singular “joven” que decía tener 180 años de edad. Esa pasión no correspondida fue el principio del fin de Jonathan y su extraño brebaje, ambos fueron a parar a una húmeda mazmorra que tenía un profundo y frío agujero, el hueco infinito del olvido.

Muchos años después azotó la región, como un terrible huracán, una cruel epidemia de cólera. El pánico se apoderó del pueblo por la terrible presencia de la muerte. Todos los intentos para desterrar la epidemia ya se habían hecho sin lograr el más mínimo resultado. Hasta que a la entonces ya venerable anciana Romina se le ocurrió comentar, “el alquimista Jonathan y su extraña bebida, debieron presentarse ahora y no hace 50 años...”

Algún desesperado preguntó en la mazmorra qué había pasado con ese extraño pastor y se sorprendieron de que todavía vivía con la misma apariencia joven del día que llegó. Jonathan fue sacado de la cárcel y conminado a preparar la receta. Todos los soldados y hombres sanos fueron puestos a su disposición para conseguir las 130 hierbas y flores que necesitaba para preparar el elixir. Durante diez días estuvo revolviendo sin parar, día y noche, la gigantesca olla; hasta que la bebida fue alcanzando su singular tono verde esmeralda Cuando supo que ya estaba en su punto, convocó a toda la región que desfiló por la Plaza Mayor para recibir su dosis de vida.

Se acercó con una guirnalda de laureles y olivos una temblorosa anciana, todavía con destellos rojos en el pelo, por supuesto que era Romina, Jonathan apenas pudo reconocerla y tal fue su pena y congoja de amor, que dice la leyenda que a partir de ese momento dejó de tomar el elixir de la vida y se dejó morir.

Tres meses más tarde, sin haber querido hablar con nadie desde el momento de su reencuentro con Romina, una tarde de abril, abandonó este mundo en aroma de Chartreuse. No sabemos cómo, pero la receta llegó en 1735 a manos del Mariscal de Estrees, Jefe Militar de Federico el Grande, quien la cedió en gran ceremonia a los monjes cartujos del Monasterio de la Grande Chartreuse, en Grenoble.

Después, son  numerosísimos los testimonios que dan fe de los maravillosos resultados del elixir de Jonathan. A mediados del Siglo XVIII, un estudioso de la época publicó una reseña que comentaba la preparación del Chartreuse, donde se confirma que contiene 130 hierbas y flores distintas, entre los que destacan la raíz de angélica, toronjil, jengibre, pimienta, corteza de naranja, cáscara de limón, canela, clavo de olor, quinina y mandrágora.

Hoy se vende el Chartreuse Verde, con un contenido alcohólico de 50% y el Chartreuse Ambar con un contenido alcohólico de 43%, ambos con su exquisito aroma y sabor milenario. (JAC)

09/12/2010 07:21 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL ELIXIR DE LA JUVENTUD 01

Por BBC Mundo, BBC Mundo

Presidente de Kazajistán busca "elixir" de la juventud

Nursultan Nazarbayev ordenó la apertura de un centro de investigación científica para encontrar formas de revertir el proceso natural de envejecimiento.

Presidente de Kazajistán busca

"Nursultan Nazarbayev, presidente de Kasajistán"

Ha sido denominado presidente de por vida, pero ahora también le interesa mantenerse lozano: el presidente de Kazajistán, Nursultan Nazarbayev, ordenó la apertura de un centro de investigación científica para encontrar el "elixir" de la juventud.

En una conferencia dada a estudiantes, el gobernante de 70 años anunció el nuevo "Centro para las Ciencias de la Vida" en el que se desarrollarán formas de revertir el proceso natural de envejecimiento.

"Como para la medicina del futuro, la gente de mi edad está de verdad deseando que todo esto suceda tan pronto como sea posible", dijo.

El instituto, localizado en la capital Astana, tendrá como prioridad estudiar "el rejuvenecimiento del organismo", así como "el genoma humano, la producción de tejido humano y la creación de medicinas a base de genes".

De por vida - La idea del presidente no es nueva.

Nazarbayev ha hecho referencia en repetidas ocasiones a su interés por los descubrimientos anti-edad y ha instado a los científicos a encontrar maneras de evitar la muerte.

Crema cosmética

"Crema cosmética"

A principios de este año, fue designado como presidente de por vida en Kazajistán. El líder septuagenario ha dirigido la ex nación soviética desde finales de 1980.

Y al parecer, sus objetivos podrían no estar tan lejanos. Hace unos meses en Reino Unido se reunieron científicos que durante décadas han buscado la forma de retrasar el envejecimiento humano para presentar sus avances.

Ahí el profesor Nir Barzilai -del Colegio de Medicina Albert Eistein de Nueva York- explicó a la BBC que la clave para lograr este objetivo es clasificar ahora a la vejez como una enfermedad que puede prevenirse.

Y aseguró que el tan buscado "elixir de la vida" podría estar listo en breve.

"Esta pregunta me la han hecho durante toda mi carrera profesional y siempre he respondido lo mismo: en unos cinco o diez años".

"Pero ahora estoy seguro de que estoy en lo correcto y será mucho más pronto de lo que creemos"

El elixir de la eterna juventud

La búsqueda de la inmortalidad o del elixir de la eterna juventud existen desde que la humanidad es consciente que es mortal.

Las culturas primitivas consideraban que la sangre de los animales transmitía energía vital y por eso se la bebían.

Los egipcios desarrollaron buena parte de su cultura en la creencia de que el faraón era un ser inmortal, de ahí la importancia que daban a la construcción de las pirámides y a todo el proceso de momificación.

Posteriormente se consideró que el aliento era el transmisor de la vida. Se creía que con el último aliento se expulsaba el alma y que el aliento divino otorgaba la vida. Así, el romano Claudio Hermippus afirmaba haber vivido 115 años al aspirar de forma continua el aliento de las jovencitas.

Otro de los grandes mitos de la inmortalidad es la búsqueda del Grial. En los siglos XII y XIII se formó el mito del Grial; este proceso consistió en cristianizar la tradición celta existente. El primero que escribió una historia sobre la búsqueda del Grial fue Chrétien de Troyes, aunque quedó incompleta por al muerte del autor. Este primer relato, sin embargo, ni conserva íntegramente sus rasgos celtas ni tampoco propone una interpretación cristiana. Poco después del relato de Chrétien, Robert de Boron, escribió una trilogía en a que se argumenta de manera definitiva el sentido cristiano al mito. Su historia transcurre en tiempos de José de Arimatea y el Grial es el vaso en que se recogió la sangre de Cristo.

En la edad media, las historias servían para educar a quienes las oían. Así, no es de extrañar que uno de los motivos de las cruzadas fuese hallar el santo Grial que, según decían, confería la inmortalidad o curaba a quién bebía de él.

Al mismo tiempo, mientras los caballeros iban a Jerusalén para conquistar lo que ellos denominaban territorio santo, los alquimistas buscaban con sus pócimas hallar la piedra filosofal para poder convertir todos los metales en oro y encontrar el elixir de la vida que les permitiese lograr la inmortalidad. De esta manera, hacia el siglo X en China se descubrió la pólvora. Se tiene constancia que en esa época se comenzaron a vender elixires milagrosos de manera ambulante por toda Europa.

En la época del Renacimiento la búsqueda de la fuente de la eterna juventud se asoció con la de El Dorado.

En los siglos XVI y XVII fueron habituales las historias que narraban rejuvenecimientos súbitos entre los alquimistas y las prolongaciones antinaturales de sus vidas gracias a la disolución de la piedra filosofal en agua destilada. Decían que la sustancia resultante era capaz de eliminar de manera selectiva el agua pesada de los tejidos haciendo que estos no envejecieran. Se creía que al tomar una gota de este elixir cada seis meses se eliminaban todas las toxinas del cuerpo, aunque luego se caían las uñas, los dientes, los cabellos, que posteriormente volvían a nacer; también se decía que desaparecía la necesidad de comer y la de evacuar y la transpiración era más que suficiente para eliminar líquidos. Lo que sí es cierto es que se conoce la fecha de nacimiento de muchos alquimistas pero no la de su muerte.

A medida que el tiempo iba pasando se hacía evidente que los métodos que se probaban para conseguir el elixir de la eterna juventud, fracasaban. Los sistemas cada vez se hacían más pintorescos e incluso extravagantes.

En la Edad Moderna aparecieron un conjunto de personajes que probaron una serie de técnicas según ellos infalibles para regenerar el cuerpo y poder vivir más.

Así, el conde de Cagliostro, noble nacido en Palermo en 1743, ideó un sistema similar al de los capullos de seda: la persona que quería regenerarse debía desnudarse, tumbarse en una cama, envolverse en una manta y durante un mes alimentarse solamente de caldo de pollo. Cagliostro afirmaba que pasados unos días el individuo perdería el pelo y los dientes hasta debilitarse al máximo, pero a partir de ahí comenzaría un proceso regenerativo que le devolvería los dientes, el pelo y la juventud. Obviamente, la persona que se sometiese a este “tratamiento” cumpliría la primera parte por la acción del escorbuto al no tomar nada de vitamina C, pero jamás recuperaría los dientes, el pelo y aún menos la juventud.

En 1777 murió Johannes de Philadelphia, un brujo de Gottinga conocido entre la nobleza por sus trucos de magia. Cuenta la leyenda que los restos del brujo fueron encerrados en un tonel con una pócima creada por él. Éste se abrió a destiempo y en su interior encontraron los restos de un embrión humano a medio desarrollar.

El alquimista más conocido del siglo XVIII fue el conde de Saint Germain de quien Voltaire hace referencia en más de una ocasión. Su primera aparición fue en Londres en el año 1743 y ya se rumoreaba que era mucho mayor de lo que aparentaba. Saint Germain tuvo la destreza de hablar de diferentes acontecimientos históricos del pasado de manera que parecía que había sido un testigo ocular y afirmaba haber conocido a Julio César y a Poncio Pilatos. Quienes le conocieron notaron que nunca parecía cansado, jamás comía ni bebía en público e ignoraba sexualmente a las mujeres. Murió en 1784 en el castillo de Carlos de Hesse-Cassel en Landgrave mientras éste estaba ausente, aunque muchos aseguraron haberle visto posteriormente en distintos lugares y en diferentes fechas hasta bien entrado el siglo XX.

Con el desarrollo de la ciencia se comenzaron a buscar otros sistemas para alargar la vida y aparentar la juventud, así cada vez se crearon más cosméticos y progresó una parte importante de la medicina moderna. (ineria.blogia.com)

09/12/2010 06:31 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL PISCO 10

Por Alicia Anavi y Leticia Radavero / ES, http://www.grupoq.com.ar

La bebida peruana por excelencia

Obtenido de la destilación de los caldos frescos de la fermentación del mosto de uva, este aguardiente es un emblema de Perú.

Foto: Glow Images.

Foto: Glow Images.

El Pisco es un aguardiente de origen peruano obtenido de la destilación de los caldos frescos de la fermentación exclusiva del mosto de uva siguiendo las pautas establecidas por la región. Al ser una DOC (denominación de origen), las únicas zonas productoras de ésta bebida son la costa de Lima, Ica, Arequipa, Moquegua y los valles de Locumba, Sama y Caplina, todas ellas en el Perú. Su nombre presenta cierta controversia ya que, por un lado, presenta un innegable origen peruano, el cual trata de un vocablo quechua que significa "ave" o "pájaro".  Sin embargo, en la misma región existía una comunidad de indios llamados "Piskos", los cuales elaboraban botijas de arcilla que tenían un recubrimiento interior de ceras de abejas en las que se almacenaban bebidas alcohólicas y chichas. Posteriormente, se comenzó a almacenar el famoso aguardiente elaborado en la zona, resultando que, con el paso del tiempo, dicho aguardiente pasó a identificarse con el nombre del recipiente que lo contenía.

Existen registros de su elaboración y consumo desde comienzos de la Colonia, destacando, además, el cultivo de la vid así como la elaboración de vinos y aguardientes en dicha zona. Fue entonces en el siglo XVII donde se comienza a buscar una tierra propicia para la uva, con una cultura tecnológica desarrollada en los valles del sur peruano, de donde nace el aguardiente de Pisco.

El Pisco se procesa con uva "Quebranta", variedad que resulta de la mutación genética de la uva negra traída por los españoles, inducida por la adaptación de la planta a las condiciones ambientales de suelo pedregoso y del clima desértico propio de la provincia de Pisco, que se extiende a los valles de los departamentos de Lima, Ica, Arequipa, Moquegua y algunos valles del Departamento de Tacna donde existen condiciones similares. La "Quebranta" es una variedad no aromática, de un gusto muy peculiar, que da el sabor inconfundible al aguardiente de uva Pisco. Posteriormente, se desarrollaron otros tipos de Pisco, con variedades aromáticas como la Italia, Moscatel de Alejandría. Torontel o Albilla. El Pisco proviene de la destilación de mostos recientemente fermentados, dándole su sabor inconfundible.

Variedades

Se presentan diferentes variedades del pisco además el puro, ya que hoy en día se encuentra el aromático, elaborado con uvas Italia y Moscatel que son aromáticas; el pisco mosto verde obtenido de la destilación de caldos incompletamente fermentados y por último, el acholado, proveniente de la mezcla de caldos de distintas variedades de uva. Con esta bebida se elabora el famoso trago Pisco Sour. Pisco Sour Tan solo necesitas 1 clara de huevo, 2 a 4 cucharadas de azúcar, 30 cc de jugo de limón y 70 cc de pisco. Coloca todos los ingredientes en una coctelera con hielo. Mezcla y sirve en una copa de sour. Se le pueden agregar unas gotas de Amargo de Angostura o whisky sobre el trago ya servido.

19/11/2010 06:17 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

Cocina de avión: horrible por naturaleza

 
¡Paren las rotativas! Un grupo de investigadores ha llegado a la conclusión de que la comida de avión es científicamente detestable. Pero no necesariamente por que esté mal preparada, peor condimentada, pobremente seleccionada, horriblemente empacada e incómodamente degustada. La culpa se la hechan al característico zumbido de las turbinas de la nave que de alguna manera atrofian nuestro sentido del gusto. En pocas palabras, no importa cuánto se esmeren las aerolíneas en ofrecernos buena comida, toda nos parecerá desabrida gracias al "ruido de fondo" de la cabina. Esto se demostró a través de dos grupos de voluntarios: un grupo comió utilizando audífonos protectores experimentando sabores más intensos en los alimentos dulces y salados, que aquellos expuestos directamente al ruido distractor de abordo. Al parecer, tenemos que concentrarnos en nuestra comida para que sepa más rica. Apoyando esta teoría están los especialistas de la NASA, que se ven en la necesidad de ofrecer a los astronautas alimentos de sabores fuertes al paladar, ya que por alguna desconocida razón perdían en el espacio el sentido del gusto. Ahora están casi seguros que es por el famoso y persistente ruidito. Aunque por otro lado, puede que la comida del avión sea fea y ya. ¿Qué opinan?
 
 
15/10/2010 17:12 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL VITRAUX

Por Tamara Armada /ES, http://www.grupoq.com.ar/

Historia de la técnica del vitraux

El vidrio fue el resultado de haber experimentado con los diferentes procesos de los metales, que también requieren de la exposición en hornos con altas temperaturas. En la siguiente reseña te contamos cómo y dónde surgió el arte con vidrios que en la actualidad se aplica tanto en ventanales como en cajas para el té y marcos de espejos.

Historia de la técnica del vitraux Stock Photos: www.sxu.hu

Historia de la técnica del vitraux Stock Photos: www.sxu.hu

 Los vitrales son vidrios cortados de diferente manera y con diferentes proporciones que a su vez pueden estar esmaltados, en diferentes colores o ser sólo bien blancos, o bien estar anexados con plomo.

Si bien los orígenes del vidrio se remontan a mediados del siglo IV a.C. en la zona de Egipto y la Mesopotamia, el arte del vitraux tuvo su apogeo con el nacimiento del estilo arquitectónico gótico del siglo XII, época en la que fue posible, a diferencia de las anteriores, abrir las ventanas ya que el techo era sostenido por el exterior de la construcción.

  Durante la época gótica, que había comenzado con la reconstrucción de la basílica parisina Saint-Denis, los acontecimientos bíblicos eran representados en escenas  que se plasmaban en los vitrales de las iglesias para educar a sus creyentes.

  El vitraux se consolidó como arte en el siglo XX, cuando se expusieron en París ejemplares con las creaciones de los más importantes pintores de aquel momento. La conjunción entre los artistas de diferentes disciplinas generó durante años grandes transformaciones en cuanto a las técnicas del vitral.

  Durante el movimiento artístico Art Nouveau, se dio un contexto fructífero para la técnica con vidrio gracias al uso de materiales novedosos como las resinas sintéticas, los pigmentos, los metales y el cemento, entre otros.

La técnica de la pintura sobre el vidrio invitó a colores que se fusionan aportando mayor transgresión en cuanto a lo visual.

Fuentes:

http://es.shvoong.com/

Manual de Vitral Artístico del escritor Juan Ramón González http://www.artevitraux.com.ar/

29/06/2010 05:01 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

AVES DEL PERÚ

Lima, (EFE).- Fruto de más de 40 años de trabajo, el libro "Aves de Perú", que con un listado de 1.804 especies es el más importante libro sobre ornitología peruana, fue hoy finalmente presentado en Lima en su versión en español.

Elaborado por los expertos Thomas S. Schulenberg, Douglas F. Stotz, Daniel F. Lane y John P. O’Neill, la versión presentada en la capital peruana es una ampliación de la original, publicada en idioma inglés por la Universidad de Princeton en 2007.

Con cerca de 200 fotografías e ilustraciones de 14 artistas, el libro supone un gran homenaje a la biodiversidad peruana, un país con la segunda avifauna más extensa del mundo y en donde los aficionados a las aves pueden divisar un 20 por ciento de las especies que habitan todo el planeta.

La génesis de esta obra se remonta a 1961, cuando John P. O’Neill, nacido en Houston (Texas) en 1947, visitó por primera vez a Perú.

Desde entonces, O’Neill, quien es la persona viva que más especies de aves ha descubierto en el mundo, convirtió el estudio de las aves peruanas en su proyecto de vida, motivo por el que, desde entonces, ha visitado el país suramericano casi cada año.

Con 13 especies descubiertas y catalogadas por él en territorio peruano, el experto estadounidense incluso ha dado nombre a una especie: la "Nephelornis Oneilli" o "Parduzco de O’Neill".

Con el objetivo de celebrar la presentación de "Aves de Perú" en castellano, el Centro de Ornitología y Biodiversidad (Corbidi) de Perú preparó para hoy en Lima una jornada de charlas y actividades, y en la que participaron varios de los autores del mencionado libro.

Además, los aficionados peruanos realizarán mañana un taller de observación de aves, durante el que recorrerán algunos lugares alrededor de Lima con el objetivo de divisar e identificar los animales, para lo que contarán con la ayuda de O’Neill, Schulenberg o Lane.

Luego, retornarán a Lima para introducir los datos del día en la web eBird Perú, presentada también hoy y que busca beneficiarse del trabajo comunitario que permite Internet para mantener monitoreadas a las aves que habitan el país suramericano.

20/03/2010 06:36 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

ADIOS, TIA JULIA

La Paz, 11 de marzo (Télam) - La boliviana Julia Urquidi -primera esposa de Mario Vargas Llosa y musa de "La tía Julia y el escribidor" murió en la ciudad boliviana de Santa Cruz de la Sierra por una complicación respiratoria, a los 84 años.

Urquidi -que a sus 30 años mantuvo una relación amorosa con su sobrino Vargas Llosa, de 19- falleció ayer, indicó la agencia de noticias Dpa sobre la co-protagonista del romance que devino en boda y llevó a la pareja a instalarse a Europa debido a la reprobación familiar.

Pero el idilio terminó cuando el joven Vargas Llosa se enamoró de Patricia, sobrina de la tía Julia y generó un triángulo amoroso que fue relatado por el escritor en su novela y por Urquidi en "Lo que Varguitas no dijo".

"Julia leía muchísimo, era una mujer muy culta y fumaba todo el tiempo los largos cigarros Big Ben que le complicaron la vida", dijo su sobrina nieta Wanda Zegarra al diario boliviano El Deber.

La propia Julia había declarado hace una década al diario peruano El comercio: "A Mario no le guardo ningún rencor. ¿Por qué? Cada uno tiene derecho a escoger su vida. Me hubiera gustado más honestidad, porque se hubieran evitado muchos problemas y sufrimientos". (Télam).-

UN GALARDON PARA EL PERÚ

Nominada al Oscar "La Teta Asustada" toca un tema incómodo para Perú

La peruana Claudia Llosa, directora de la cinta, manifestó su emoción desde Barcelona, donde reside, a medios radiales y de televisión peruanos.

"Es tan difícil hacer cine en general, poder terminar las películas, y ahora todo esto son pluses que nos llegan y que nos hacen muy felices", dijo Llosa, de 34 años, sobre la postulación al Oscar del film, su segundo largometraje tras haber filmado en 2006 "Madeinusa".

"Me parecía un sueño llegar hasta acá, no quiero pedir más", agregó la directora, quien recordó cómo esta película, que filmó sin muchas pretensiones en Manchay, una población pobre a las afueras de Lima, ganó en 2009 el Oso de Oro de Berlín, máximo galardón de ese festival.

Este martes en Manchay, una población desértica donde la mayoría de las personas no tiene acceso al agua potable, celebraba como propia la nominación.

Decenas de habitantes se reunieron para festejar, y algunos de ellos recordaron que antes de iniciarse el rodaje se hizo un pago a la tierra, una especie de ceremonia para dar suerte a la filmación.

La protagonista de "La Teta Asustada" es la hermosa Magali Solier, de 23 años y origen quechua, que tiene una historia muy particular. Al tiempo que terminaba el colegio, ella era vendedora ambulante en Huanta, su pueblo en el sur del Perú. Fue allí que la descubrió Llosa para protagonizar sus dos filmes.

Convertida en una actriz cotizada, Solier recibió la noticia de la nominación al Oscar mientras cosechaba maíz.

"Estoy entre los maíces de mi chacra, no lo puedo creer que haya llega tan lejos la película", dijo al conocer la noticia.

Los críticos de cine local elogiaron también la nominación.

"Es la ratificación de la enorme calidad de la película de Claudia Llosa, es una aceptación para el cine peruano, es merecidísima la nominación", apuntó el reconocido crítico Augusto Tamayo.

Según su colega Armando Robles Godoy, "el hecho de ser nominado es una conquista notable para el cine peruano; es una satisfacción por que hacer cine en el Perú es un trabajo heroico".

"La Teta Asustada" está basada en la creencia popular de que las mujeres violadas y maltratadas durante los años de la violencia política en Perú traumatizaban a sus hijos al darles de mamar.

En el film, Solier interpreta a Fausta, hija de una de estas mujeres violadas quien, para protegerse de una agresión sexual, lleva una papa metida en la vagina.

Es una película "sobre los rezagos de la guerra y de cómo tenemos que curar heridas. No intenté señalar culpables, ni mostrar rostros, sólo que la herida está ahí", dijo Llosa tras el triunfo en Berlín.

El estreno de la película en Perú generó una cierta incomodidad oficial pues la Comisión de la Verdad y Reconciliación (CVR), que investigó 20 años de violencia en el país, determinó que 83% de los culpables de las 534 violaciones reportadas se atribuyeron a los agentes del Estado, en particular a los militares.

Igualmente generó rechazo en sectores de derecha, para los cuales la película avalaba un informe de la CRV que consideran demasiado duro con los militares que combatieron a la guerrilla de Sendero Luminoso.

De esta manera, y sin pretenderlo, Llosa hurgó en la violencia de esa confrontación entre Sendero Luminoso y la respuesta del Estado, que según la CVR dejó más de 70.000 muertos.

12/02/2010 00:23 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA OBRA DE ARTE MAS CARA DE LA HISTORIA

¿Sabías que un Giacometti se ha convertido en la obra más cara de la historia?


artelista.com - En las casas de subastas el mundo del arte fulmina cotizaciones día sí, día también. En esta ocasión, el afortunado, que se ha impuesto sobre históricos como Picasso o Bacon, ha sido Giacometti con su L’Homme qui marche I. Una pieza que se sitúa a la cabeza del ranking de obras más caras gracias a los 104,3 millones de dólares que alcanzó la semana pasada en Sotheby's. Un nuevo récord mundial que posiciona a este escultor de la vanguardia como el más deseado, tan sólo a la espera de alguien que le supere.


La obra pertenece a la etapa de madurez del artista suizo, la más famosa en su producción, y supone un punto culminante en la evolución desarrollada por Giacometti a lo largo de toda su carrera en la búsqueda de la representación de la figura humana. Encargada con motivo de un proyecto público para la ciudad de Nueva York, El hombre que camina I forma parte de una serie de estatuas de temática similar que, finalmente, el escultor no finalizó. La pieza ha pertenecido a Commerzbank AG, a través de Dresdner Bank AG, hasta la noche del miércoles 3 de febrero en que un nuevo comprador se hizo con ella.

Las altas cotizaciones de Giacometti en las últimas subastas presagiaban que el valor que alcanzaría la pieza estaría muy por encima del precio estimado; sin embargo, ha sido una sorpresa para todos el hecho de que, con algo más de 104 millones de dólares, Giacometti haya marcado un nuevo récord, superando a Picasso, anterior cabeza de listado con su famoso Chico con pipa.
11/02/2010 01:47 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

KINA DINAMITA

La Gaceta Online - Según un medio español Kina ´Dinamita´ Malpartida ´es dueña de una belleza avasalladora y de un carácter que se las trae´.

La boxeadora peruana está dando de que hablar. Luego de su última pelea en la que retuvo su título, el nombre de Kina Malpartida ha dado la vuelta al mundo y no solo porque es la campeona mundial superpluma de la AMB, sino porque la prensa extranjera asegura que “Dinamita” es la boxeadora más sensual de todos los tiempos. El portal español “Mundo Deportivo” destacó la sensualidad de la deportista peruana.  “Se llama Kina Malpartida Dyson y es conocida como Kina “Dinamita”. Tiene 29 años, nació en Lima, Perú, el 25 de marzo de 1980 y es la sensación actual en el panorama boxístico”.

“”Dinamita” Malpartida es además dueña de una belleza avasalladora y de un carácter que se las trae. Ahora, cuando ha transcurrido apenas una semana de su última pelea, en la que venció a la inglesa Lindsey Scragg, para defender por segunda vez su título mundial superpluma de la AMB, ha lanzado un video para promocionar su nombre como marca”, señaló dicho medio.

“Kina Malpartida WBA Championship Highlight Film” se llama el cortometraje que ha lanzado el departamento de relaciones públicas de “Dinamita”, el orgullo del pueblo peruano”, agregó “Mundo Deportivo”.

La otra pasión de la boxeadora peruana es correr olas. Lo hizo junto a Sofía Mulanovich campeona mundial en tabla, y se calzó los guantes por primera vez en Australia, Kina fue, es y será una de esas chicas que un hombre siempre voltea a ver. Eso sí, no se ponga “enamorador” porque ella es capaz de arrancarle los dientes de un puñetazo. Es hija de Óscar Malpartida, tres veces campeón peruano de tabla hawaiana, y de Susy Dyson, una modelo internacional. Y claro, Kina Malpartida heredó la belleza de su madre y el espíritu competitivo de su padre, una combinación ideal.

En 1999 dejó Lima para mudarse a Australia. Estudió seis años administración de cocina comercial hasta que una tarde su destino cambió. “En agosto del 2003 entré a un gimnasio para aprender defensa personal y quedé fascinada. Me calcé los guantes de boxeo, empecé a darle a un saco de arena y sentí algo diferente. Me gustó muchísimo. Apenas tres meses después de eso, tuve mi primera pelea profesional, ante Katrina Harding y le gané”, cuenta la hoy estrella del boxeo mundial femenino..

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EL PRINCIPAL AVANCE CIENTÍFICO

Ha cambiado el enfoque del inicio de la evolución humana

'Ardi', principal avance científico del año para 'Science'

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Foto: Science+ 

   MADRID, (EUROPA PRESS)
   La investigación que desveló los fósiles de 'Ardipithecus ramidus', una especie de homínido que vivió hace 4,4 millones de años en lo que es ahora Etiopia encabeza la lista de los diez avances científicos más destacados del 2009 que cada año publica la revista 'Science'.

  'Ardi' precede a 'Lucy', el esqueleto parcial más antiguo en los registros de un homínido, en más de un millón de años y lleva a los investigadores más cerca del último ancestro común conocido de humanos y chimpancés.

   Según señala Bruce Alberts, editor jefe de la publicación, en un editorial en Science "el descubrimiento cambia la manera en la que pensamos sobre los inicios de la evolución humana y representa la culminación de 15 años de una meticulosa investigación y de estrecha colaboración de más de 47 científicos de diversas especialidades y nueve naciones, que analizaron cuidadosamente 150.000 especímenes de animales y plantas fosilizados".

   Después de analizar el cráneo, dientes, pelvis, manos, pies y otros huesos, los científicos determinaron que el Ardipithecus poseía una mezcla de características 'primitivas' compartidas con sus predecesores, los simios de la época del Mioceno, y características 'derivadas', que compartía sólo con los homínidos posteriores.

   Sin embargo, muchas de sus características no aparecen en los simios africanos modernos y una de las principales conclusiones es que es probable que estos simios africanos hayan evolucionado en gran medida desde que el ser humano compartió con ellos el último ancestro común, lo que permite una mayor comprensión de la evolución humana desde entonces.

   Los otros nueve avances científicos que destaca 'Science' en el 2009 incluyen la detección de púlsares por Fermi, el telescopio espacial de rayos gamma de la NASA; un mecanismo molecular de longevidad dirigido por la rapamicina; los descubrimientos sobre el grafeno para su aplicación a los dispositivos electrónicos o nuevas moléculas en las plantas que les permiten resistir a la sequía.

   La lista se cierra con el primer láser de rayos X del mundo del Laboratorio del Acelerador Nacional SLAC de California; los avances en terapia génica en una rara enfermedad cerebral, ceguera heredada y trastornos inmunes; partículas fundamentales con un único polo magnético; los descubrimientos de agua en la Luna y la reparación del Hubble.

   Los editores de la revista además hacen una llamada de atención sobre las áreas que en 2010 pueden propiciar nuevos descubrimientos como el metabolismo de las células del cáncer, las células madre pluripotentes en la enfermedad neuropsiquiátrica o el futuro de los vuelos espaciales humanos.

18/12/2009 05:11 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL HOTEL MAS FASHION

The Mardan Palace es un hotel de lujo situado en la riviera turca, en Antalya (Turquía) que fue construido por el multimillonario azerbayano Telman Ismailov. Su inauguración tuvo lugar el 23 de mayo de 2009 con la participación de artistas y famosos de renombre internacional como Paris Hilton, Mariah Carey, Sharon Stone, Richard Gere, Monica Bellucci, Seal, Tom Jones y personalidades de la política como el Presidente de Kazajistán, Nursultan Nazarbayev.

Durante su construcción no se estimó en gastos haciendo especial hincapié en las Suites de lujo repletas de antigüedades de enorme valor y dotadas de los mejores servicios para atender a los viajeros más exigentes. El hotel dispone de 560 habitaciones que están magníficamente decoradas e inspiradas en la arquitectura y arte del Imperio Otomano. Todas las habitaciones están lujosamente equipadas con exclusivas amenidades Hermès, avanzados sistemas multimedia interactivos con pantallas LCD y conexión WiFi. Las suites cuentan, además, con el servicio de mayordomo 24 horas.

The Mardan Palace cuenta con 11 restaurantes y 14 bares que están disponibles para que el cliente pueda degustar cualquier cocina del mundo. La bodega está cubierta con una selección de excepcionales y exclusivos vinos de las mejores bodegas. 10.000 m2 de oro, 500.000 cristales y 23.000 m2 de mármol italiano son algunos de los exponentes que evidencian la elegancia que reviste este local.

Para el entretenimiento el usuario dispone de la piscina más grande del Mediterráneo, que se encuentra integrada con un acuario con 2.400 peces, un SPA de 3.600 metros cuadrados y su propia playa formada gracias a las 9.000 toneladas de arena procedente de Egipto.

El hotel es ideal para unas vacaciones de relax, disfrutar de una escapada romántica, celebrar una reunión de negocios o simplemente para relajarse y deleitarse en la intimidad y tranquilidad. Aunque por supuesto quienes podrán acceder a él serán aquellos que puedan pagar el rango de EUR 0.00 y EUR 14,000.00  que cuesta la habitación del Mardan Palace.

06/12/2009 15:21 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL MAGO ESCHER

Por: Abel Grau - Los dibujos de Escher lo hipnotizan a uno hasta que acaba atrapado en su acertijo lógico. El observador sabe por sentido común que una figura que sube por una escalera vertical no puede coexistir con otra que, peldaño a peldaño, avanza por una escalera horizontal. Y, sin embargo, ahí están. La vista percibe algo que contradice la lógica. Los sentidos discuten con el sentido común. Es un callejón sin salida. Un bucle. Un dibujo de Escher.

 

Belvedere. Una construcción de dos niveles encajados en la ilustración pero arquitectónicamente desconyuntados. La disposición de los dos pisos se cruza sobre el plano. Difícilemte la escalera puede unir las dos alturas en línea recta.

Maurits Cornelis Escher (1898-1972), dibujante y grabador holandés, trazó arquitecturas imposibles y juegos geométricos obsesivos. En Autorretrato, proyecta su efigie sobre una esfera de cristal: la mirada fija, el rostro enjuto, las cejas luciferinas y las orejas puntiagudas; la viva imagen de un hechicero aritmético.

Escher sostenía que era capaz de ver una belleza infinita en un cubo. Seducido por la geometría, construyó centenares de repeticiones pautadas y distorsiones visuales. En Aire y agua, una bandada de pájaros se transforma sutilmente en un banco de peces, o viceversa. En Balcón, el centro de un pueblo costero se proyecta esferizado hacia el espectador. Arriba y abajo es el ensamblaje de dos perspectivas opuestas. Sí, es frío y repetitivo. Escher no pretende conmover. Sus dibujos son un desafío eléctrico lanzado directamente al cerebro.

“Probablemente, de todos los artistas es el que más directamente apela a la inteligencia pura del espectador”, resume Jesús Mosterín, filósofo y miembro del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. “No despierta sentimientos ni emociones. Su obra constituye un reto permanente a la inteligencia del espectador. No emociona; fascina, deja perplejo”.

Escher lleva más de medio siglo asombrando a matemáticos, físicos, filósofos y, claro, a espectadores comunes; sólo hace falta echar un vistazo a cómo acercan la nariz a sus pequeñas composiciones los visitantes de la muestra Escher. El arte de lo imposible (en el Centro de Arte Canal, en Madrid, hasta el 4 de marzo). Todos quieren aproximarse para desentrañar el enigma del espejo autorreferencial de Tres esferas II, las escaleras entrecruzadas de Relatividad o el caudal de agua de tres pisos en un sólo nivel de Cascada.

El bucle lógico, visual y musical

En Gödel, Escher, Bach (premio Pulitzer 1980 y best seller de literatura científica), un monumental estudio sobre la consciencia, el matemático norteamericano Douglas Hofstadter, se adentra en los paralelismos entre el dibujante holandés, el matemático Kurt Gödel y el compositor Johann Sebastian Bach. “Gödel determina que hay un límite en cualquier sistema formal: podemos comprenderlo pero no demostrarlo sin salir de él”, explica Jorge Wagensberg, físico y director del área de ciencia de la Fundación La Caixa. (Un ejemplo de sistema cerrado es la paradoja del cretense Epiménides “Todos los cretenses son mentirosos”.) Esta idea de circuito cerrado, de solipsismo, es la que Escher ilustra magistralmente en piezas como Cascada y Subiendo y bajando.

Quizá el propio Escher no tenía la intención de dar cuerpo a fórmulas abstractas, sino, sencillamente, de recrear paradojas geométricas por puro placer intelectual. “No son investigaciones matemáticas. Lo que hace es materia prima que se presta para que los matemáticos la interpreten”, observa el filósofo. “Las matemáticas son la creación más pura de la inteligencia. Es un mundo donde no hay emociones, sólo construcciones mentales. Que se pueden ilustrar bien con un dibujo”, añade Wagensberg.

La intuición que fascina al científico

El divulgador sostiene que el artista puede abrir una ventana a una realidad a la que el científico le cuesta llegar: “la ciencia puede comprender sin intuir, y el arte puede intuir sin necesidad de comprender. Así, el artista puede darle intuiciones al científico”. Como la del desfile sin fin de hormigas por la Cinta de Moebio, un concepto clave de la topología, la rama de las matemáticas que estudia la continuidad, o la de los lagartos multiplicados de División regular del plano VI, una descripción tentativa de un fractal (una forma geométrica que se repite a escala).

La obsesión de Escher con la repetición se consolidó en una visita a la Alhambra, en Granada, y la Mezquita de Córdoba en 1936. En las intrincadas cenefas arábigas descubrió una estrategia compositiva que consideró eterna. “Las recurrencias de Escher son una ilustración de lo que es comprender; de la inteligibilidad. La ciencia es buscar la regularidad de las cosas, la repetición; hallar la norma en la naturaleza, allí donde parece que no la hay”, señala Wagensberg.

“Todas sus piezas son representaciones matemáticas. Y, claro, que sea posible en matemáticas no quiere decir que sea posible en la realidad”, añade. Sus composiciones sólo son posibles sobre el papel pero siguen atrayendo como una espiral poliédrica que se repite hasta el infinito.

22/11/2009 14:16 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

WHARTON 19

Boletín de Universia-Knowledge@Wharton
http://www.wharton.universia.net
7 - 20 Octubre, 2009

Código Rojo
Los grandes bancos españoles siguen con su proceso de internacionalización
La banca española se encuentra en una situación privilegiada. Después de que la tormenta financiera sacudiese los cimientos de los grandes bancos mundiales, el sistema español ha demostrado una mayor solidez, gracias a su sistema de reservas. Mientras España –y sus cajas de ahorros, fuertemente expuestas al sector inmobiliario-, tardará más en salir de la recesión que otros países, algunos de sus grandes bancos están aprovechando las oportunidades que ha traído la crisis para construir su presencia global.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=whatshot&language=spanish

Política y Gobierno
Perú y Chile: Una historia de éxito en los negocios opacada por el clima político
Mientras la agenda política entre Chile y Perú avanza por un complejo camino, los negocios entre ambos países prosperan, gracias a la reciente compra de la mayor cementera de Chile por parte del principal grupo empresarial de Perú: Grupo Brescia. ¿Se trata de un hecho aislado o representa, tal y como aseguran algunos expertos, el comienzo de una integración económica regional? ¿Cuáles son las principales oportunidades de negocio entre ambos países? y ¿hasta qué punto las barreras políticas y administrativas podrían poner en riesgo el éxito de ésta y las futuras alianzas empresariales?
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1784&language=spanish

Liderazgo y Cambio
¿Llevará la fiebre del oro negro a China de compras por América Latina?
China se ha encontrado un camino de baches en su carrera por convertirse en la mayor potencia económica del mundo; uno de ellos es asegurarse el suministro petrolífero. Para solventarlo ha puesto rumbo al exterior, cheque en mano, para hacerse con el mayor número posible de reservas. El interés de China National Petroleum y CNOOC por hacerse con YPF, la filial argentina de Repsol, constatan la estrategia que han emprendido las petroleras chinas en los últimos tiempos. Por qué y hasta dónde están dispuestas a llegar son cuestiones que responden expertos consultados por Universia Knowledge@Wharton. 
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1785&language=spanish

Estrategia
La gestión empresarial durante la crisis: Atención al cliente y expectativas bajas
Ahora que una serie de nuevos datos económicos alimentan la esperanza de una recuperación sostenida de la economía, los ejecutivos saben que no hay garantías frente a una súbita recaída. Ante eso, ¿cómo sacar provecho de las señales positivas de la economía sin poner en riesgo la empresa, si volviesen los malos tiempos? Profesores de Wharton y de otras instituciones hablan sobre cómo gestionar los negocios durante una recuperación económica lenta, e incierta, y explican cómo la empresa puede tener beneficios en ese contexto.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1781&language=spanish

Gestión de las Operaciones
El replanteamiento de la teoría Long Tail o de Cola Larga
La teoría Long Tail o Cola Larga sugiere que Internet desvía la demanda de productos de éxito para las masas hacia nichos más desconocidos. Pero una nueva investigación de Serguei Netessine, profesor de Wharton, y del doctorando Tom F. Tan, desafía esa teoría utilizando datos de la empresa de alquiler de películas Netflix.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1780&language=spanish

Recursos Humanos
Las normas de etiqueta en la era de las redes sociales
Las webs de redes sociales y la Blackberry, que hacen que el usuario esté disponible 24 horas al día, borran la línea divisoria entre la vida profesional y la personal. Ejecutivos y empleados, en general, se esfuerzan en crear normas sociales que los guíen en medio de la evolución continua de la tecnología de las comunicaciones. Profesores de Wharton y especialistas de otras instituciones dicen que el proceso de elaboración de reglas para lidiar con el alcance cada vez mayor de las comunicaciones modernas está dando sus primeros pasos y las modelarán, en gran medida, individuos y empresas, y no las órdenes de algún experto en etiqueta digital.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1782&language=spanish

Tecnología
¿Está librando Microsoft una batalla sin sentido?
El pasado 15 de septiembre Microsoft daba un “significativo paso adelante” con el lanzamiento de la próxima generación de reproductores Zune HD, un dispositivo capaz de reproducir videos de alta definición (HD), de recibir señales de radio HD y que cuenta con una pantalla OLED último modelo. Expertos de Wharton creen que, a pesar de su avanzada tecnología, aún no está muy claro si sus características tendrán importancia para el consumidor. Zune HD ya se enfrenta al objetivo prácticamente imposible de competir contra el iPod de Apple, cuya cuota de mercado en julio era del 73%. ¿Merece la pena que Microsoft continúe librando esta batalla?  
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1783&language=spanish
08/10/2009 14:21 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

HOTELES FAMOSOS Y SUS PISCINAS

PISCINAS FAMOSAS

1ª. Interior y exterior
Crown Towers Hotel. En Macau.
Oasis de tranquilidad en medio de la ciudad.
2ª. Con acuario de fondo
Golden Nugget. Las Vegas.
Nadar viendo tiburones es la oferta central.
3ª. Lujo árabe
Burj Al Arab. Dubai, Emiratos Árabes Unidos.
Derroche en materiales. Otra cosa es el gusto.
Por: Isabel Ibañez - Diario Vasco - Cuentan que el pintor David Hockney se decidió a crear su famosa serie de piscinas al óleo mirando por la ventanilla del avión que en 1964 lo llevaba de Londres a California. Allá abajo, centenares de formas rectangulares de color verde o azul resaltaban en los jardines del extrarradio de Los Ángeles. Y le impresionaron. Una buena piscina siempre impresiona; es promesa de disfrute, de verano, de relax, de placer... Y las hay maravillosas.
La construcción de piscinas se ha convertido en un arte, la exigencia es cada vez mayor, aunque a veces el exceso de dinero y el gusto desmedido e incondicional por el lujo pueden añadir un toque kitsch al conjunto. De cuando en cuando, se publican las clasificaciones que establecen cuáles son las más bellas o impresionantes del mundo, como las que aparecen en estas páginas: pertenecen a algunos de los hoteles más caros del planeta. Aunque hay quien discute esta selección.
Montse Quintana es la fundadora y gerente de XYZ Piscinas, una firma de Barcelona cuyo trabajo quedó reflejado en la película de Woody Allen Vicky Cristina Barcelona: la piscina que aparece en la secuencia final la creó su empresa. «La hicimos en 1999 en una casa privada de Barcelona, la misma donde se rodó el anuncio de Ferrero Roché de Isabel Preysler», explica.
Atrás quedaron los tiempos en que una piscina era simplemente lo que la Real Academia de la Lengua expone en su diccionario: «Estanque destinado al baño, a la natación o a otros ejercicios y deportes acuáticos». Y lo resume Quintana con una frase: «Estoy harta de ver piscinas color celeste en medio de un prado verde, es un atentado contra la vista». Porque en la actualidad la instalación de una piscina conprende también la creación de un espacio atractivo que potencie la belleza de la misma. «Hay que integrarla de forma armónica en el lugar que va a ocupar».
«Hoy en día -detalla Quintana- es fundamental trabajar con materiales diferentes y apostar por nuevas texturas. Por ejemplo, hay una piscina que nos gusta mucho y es la del hotel La Florida de Barcelona. Es espectacular por su vaso fabricado en acero inoxidable y con diferentes estructuras, algo muy difícil de lograr. Además, han conseguido que sea interior y exterior, algo muy complejo por el esfuerzo que supone mantener la temperatura adecuada».
En esto de los materiales y los colores los clientes cada vez se atreven más con apuestas diferentes:«Nos han pedido piscinas de basalto negro que resultan muy elegantes. Ahora, las estamos fabricando con piezas interiores muy grandes -de 1,20 metros por 0,90- y el color elegido ha sido el blanco. El agua queda de un azul precioso, muy natural».
Una escalerilla para el perro
Claro que también hay quien solicita cosas de dudoso gusto. Al ver la foto en esta página de la piscina de Hugh Hefner en Las Vegas, con el conejito de Play-Boy visible en el agua, Quintana reconoce que también han tenido que instalar «algún que otro logo de empresa. Recuerdo que una vez, un matrimonio nos dio una foto de ellos juntos en primer plano y nos pidió que la colocásemos para que se viera bien en el fondo».
Entre las peticiones más curiosas con las que se han topado está la del hombre que quería una escalerita para que su perro pudiera salir después de darse un chapuzón.
La gerente de XYZ se atreve a hacer una valoración del ránking de piscinas de lujo que se reproduce en estas páginas. Entre las más espectaculares y completas según su gusto, la mejor es la situada en el puesto cuarto, la del Banyan Tree Hotel, en las Seychelles: «La conozco personalmente y es maravillosa, realizada con una piedra volcánica especial de color azul marino, desbordante por todos los lados menos por uno. Y el enclave es fantástico, le sigue un canal, algo maravilloso. Es la simplicidad hecha piscina y resulta muy elegante».
También destaca la del Intercontinental Hotel de Hong Kong: «Preciosa porque mezcla madera, agua y cristal con una iluminación especial. Tiene mucho trabajo y está muy bien hecha». De la que ocupa el octavo puesto, la piscina del Begawan Giri Hotel (Bali), destaca «la escalera de entrada, el revestimiento interior y la baldosa, que es más grandota que el gresite. Y es desbordante hacia la selva, hecha con materiales muy bonitos, naturales».
Las que cierran el ránking, los puestos undécimo y duodécimo, se encuentran también entre las favoritas de la experta por la pared transparente de cristal, «que sale al vacío. Es muy agradable nadar en este tipo de piscinas si no tienes mucho vértigo, claro, porque parece que te caes. Nuestra empresa está realizando piscinas de este tipo. Gustan mucho».
Entre las que le provocan indiferencia se encuentran la que ocupa el primer puesto, la piscina del Crown Towers Hotel en Macau: «Lo que mejor tiene es la vista, sin ninguna duda», y la de Islandia: «Lo importante aquí es que sea de agua natural. Lo demás resulta irrelevante».
Pero también están las que ella engloba sutilmente dentro de las piscinas «según los gustos», o más claramente las que han hecho primar el lujo por el lujo o intentan ser la más grande, la más larga, la más cara, la más.... «La que ocupa el puesto tercero, la del hotel Burj Al Arab, no me gusta nada, es muy del estilo de Dubai. Y no me agrada porque mi gusto es muy minimalista. Y sí, ahí hay mucho dinero invertido en revestimientos, en los techos, en los materiales, pero...».
Y qué decir de los tanques con tiburones del Golden Nugget de Las Vegas: «No me gusta, prefiero las piscinas del Bellagio. Ésta sí es un poco hortera. Como la de Play-Boy. Sin comentarios, es carísima, sí, pero qué mal gusto poner el conejito. Hay que tener cuidado con las cosas que se piden».
26/08/2009 14:09 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL LIMITE DE LO INCREIBLE

  
 

 

 
Por: Rodrigo Soberanes - Usain Bolt revolucionó la historia del atletismo. Lo que hizo el jamaiquino fue dejar atrás una era y comenzar otra, como lo hizo Jesse Owens en 1936. Algo tendrá Berlín que ahí se han gestado dos de los más importantes capítulos para la historia del deporte. El último de ellos acaba de ocurrir.

El velocista caribeño recorrió 100 metros en 9.58 segundos, un hecho insólito, tan emotivo como escalofriante. ¿A dónde va a llegar el hombre si ya es capaz de hacer lo que hizo hoy Usain?. ¿Podrá romper la barrera de los nueve segundos y medio?.

¿Podría alguien imaginar a un velocista norteamericano diciéndose feliz por obtener un segundo lugar detrás de un atleta?, Tyson Gay lo hizo hoy tras arribar segundo en la final de los 100 metros planos del Campeonato Mundial de Atletismo.

El norteamericano es el mejor corredor de 100 metros planos que ha dado el atletismo de ese país y hasta hace unas horas era el campeón mundial de la especialidad.

Gay paró el cronómetro en 9.71 segundos, mientas que el tercer lugar, el también jamaiquino Asafa Powell, lo hizo en 9.84 segundos. Fue la carreta de 100 metros planos más rápida de la historia.

Hoy todo el mundo hace conjeturas sobre el alcance del hombre. Hoy el niño Usain que creció en la Jamaica Rural hizo algo superlativo, habló en nombre de El género humano a sus escasos 22 años de edad.

Detrás de él hay décadas de evolución en los planes de entrenamiento, en la alimentación, en la tecnología, incluso, en el mundo de los atletas se mencionan experimentos genéticos para crear atletas fuera de serie.

Delante de él había una pista de tartán de 100 metros, junto a él dos de los más grandes velocistas de todos los tiempos y a su alrededor decenas de miles de personas en total silencio atentos a que el jovencito espigado pudiera batir su propia marca de 9.69 segundos. Usain no sólo rompió esa marca, sino que le quitó 11 centésimas: un abrir y cerrar de ojos que significa toda una era.

20/08/2009 06:21 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

500 AÑOS DE FUSION

Una sabrosa reconquista
Por: Ángela Serrato - El Correo de Andalucía
 
José Manuel Cabello / Paco Puentes

Cinco siglos llevan la cocina andaluza y americana alimentándose entre sí. Para que sean al menos otros cinco la II Feria Andalucía Sabor se lanza en septiembre a un ‘nuevo descubrimiento’.

¿Hay algo hay más español que una tortilla de patatas? Pues este plato, que tanto gusta a los de aquí y a los que vienen de fuera, no tendría razón de ser sin la patata, un alimento que no estaría en todas las casas del país si no fuera porque un día unos marineros –con Cristóbal Colón al frente– partieron de un puerto de Huelva para descubrir América.

Desde entonces, el intercambio entre la cocina andaluza y americana ha sido un no parar y, por eso, la segunda edición de la feria internacional de alimentación Andalucía Sabor estará dedicada a este fenómeno que no ha perdido fuelle en cinco siglos. Y no lo hará, porque en el marco de la feria se constituirá la Academia Iberoamericana de Gastronomía, que tendrá su sede en Sevilla y en la que estarán representadas Andalucía, España, Portugal, Brasil, Argentina y México.

Así lo explicó ayer la consejera de Agricultura y Pesca, Clara Aguilera, que presentó en la Biblioteca de la Institución Colombina de Sevilla –no podía ser de otra manera–, la próxima edición de Andalucía Sabor, que se celebrará en septiembre en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla (Fibes). La cita gastronómica se constituye, dijo la consejera, “como un homenaje a América”, protagonista “del primer gran intercambio cultural de nuestra historia”.

Durante tres días, profesionales del sector de 21 países –algunos de Asia y América– intercambiarán ideas y opiniones en esta exposición, que cuenta con 4.000 metros cuadrados de superficie y que en su primera edición de 2007 recibió más de 7.000 visitas y contó con la participación de unas 1.500 empresas.

Dar a conocer el trabajo de los principales chefs de la región es otro de los objetivos de la feria, que albergará también concursos de cortadores de jamón, catas de vinos, conferencias y mesas redondas. Además, cada una de las jornadas estará dedicada a un tema específico. Así, el primer día se centrará en los productos procedentes de América y los autóctonos de Andalucía y en la manera en que ambos se han fusionado. La tapa será la protagonista de la segunda jornada y la influencia de la cocina andaluza en el extranjero, la de la tercera.

Al tiempo que la feria, se celebrará también el II Congreso Internacional de Alta Cocina, que lleva por título El nuevo descubrimiento y en el que participarán, entre otros, los cocineros Ferrán Adriá, Martín Berasategui o el andaluz Dani García. Además de chefs consagrados, en Andalucía Sabor tendrán cabida también los nuevos valores de la cocina, ya que estos días se celebrará la final del concurso Mejor Cocinero Novel del Año.

El objetivo final de esta feria no es otro que potenciar “el éxito del sector agroalimentario andaluz”, como dijo Clara Aguilera, que hizo hincapié también en que Andalucía “es una de las mayores potencias” del sector a nivel mundial, como lo demuestran las más de 5.000 empresas del sector que facturan unos 15.000 millones de euros al año. Para consolidar esta posición, en esta edición se incorporarán las industrias del sector pesquero y se ha ampliado la participación a todos los consejos reguladores de las denominaciones de calidad que hay en Andalucía.

Tres días en los que Sevilla se convertirá en la capital culinaria del mundo y aunque la feria sólo está abierta a profesionales del sector y no al público en general, todo lo que allí se fragüe lo tendrá sobre la mesa más pronto que tarde. Sólo habrá que tener un poco de paciencia...

Qué: Se celebra la segunda edición de la feria internacional de alimentación Andalucía Sabor, que está dedicada a América.

18/07/2009 17:56 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

WHARTON 17

Boletín de Universia-Knowledge@Wharton
http://www.wharton.universia.net
15 - 28 Julio, 2009

Código Rojo
Las lecciones económicas y políticas de la movilización indígena en Perú
Perú fue escenario de una fuerte crisis que estalló el pasado mes de abril cuando la población indígena de la Amazonía rechazó varios decretos leyes dictados por el Presidente Alan García. Ante la potencial privatización de los recursos en dicha franja amazónica -y que por derecho ancestral le corresponde a la comunidad originaria-, se gestó una movilización indígena con importantes consecuencias. Expertos consultados analizan las repercusiones económicas, empresariales y políticas del conflicto, y rescatan una serie de lecciones para los demás países de la región.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=whatshot&language=spanish

Recursos Humanos
El desempleo se ceba en los directivos maduros
Todas las recesiones sufridas por la economía estadounidense desde la crisis del petróleo a principios de los 70 han tenido sus propias causas y víctimas. No obstante, también han tenido algo en común: se superaron con relativa rapidez. Pero la crisis actual es más grave, y de hecho ya más duradera que cualquiera de las crisis experimentadas desde la Segunda Guerra Mundial. Esto vaticina algunos problemas para un grupo bastante vulnerable: los directivos de más de 40 años. ¿Qué pueden hacer cuando el sector donde hicieron sus carreras se reduce o declara en bancarrota? ¿Qué deberían hacer para volver al terreno de juego? Profesores de Wharton y asesores especialistas en el mercado de trabajo nos ofrecen sus respuestas a éstas y otras cuestiones.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1741&language=spanish

Estrategia
El Bulli, "el mejor restaurante del mundo", paradigma de los modelos de negocio abiertos
Entender las características del modelo de negocio de una empresa y estructurarlo formalmente son una buena receta para que éste evolucione en el tiempo y siga creando valor cuando cambie el entorno competitivo, señalan en un trabajo de investigación Francesco D. Sandulli, profesor de la Universidad Complutense de Madrid, y Henry Chesbrough, profesor de Haas School of Business, University of California, Berkeley. Entre los modelos de negocio, los abiertos son los de mayor capacidad de creación de valor y adaptación, sin embargo, las empresas todavía no entienden bien el concepto e implicaciones de ponerlo en práctica, algo que les sería de gran utilidad en estos turbulentos tiempos.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1747&language=spanish

Liderazgo y Cambio
El liderazgo y el arte de contar historias
Peter Guber, presidente de Mandalay Entertainment Group, que ha producido películas tan populares como Shampoo, Tal como éramos y Taxi Driver, sabe un par de cosas sobre cómo contar historias. Durante la reciente conferencia de Wharton sobre liderazgo, Guber sostenía que el arte de contar historias puede ser una efectiva herramienta de liderazgo. En una entrevista de podcast con Steve Ennen, director de gestión de Wharton Interactive Media Initiative, Guber explica por qué en un entorno corporativo las historias pueden ser más memorables y atractivas que las presentaciones con diapositivas, los memorándum o las promociones de ventas.  
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1748&language=spanish

Finanzas e Inversión
El nuevo papel de gestión del riesgo: Reconstruyendo el modelo
Los gestores de riesgo equipados con las herramientas cuantitativas más sofisticadas no fueron capaces de prever el mayor acontecimiento de toda una generación: la quiebra sistemática y el contagio global de los mercados financieros. En una entrevista concedida a Knowledge@Wharton, John Drzik, presidente y consejero delegado de Oliver Wyman Group, Richard J. Herring profesor de Finanzas de Wharton, y Francis X. Diebold, profesor de Economía, Finanzas y Estadística de Wharton, debatieron sobre las alternativas de construcción de un modelo de gestión de riesgo más inteligente. Los tres participaron en la duodécima Mesa Redonda Anual sobre Riesgo Financiero, edición 2009, organizada por el Centro de Instituciones Financieras de Wharton [Wharton Financial Institutions Center] y por el Instituto Oliver Wyman.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1743&language=spanish

Estrategia
Ellen Kullman, de DuPont: Cuatro principios para quienes desean sobrevivir a los malos tiempos
Ellen Kullman se vio forzada a evaluar la necesidad de llevar a cabo una acción inmediata para mantener la estabilidad financiera de DuPont durante la crisis actual sin dejar de lado los objetivos estratégicos necesarios para que la empresa no perdiera 200 años de liderazgo de mercado. Sus principales desafíos, entre otros: comunicarse con los empleados y motivarlos. La consejera delegada de DuPont participó como invitada en el reciente Congreso de Wharton sobre Liderazgo, cuyo tema fue: “Liderando en un mundo dinámico e imprevisible”.
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1742&language=spanish

Marketing
Los consumidores desvelan las claves de una experiencia de compra fascinante
Una nueva investigación de Wharton muestra que un 35% de los consumidores han tenido una experiencia extraordinaria de compras en el comercio en los últimos seis meses. Pero para llegar a ese porcentaje de satisfacción, es preciso que los minoristas trabajen simultáneamente con diez elementos diferentes de la experiencia de compra. Algunos de los principales impulsores de la lealtad del cliente son los siguientes: experiencia con la marca, empleados simpáticos y vendedores bien informados sobre el producto que venden. La rapidez del proceso de compra también tuvo una puntuación elevada.  
http://www.wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1744&language=spanish
18/07/2009 05:30 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS ROBOTS DEL FUTURO

Fuente: Terra Noticias

1- El Sentimental
Científicos de la Universidad de Bristol han creado Heart Robot (un nombre muy original…sí), capaz de adentrarse en el campo de los complejos sentimientos humanos. Lo cierto es que no se asemeja a una persona (es más parecido a los personajes ‘’Burtianos’’ de ‘Pesadilla Antes de Navidad’) y ni siquiera anda, pero este títere “momificado” es capaz de emocionarse en respuesta al trato recibido.
Para ello luce un rojo corazón, que se intensifica a medida que se pone nervioso, respirando a su vez con más fuerza y tensando los músculos si se le trata mal, se le agita, etc.
Y muestra tranquilidad cuando es tratado bien, actuando y respondiendo de manera viceversa. A esto se le une unos grandes ojos que se cierran y abren en función de los mismos patrones.
Sus creadores aseguran que  puede tener funciones pedagógicas, enseñando a las personas a autoanalizarse, pues el robot reacciona según nuestro estado de ánimo realmante.

2- La Recepcionista más Humana
De los robots presentados, es el humanoide más fiel a los rasgos físicos de una persona. Se parece a una chica japonesa, se denomina Actroid y se gana “la vida” como recepcionista.
El caso es que no puede moverse, por lo que actúa como punto de información sin más. Eso sí, con un trato muy cordial, ya que saluda a los transeúntes y da información a quien lo demanda con buenos modales.

3- El Mayordomo
ENON (acrónimo de Exciting Nova On Network) es el robot fabricado por Fujitsu de 1,3 metros y 50 kilos capaz de encargarse de tareas domésticas y serviciales.
Puede realizar funciones como recibir y guiar invitados (detecta cuando alguien se posa delante), recoger y llevar objetos e incluso hacer de vigilante de seguridad (lleva incorporada una cámara para tomar instantáneas y grabar). Además tiene una pantalla LCD con la que puede mantener conversaciones o proporcionar información, y es multilingüe
¿Su currículum? De momento ya ha encontrado "trabajo" como guía de museos, y sus dueños aseveran que será imprescindible en oficinas y comercios. 

4- El Camarero
Asahi Breweries es un fabricante de cerveza japonés, y ha concebido al camarero perfecto: ’Mr. Asahi’, un robot de tamaño humano para servir cañas y cubatas.
Este ‘Barbot’ de un cuarto de tonelada atiende a los clientes en menos de dos minutos según sus responsables, por lo que no es muy aconsejable utilizarle en las “horas punta” de tránsito etílico. Además precisa de una barra especial para servir, pero es ideal para dar conversación a esos bebedores habituales que tratan conversaciones arduas y trascendentales, pues responde con educación un total de 500 términos, afirman sus creadores.
Lo dicho, que habrá que pedir la penúltima.

5- La Profesora
Saya es “la” primera profesora autómata del mundo, programada para enseñar lo que sea preciso. Esto lo pudieron comprobar los alumnos de 10 años de la Escuela Primera Kudan de Tokio.
Su creador, Hiroshi Kobayashi , asegura que "no intentamos hacer algo que ocupe el lugar de los profesores, sino utilizar la nueva tecnología para enseñar a los niños tecnología", sobretodo “en algunas escuelas pequeñas que no tienen la oportunidad de entrar en contacto con nueva tecnología".
Esto podría suponer el fin del bullying y del maltrato psicológico que padece últimamente el profesorado… pero su consecuencia más lógica sería visitar el Inem.

6- El Músico
Tocar sin cansarse y a pleno rendimiento durante un concierto es el sueño de todo músico y espectador.
Esto debió pensar Toyota al “parir” un humanoide de 1,52 metros de altura y 56 kilos que toca el violín e interpreta piezas con total precisión gracias a su brazo mecanizado a la semejanza humana.
Esta no es la primera vez que Toyota muestra un “artista” robotizado, pues con anterioridad enseñó otro prototipo que tocaba la trompeta. Además no son sólo músicos, ya que realizan también tareas domésticas, el objetivo primordial de la compañía.

7- La Novia
Se llama EMA (esto es, Eternal Maiden Actualization, algo así como la Verdadera Solterona Eterna), mide 68 centímetros, sus servicios cuestan 175 dólares (140-150 euros) y va a pilas. Y no hace la calle, mente sucia.
Es “una” robot gracias a la cual no saldrás a la caza nocturna cual buitre hambriento en busca de un efímero beso, ya que EMA coloca la boca para darlos cuando se acerca la cabeza de un humano, entrando en el  "modo amor”. Así lo aseguran sus diseñadores, quienes dicen que buscaban huir de los tópicos creando “un robot que es dulce e interactivo; amable y que puede actuar como una verdadera novia”, gracias a los infrarrojos que porta. Además, baila y canta.
Una pequeña solución (no es muy alta…) para aquellas personas necesitadas de cariño y hartas de no ser correspondidas. Pero cuidado, ya que EMA hace justicia a su acrónimo y la muy fresca se “lía” con cualquiera que se le acerca.

8- La Modelo
Las modelos también van a tener competencia artificia. HRP-4C  es “una” modelo de 43 kilos y más de metro y medio de estatura que muestra una imperecedera sonrisa en su rostro de silicona.
Es un prototipo que está inspirado en el canon de belleza nipón a partir de un estudio entre japonesas de 19 a 29 años, tiene el cuerpo de aluminio y ya ha participado en la Semana de la Moda de Japón de este año gracias a los 40 motores que le hacen funcionar, afirman sus creadores, del National Institute of Advanced Industrial Science and Technology de Tokio.
Las pasarelas y diseñadores mundiales podrán adquirir sus servicios por 3 millones de dólares.

9- El Niño que Aprende
Los científicos de la Universidad de Osaka crearon en 2007 a CB2, un niño robot que puede aprender, relacionar gestos o reconocer rostros gracias a los sensores de sensibilidad implantados en su gris piel de látex.
Dos años después, este androide de 130 centímetros ha evolucionado, y aparte de imitar lo que analiza a su alrededor, puede dar algunos pasos o emitir ruidos gracias a sus 51 músculos artificiales.
El objetivo de sus creadores es que responda a semejanza de un bebé a las expresiones maternas, emitiendo alegría, enfado o tristeza.

10-  El Bebé para Educar a los Padres
‘My Baby’ es un títere mecánico muy “real”, concebido con el fin de ayudar a los futuros padres a ser buenos progenitores, ya que este robot imita el comportamiento de un recién nacido.
Los “padres” de la criatura comentaron que ayudará a los menos duchos en las labores paternales a saber actuar ante situaciones propias de los párvulos.

Cómo se pude observar, cada vez los robots se asemejan más a los humanos.
Esto hace pensar en hipotéticas suposiciones como si la ficción que tantas veces ha mostrado el cine pueda hacerse realidad, o si volveran a aparecer brotes ludistas como los suergidos a principios del siglo XIX.
El tiempo se encargará de mostrarlo...

22/05/2009 06:13 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

DAN BARBER, EL MEJOR CHEF DE USA

NUEVA YORK [EFE]. Dan Barber es hoy uno de los cocineros que andan en boca de todos en Estados Unidos tras haber sido nombrado mejor chef del país, más por el gusto que impregna en sus platos la agricultura sostenible que practica que por su creatividad culinaria.

Cuando todo lo orgánico parece estar de moda entre los estadounidenses, a pesar de la crisis, Barber cuenta con una legión de seguidores que inunda sus dos restaurantes en Nueva York en busca de platos elaborados con productos de calidad recién recolectados que el propio cocinero cultiva en su propiedad.

“Mi visión de la gastronomía y de la agricultura no es nueva ni moderna, sino más bien antigua. Cualquier chef que ame la cocina y los platos deliciosos tendría la misma visión pura y honesta que yo”, explicó en una entrevista el alma del restaurante Blue Hill, en Manhattan, y de su réplica en la zona rural de Pocantico Hills, el Blue Hill at Stone Barn.

El amor de Barber por los productos orgánicos y de calidad le ha valido este año el premio a mejor chef de EE.UU. de la Fundación James Beard y un lugar destacado en la lista de la revista semanal “Time” de las 100 personas más influyentes del 2009.

Muchos lo consideran un pionero del movimiento que subraya la importancia y la diferencia que suponen para los amantes de la buena mesa los platos cocinados con productos de temporada, pero a Barber no le gustan palabras como “pionero” y rehúye de los halagos que recibe su cocina.

“No soy un líder de nada, soy como cualquier otro chef que quiere lo mejor”, explicó Barber, quien, sin embargo, sí se apunta la medalla de saber responder a una cuestión que todo el mundo quiere conocer: el origen de los alimentos que se comen cada día.

Para el cocinero, que solo utiliza alimentos vegetales y animales procedentes de su propia granja, en la que se sitúa uno de sus restaurantes rodeado por huertos y animales, la sostenibilidad del terreno es tan importante como la calidad de los ingredientes de sus creaciones.

“Es importante tener los productos cerca del lugar donde hacemos nuestro trabajo en la cocina, y también pensar en el futuro de la tierra, de los árboles y de las plantas”, afirmó Barber, para quien lo lamentable de la gastronomía de EE.UU. es que, “en los últimos 30 años, nadie se ha preguntado de dónde viene todo lo que comemos”.

Barber ha contado con el respaldo de Ferran Adrià, alguien con quien a simple vista no tiene mucho que ver, pero con quien comparte —según sus palabras— el gusto y la pasión por una gastronomía honesta aunque no por la tecnología.

Barber coincide con Adrià en concebir la gastronomía como parte de la cultura, “en dotar de significado cultural a lo que comemos”, según el estadounidense, para quien es crucial que se relacione una comida deliciosa con una parte de su cultura.(El Comercio)

ANGELINA Y EL PADRE ANTONIO

Como pasa el tiempo, ¡volando! ¡vertiginoso! ¡Raudo! ........   Recuerdo claramente ese sábado a las 9 de la mañana, cuando comenzó esta historia, me encontraba parado en la entrada del colegio Santa Rosa, con un impecable uniforme de pantalón de paño gris, saco azul marino, camisa blanca y corbata roja, peinado engominado a la moda, esperando que me recojan. Mi abuela Mercedes me había avisado por teléfono que enviaría al chofer, teníamos que ir a recibir en el aeropuerto de Lima a mis padres que regresaban de un largo viaje por Europa.

Apareció bordeando el Parque Central, el impecable Packard verde militar, enorme, brillante, parecía un buque mas que un automóvil. Un acartonado Alfredo ensayo un breve saludo y recogió mi pequeña maleta.

El viaje de 40 minutos desde Chosica fue veloz y silencioso, me preguntaba si mis padres habrían comprado el tren Marklíng mencionado como posible presente, no alentaba muchas ilusiones, por que comprendía lo fastidioso de ir trotando por el viejo continente con una enorme caja bajo el brazo.

También tuve la oportunidad de meditar sobre un hecho que me estaba fastidiando: estudiar interno era como estar prisionero, claro en una cárcel cinco estrellas, pero igual preso. Hice un recuento de los muchos momentos agradables en el colegio, especialmente los eventos deportivos, el coro con las alumnas del Beata Imelda, los paseos por los cerros cercanos y las tareas de experimentación en el laboratorio con el excéntrico profesor Huasoti.

El rigor religioso de los sacerdotes españoles era notable, teníamos programada una misa diaria a las 7 de la mañana con comunión obligatoria, el rosario a las 6 de la tarde, adicionalmente la confesión y bendición los viernes, matizábamos el día con algunos rezos cortos durante   las comidas y en las noches en las puertas de nuestras camarillas individuales.

Ninguno de mis amigos del barrio de Jesus María estudiaba interno, creo que había llegado el momento de ser enérgico y reclamar, insistir, argumentar... que los últimos tres años de la secundaria los debería estudiar en Lima. Tendría que diseñar una estrategia en los próximos meses para lograr la anuencia de mis queridos parientes.

Tenia otro asunto por resolver, mis padres y sobre todo mis piadosos abuelos estaban encantados con la posibilidad de que el “joven maravilla” sea sacerdote. Alentaba esa absurda idea el director Santillán, que decía que yo tenia mucha vocación, es decir pasta religiosa...   “por lo bueno y acomedido que era” ... mi madre y abuela recibían esos comentarios como piropos, mis hermanas con escepticismo, solo la joven y hermosa tía Inés ponía en duda mi vocación, se había dado cuenta que cada vez que me engreía con un apretado abrazo yo le respondía muy entusiasmado y lo disfrutaba mas de lo que decía el reglamento.

Tendría que eliminar esa nueva opción sobre mi futuro profesional, ya que en vez de curar cuerpos como estaba establecido, creían ahora que mejor sería remendar almas. Al parecer nadie me tomaba en cuenta cuando mencionaba mi vocación por la arqueología, claro, al mejor estilo de Indiana Jones, hay que recordar que en esos tiempos en mi conservadora familia importaba poco la opinión de un chico de trece años.

Cuando estuvimos frente a nuestra cochera, me sorprendió ver un camión de mudanza en la casa estilo Tudor de la esquina,   había estado desocupada desde que tenia memoria y solo de vez en cuando se aparecía un jardinero cojo para arreglar superficialmente el jardín.

< Sabes quienes son nuestros nuevos vecinos >, pregunte al paso, < se trata de una familia española, parece que el señor es un funcionario del Banco de Santander >, respondió lacónicamente Alfredo, <creo que tienen dos hijos, un chico como tu y una señorita   ya mayor >.

El resto del día fue de emotivo trajín, viaje al aeropuerto, llantos de bienvenida de las mujeres, abrir los regalos, la cena con la familia en pleno, larga y bulliciosa sobremesa, una detallada descripción de Notre-Dame, la Gioconda, San Pedro, el Moisés, la Capilla Sixtina, el rapto de Proserpina,   la fuente de las Cibeles, las Lanzas de Velázquez, el pensador de Rodin, la Acrópolis, después cada uno se fue a dormir con un revoltijo cultural en la cabeza, una estampa de la Virgen de Atocha y un rosario papal con piadosa fragancia.

Al día siguiente, como de costumbre, se realizaría el partido de fútbol dominical entre los muchachos del barrio, la “romperíamos” en la cancha del olivar cercano, noté a un nuevo jugador, mas alto que la mayoría, desgarbado y un penacho de pelo sobre la frente. El gordo Alfonso, hizo las presentaciones: < este es Manolo, tu nuevo vecino, y dice que es un buen defensa >.

Resulto ser un bruto de campeonato, repartía patadas a discreción, le pegaba a cualquier bulto que se movía y pasaba cerca. Después del evento curso una invitación para tomar un “entremés” en su casa, tuvimos que explicarle que debería ser después de la misa de 12, la del padre Antonio, “la ceremonia” que era obligatoria,   ineludible, impostergable.

El párroco Antonio era una institución en el barrio, tenia una “pinta” a decir de las mujeres de artista de cine, durante la homilía desplegaba los brazos y en trance, lo oía claramente exclamar <las amo a todas> - estoy absolutamente seguro - que tiempo después Julio Iglesias copiaría su estilo, incluyendo los destellos de luz en sus dientes.  

El entorno del padre Antonio tenia otras peculiaridades, por ejemplo la fila que se formaba delante de su confesionario, que era un fantástico desfile de linduras, olorosas, elegantes, glamorosas, Gucci ni Balenciaga jamás tuvieron una pasarela tan distinguida.
Después de esa inmersión en santidad fashion, nos dirigimos a la casa de los Mazan, éramos tres los elegidos, Manolo nos recibió en el vestíbulo, grande y vació, al parecer todavía no habían tenido el tiempo necesario para las decoraciones de estilo. Nos instalamos en una sala contigua con muebles en tonos oscuros, que en cierta forma alentaban la leyenda urbana que decía que en aquella vieja casa penaban, es decir que se habían instalado desde hacia mucho tiempo toda una gavilla de fantasmas.

Claro, todos nosotros estábamos dispuestos a tomar el pelo al chaval con Gasparin y compañía, pero no tuvimos tiempo por que ..... de repente sucedió un terremoto, un cataclismo, un tsunami, un vendaval. ..... Se encendieron las luces de la tramoya, sonaron las trompetas, cayeron flores del techo y se inundo el ambiente de un aroma de jazmín y rosas. Nos quedamos petrificados y con la boca abierta cuando escuchamos un delicioso... < hola chicos, soy Angelina, la hermana de Manolo >.

La respuesta de silencio y admiración fue total, solo se escuchaban tres corazones latiendo a cien kilómetros por hora, haciendo un ruido ensordecedor y por una natural reacción química hormonal todos teníamos los cachetes encarnados y afiebrados.
Angelina, era una chef profesional, se había graduado en la Escuela Hotelera de Madrid, y era un hermoso felino con los ojos más brillantes de la historia, tenia puesta una falda diminuta y su escotada blusa aprisionaba a unos duraznos aterciopelados y jugosos que pugnaban por escapar de su prisión gritando aquí estamos para conquistar el mundo.

<Me encanta conocerlos>, dijo lentamente mientas nos abanicaba con sus pestañotas y estampaba un delicioso beso en forma de corazón en nuestras sonrosadas mejillas.< Les voy a preparar algo especial para celebrar la ocasión de conocer a mis nuevos hermanitos >, ¡Cómo que hermanitos!, acaso esta chica no se había dado cuenta que éramos unos galanazos de cine, en mi caso el mismísimo Antonio Banderas peruano, protestamos en susurros mientras nos conducía a la cocina.

Ponerse un vistoso delantal a cuadritos y un coqueto pañuelo en la cabeza   fue todo un espectáculo que disfrutamos y comenzó señalando con sus manos cada uno de los ingredientes del mise en place, < les voy a preparar un plato sevillano, un delicioso arroz con almejas >.

< En esta olla de barro redondita, pongo un poco de aceite de oliva virgen, voy a hacer un sofrito con esta picara cebolla y la voy a refrescar con tomates, también picaditos.   Para aumentar el sabor andaluz, ajos gitanos, y ahora un intimo secreto, una mezcla de pimientos rojos y verdes, pasión y esperanza en bastoncitos > y comenzó a mover el contenido   de la cazuela cadenciosamente con una cuchara de palo mientras recitaba.....

< España tiene dorados mantos de mieses, sabrosa leche y todas las cosas que de ella se hacen, esta cubierta de ganados, lozana de caballos, alegre por sus buenos vinos, holgada de pan, dulce de miel y perfumada de azafrán. Esto lo dijo hace muchos años un rey de Castilla, Alfonso el Sabio, en su Primera Crónica General.... me enseño a interpretar este verso, igual que muchas otras cosas, mi querido maestro, el famoso chef Sergio......>

< Ahora el sabor y el poder del mar, incorporamos las almejas y para maquillarlas media cucharadita de pimentón dulce, luego dos vueltas, lentas, completas y listo .... a bañar estas conchitas con un suculento caldo hasta cubrirlas con doble holgura y por ultimo la ceremonia .... >, Angelina se dirigió hacia un blanco mortero y puso con devoción una pizca de azafrán, luego otra, un poco de caldo y comenzó a “majarlo”, con todo su cuerpo, con compás, con dulzura, con entrega.....

< Uno de los espectáculos más bellos que puede ofrecer España es el día del “manto”, a principios de noviembre, cuando ocurre la eclosión de la flor del azafrán y como por encanto los campos se tiñen de un hermoso azul >, ¡Por supuesto, como tus ojos mamacita! pensamos todos en voz alta.

Se acercó al fogón, fue echando poco a poco el azafrán y luego con ambas manos tomaba puñados de arroz y los dejaba escurrir, grano a grano, en cámara lenta y en una especia de fascinación visual seguíamos la trayectoria de cada arroz mientras caía y luego volvíamos, nos deteníamos hipnotizados en Angelina, la disfrutábamos un instante y a seguir la caída del próximo arroz hasta terminar.

Nunca me había complacido tanto con una comida, cada arroz sabia a gloria, la energía de las almejas se desbordaba a raudales hasta constituir un volcán en ebullición dentro de mi y en el centro brillaba la pequeña musa, nuestra princesa encantada, apretadita, crocantita, jugosita, lista para ser devorada en el próximo mordisco.

La siguiente semana, no existió, se borro, desapareció, dedique todas mis fuerzas para sacudir el reloj, para que caminara, ¡no!..   que corriera, ... necesitaba que pasaran las horas lo más rápido posible para que llegara el domingo y volverla a ver...... tenia una nueva invitación de Angelina.... ahora... solo recuerdo estar engalanándome con mi mejor camisa y sazonándome con perfume de hombre.

El sensual y furtivo abrazo a la tía Gladys, esta vez fue ligero, fugaz, intrascendente, creo que ella lo notó y se extraño, pero, había que ir a misa de inmediato, <espero que el Padre Antonio las ame a todas rápidamente> pensé y <haga una síntesis para la lista de amenazas si nos portamos mal> también tenia la esperanza que el cura no sea clarividente y adivine mis pensamientos, me daría mil padrenuestros de penitencia, ¡no! a lo mejor serian un millón y pasaría el resto de mi vida arrodillado y dándome golpes en el pecho.

Terminada la misa corrí como el viento rumbo a la casa de los Mazan, estaba seguro de llegar antes que los demás, necesitaba intimidad para ser expresivo y afectuoso, tenia el discurso de saludo muy bien aprendido, lo había ensayado hasta el cansancio. .....

Pero, ..... ¿que había sucedido? ... con sorpresa encontré ya muy bien instalados, empotrados en sus butacas, a Pedro y Alfonso.... ¿Cómo habían llegado tan rápido? ....este par de desvergonzados, ¿en patines?, ¿en jet?, ¡se habían teletransportado!.... estaban con sus caras redondotas y en completa complacencia escuchándola canturrear en el iluminado y florido escenario, mientras Angelina ordenaba los ingredientes.... al parecer no notaron mi presencia, no les importaba, nada podía distraerlos del embrujo de esa melodía.

Guitarras, Mandolinas, Violines.......
Toda la sal,
Todo el azúcar
Toda mi vida
Deseo pasarla contigo
Toda la luz
Todo lo oscuro
Todo lo que escribo
Todo el camino
Ardo en deseos
De andarlo contigo......

¡Estaba preciosa!... Me sonreía con los ojos .... ¡solo a mí!.
Su canto llegaba .... ¡solo a mí!.
Estábamos en el mundo solos.... yo y ella .... cuando empezó la función:

<Nápoles es una ciudad muy especial, donde tuve inolvidables experiencias. En sus intensos matices de puerto, todavía existen vestigios de los navegantes de Rodas que la fundaron. Su bulla es alegre y despreocupada, es multicolor su textura, todo la hace entrañable>

<Fuimos de viaje con los compañeros de la escuela, el maestro Sergio nos contó la historia del plato que les voy a preparar, visitamos el barrio y el burdel, el mismo lugar de los acontecimientos: ¡esta delicia se llama! “Spaghetti alla putanesca”> ¿Qué....? ¿Como un candoroso angelito, un inocente querubín, sabe historias pecaminosas, subidas de tono? ... Dios mío, los evangelios por los suelos.....

<En Nápoles, eran tiempos de guerra, de sufrimiento, de escasez. Todo estaba trastocado, envilecido, el clamor de la batalla todavía se sentían vibrante. Se escuchaban sordas las   lamentaciones por doquier, las lagrimas corrían a raudales, pero había que seguir viviendo....>

Mientras Angelina nos relataba la historia y nos preparaba los spaghettis, se producía una transformación fantástica, miles de partículas flotando en el espacio lo fueron cambiando todo, borrando el color, callando la melodía, pintando de blanco y negro el nuevo escenario.   Los muebles eran sencillos, pobres, el espacio mínimo, solo una estrecha cama, una cocinilla y una desvencijada mesa.

Angelina tenia el pelo suelto y estaba semi desnuda, solo la cubría una especie de bata transparente, en el ambiente flotaba un clamor a sexo obsceno.

Sin lugar a dudas era un relato de la vida real, sentí una expectante sensación al verme en la pantalla, formando fila con un raído uniforme y crecida la barba, esperando la señal para entrar a ocuparme, a gozar con la doble oferta cama y comida, sexo y sabor, todo por el mismo precio.

La idea había tenido un gran suceso, no solo por la belleza de la dama sino por la delicia de sus potajes, todos los soldados de la guerra estaban frente a su puerta, nadie quería nada más..

<Primero siempre la salsa de la vida, en una mágica sartén ponemos fuego, la calentamos hasta la temperatura del pecado, de lo prohibido, la lubricamos con grasa de oliva para aumentar la suavidad, para que resbalen los ingredientes hasta el fondo. Luego añadimos ajo y anchoas, que   le confieren el sabor y aroma de mujer, apasionada, experimentada, el inconfundible y milenario néctar de puta>

<Ahora mas sabor, para llegar al clímax, me ayudo con las manos, acaricio los ingredientes, los muevo en redondito y le agrego sal, alcaparras y aceitunas, y si ustedes piensan que ya llegamos al máximo sabor, al clímax, podemos todavía aumentarlo, con una ola de frescura, para que dure, perejil y tomate en pequeñas dosis, peladitos, picaditos y cuando uno siente que ya esta listo, entonces el toque final... el ají, el picante y te abandonas al placer, al gozo sin limites>

La mezcla en la sartén de la salsa con los spaghettis al dente, ponerlos delicadamente en un plato hondo, la invitación a probarlos, morderlos, saborearlos, volverlos a morder, paladearlos, hasta terminar, fue en un solo acto continuado, el postre, de pura cereza, ella misma... eran minutos de placer continuo, creciente, incomparable.

Sentía el cosquilleo de su cabellera, su aroma a pura pasión, la increíble hondura de sus ojos azules, la alegría de su sonrisa y la voluptuosidad de su cuerpo, comencé atraerla hacia mi, lentamente, hasta que nuestra respiración fue solo una, los latidos de nuestros corazones buscaban coordinar el compás para latir juntos, busqué su boca con ansias para iniciar con un largo y apasionado beso un acto de amor memorable.....

<Que te pasa... en que estas pensando... quieres un poco mas de spaghettis>...   se encendieron las luces, volvieron los colores, Angelina esta frente a mí ofreciéndome ambrosía... solo pude ensayar un tímido y balbuceante... si gracias.

Las siguientes tres semanas no tuvimos ningún banquete con Angelina, la extrañamos hasta el delirio, al parecer estaba muy ocupada, preparando el buffet de un matrimonio. Hasta que un sábado en la tarde entró en la pequeña biblioteca donde estábamos jugando una interesante partida de póquer, que nos hacia sentir grandes e importantes, teníamos abiertas las ventanas para disipar el humo de nuestros toscos cigarrillos inca que acompañábamos con interminables vasos de coca cola.

<Mis queridos hombrecitos, me tienen que ayudar a armar una torta de cinco pisos, ¡los necesito!,con mucha fuerza y paciencia   y no acepto evasivas, no le pueden negar nada a su hermanita.> Pero esta chica estaba ciega o que, estábamos dispuestos a cargar el mundo entero, realizar lo imposible, rápido, perfecto... manda nomás... mamacita, lo que quieras...

Las siguientes horas fueron una inolvidable clase de filosofía del amor, del buen gusto, de la estética, cada vez que se subía a la mesa y la veíamos desde abajo, descubríamos un nuevo ángulo, más hermosos y voluptuoso que el anterior. Era un pastel muy elaborado, lleno de detalles, cada uno de un sabor diferente, provocativo, listo para comerlo, mejor lamerlo primero y luego mordisquearlo poquito a poco.

<Yo sé que les antoja, que se les hace agua la boca, lo siento pero tienen que aguantarse, después veré de darles algo en recompensa...   total... ya sé lo que quieren, les adivino todos sus gustos, hasta sus mínimos caprichos>.... Sabia que podría esperar la recompensa soñada el resto de mi vida, valdría la pena.

10/05/2009 11:50 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LAS PANDEMIAS Y EL ARTE

Cuando la peste es el asunto


artelista.com - Los miedos actuales, aún a pesar de ser actuales, no son nuevos. Y una de las grandes funciones históricas del arte ha sido la de "ahuyentar fantasmas": de alguna manera, la representación de la enfermedad, de la fealdad, de lo que horroriza y repugna, nos aleja de ello al convertirnos en espectadores. Si se hace público, se muestra, se saca al exterior, no nos puede afectar porque ya no podemos ocupar el papel de protagonistas, sería la peculiar lógica de este pensamiento. Hoy, una gripe extraña; hace siglos fueron enfermedades como la Peste Negra, la Gripe española o, más recientemente, el Sida las amenazas que artistas del calibre de Rubens, Brueghel, Goya, Munch, Böcklin o Haring plasmaron en sus lienzos, cual catárticos amuletos.


De esta manera, el arte no sólo no se limita a reproducir la belleza, como han exigido muchos, sino que en ocasiones ha acogido en su seno los aspectos más dramáticos de la realidad: la guerra, la muerte y, cómo no, la enfermedad. Y es que, como medio de expresión que se hace eco de todos los aspectos de la vida, no puede dejar de lado aquéllos que la mayoría preferimos no tener presentes. Sin embargo, en determinadas épocas en las que las pandemias hicieron mella en el ánimo colectivo, el arte dio un paso más allá convirtiéndose en una especie de medio de control. Ya en la época de la imprenta podemos encontrar las primeras xilografías en las que un apestado es el protagonista; en este caso, la función era claramente didáctica y el grabado un ejemplo visual para médicos y cuidadores (que así sabrían dónde encontrar los bubones de la enfermedad y cómo curarlos).  

La peste bubónica, conocida como Peste Negra, fue una de las epidemias más mortales del pasado: sólo en el s.XIV diezmaría un tercio de la población europea (eso sin contar los múltiples rebrotes de la enfermedad), de modo que debía ser algo muy presente en la vida cotidiana de finales de la Edad Media. Esta circunstancia queda recogida en la obra de multitud de maestros de la época y posteriores, como Durero, Holbein o, no podía ser de otra manera, El Bosco y Brueghel (El triunfo sobre la muerte, 1562, obra cuya teoría más admitida es la alusión a la peste del XIV). Un tema que más tarde recuperarán artistas como Rubens, Goya de una forma indirecta en sus Desastres (y en La Peste, de 1823) o, casi a comienzos del s.XX, Arnold Böcklin (La peste, 1898)

Un siglo que asistirá a otra de las pandemias más virulentas de la historia (mató a unos 40 millones de personas): la Gripe española, así llamada porque, debido a la gran cobertura que dieron los medios a la enfermedad en este país, daba la sensación de que era el único afectado. Y, en este caso, hemos de remitirnos a otro amante de lo grotesco: Munch, autor del famoso Autorretrato después de la gripe española. En muchos casos, estas obras son buenos testimonios de un sentir general y un documento histórico de primer orden. En otras, realmente actúan como catarsis, procurando al artista el medio para "expulsar" lo que de otra manera no sería capaz de llevar consigo, como sucede con uno de los más conocidos artistas del s.XX, afectado de otra enfermedad global: Keith Haring, muerto víctima del sida a los 32 años.
07/05/2009 01:46 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS FAMOSOS Y EL ARTE


artelista.com - Ni es la primera vez que un famoso sirve de excusa para aumentar la promoción de un evento ni será la última. En el caso de VOOM Portraits asistimos a un proyecto de carácter netamente americano, donde lo comercial y la practicidad subyacen bajo un depurado esteticismo. No podemos por menos que alegrarnos, sin embargo, si ello supone la posibilidad de disfrutar de una propuesta como la de Robert Wilson, donde la fotografía, el videoarte, el diseño y la actuación, entre otros, conviven y se manifiestan a través de la imagen de personajes como Brad Pitt, Winona Ryder, Isabella Rosellini o Dita von Teese. Una interesante propuesta que estará a disposición del público hasta el 31 de mayo de 2009 en diversas salas de exposiciones de la ciudad de Valladolid (Castilla-León, España).


"VOOM Portraits. Robert Wilson" recala en España, en una itinerancia que atravesará medio mundo, para ofrecernos la extraordinaria sensibilidad estética del director de teatro y artista Robert Wilson. Una muestra hecha por encargo -el productor es la empresa de televisión VOOM HD- que permite un acercamiento a un género tan peculiar como es el del "video retrato". Para este proyecto, que comenzaría en 2004 como una colaboración artística entre Wilson y VOOM destinada a mostrar las bondades de la televisión de alta definición, el autor seleccionó como protagonistas a toda una serie de personajes famosos, principalmente del mundo de las artes escénicas, al lado de los cuales puede verse ahora en exposición un grupo más reducido de retratos de animales.


Brad Pitt perdido en una calle lluviosa en un lloro remedo de Man Ray, Winona Ryder en recuerdo de la Winnie de Los días felices de Beckett, Robert Downey Jr. convertido en el protagonista de una obra de Rembrandt, Isabella Rosellini transmutada en una colorista e inquietante muñeca de juguete o Dita von Teese a la manera de una melancólica pin up que se columpia; éstas son sólo algunas de las propuestas de la muestra, a las que hay que añadir las imágenes de personalidades, como el premio nobel Gao Xingjian o la princesa Carolina de Mónaco, que se codean con auténticos desconocidos en una propuesta donde el estatus se centra en la interpretación y es repartido de forma equitativa. 


Todos ellos comparten una misma cualidad: la lentitud, que se constituye en el medio por el cual el fondo se doblega a la forma. Wilson ha dirigido a sus personajes bajo la consigna de "no pensar en nada"; el resultado son una serie de actuaciones en las que el movimiento es limitadísimo (son escenas casi estáticas). De esta manera el acto pierde importancia frente a la estética, en la cual se centra toda la atención. Una serie de piezas que, en palabras de su creador, "se pueden ver de numerosas maneras. Se pueden ver en espacios de museos. Se pueden ver en paradas de metro.[...] Podrían ser una imagen en tu casa. Podrían estar en una pared. Podrían estar en una chimenea" y se convierten en "una ventana que nos muestra otro mundo. Algo muy personal. Un documento de nuestro tiempo".
01/05/2009 00:05 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LUCIANA LEON LA POLITICA MAS LINDA

Una encuesta realizada por el portal español 20minutos.es realizó un ranking de belleza entre mujeres políticas del mundo.
Como si perder la postulación a la presidencia de su país por el Partido Demócrata no hubiera sido suficientemente duro para Hillary Clinton, ahora la secretaria de Estado de Estados Unidos, tiene que contentarse con haber quedado relegada una vez más.
Una encuesta realizada por el portal español 20minutos.es, la coloca por detrás de la mandataria argentina, Cristina Fernández de Kirchner, y de su ex rival, la candidata a vicepresidenta por el Partido Republicano, Sarah Palin, en una lista de las 65 políticas más bellas del mundo.
Pero no todas son penas para Hillary, que puede sentirse orgullosa de ser la mujer de más edad entre las elegidas, con 61 años.
La encuesta digital, en la que votaron más de 900 mil personas, eligió como la política más linda del mundo a la japonesa Yuri Fujikawa, concejal de la ciudad de Hachinoche.
Pero fueron las políticas latinas las que coparon el tope de la lista, con cuatro lugares entre las 10 más bellas.
La congresista peruana Luciana León obtuvo el titulo de la mas linda de America y el segundo puesto del mundo, mientras que la secretaria de Turismo del estado mexicano de Quintana Roo, Sara Latife Ruiz Chávez, ocupa el sexto lugar.
La diputada brasileña Manuela D'Avila, está séptima, y cierra el top ten la ministra de Comercio Exterior y Turismo de Perú, Mercedes Aráoz.
Figuras internacionales
En total, políticas de 38 países están representadas en el sondeo, creado por un usuario del sitio en diciembre pasado y cerrado tras cuatro meses de votación.
Entre las figuras internacionales más reconocidas está la primera dama de Ucrania, Yulia Tymoshenko, que ocupa el octavo puesto.
A pesar de ser una de las pocas en la lista que supera la barrera de los 50 años, la presidenta argentina, Cristina Fernández, se coloca en la mitad del grupo, en el puesto 32.
Le sigue la estadounidense Sarah Palin, en el 33, mientras que la ex candidata a la presidencia de Francia, Ségolène Royal, logró la ubicación 56.
En su portada online este jueves, el diario chileno El Mercurio celebra el lugar que obtuvo la diputada de la Unión Demócrata Independiente Marcela Cubillos, que fue elegida en el puesto 64.
25/04/2009 09:57 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA SUBJETIVIDAD DEL CONCEPTO

La seducción de lo feo


La subjetividad de los conceptos bello y feo se refleja en la mutación y variación que estos han sufrido a lo largo del tiempo, del mismo modo en que ha cambiado la idiosincrasia de la sociedad y la estructura cognitiva de sus ciudadanos. La visión de cada época ha conferido al arte del momento la categoría adecuada según los cánones y los preceptos aceptados, mantenidos por una tradición heredada que titubea y varía progresivamente con los nuevos usos y hábitos del hombre. La hermosura romántica que hoy en día puede despertar un paisaje de edificios informes y decadentes en una ciudad decrépita que otrora deslumbró, seguramente hubiese sido algo denostado en el Renacimiento y en los periodos donde el orden y la proporción constituían el baremo oficial que dictaminaba lo apropiado, esto es, que conferían el estatus de bello. Friedrich Nietzsche, en El crepúsculo de los ídolos, comentaba que "en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de la perfección y se adora en ello (…)” y que “lo feo se entiende como señal y síntoma de degeneración". La perfección y la degeneración, como motivos cambiantes, han marcado los horizontes a los que dirigirse y alejarse: el arte anhelaba obtener esa pulcra integridad esforzándose en apartar lo desagradable, lo horrendo, lo feo. Esta idea se recoge en la definición inaugural de estética que profirió Baumgarten en 1752, donde la describía como aquella disciplina que versa sobre lo bello, desterrando todo atisbo de fealdad; esta asimilación estética del arte con la belleza llevó a la mezcla y confusión de los términos.



Desde un simplismo soez, nuestros oídos se han acostumbrado a un “me gusta, es bonito” o, por el contrario, a un “no me convence, es feo”, como juicios valorativos que aceptan o rechazan una obra de arte. De hecho, podría concluirse que estas medidas son la herencia de una tradición desusada que se remonta al clasicismo griego, donde la imitación de la realidad era ley estética. Del mismo modo, al margen de la forma, las temáticas subyacentes a la obra de arte también quedaban sujetas a las normas del buen gusto y, evidentemente, una pintura retratando con crudeza un asesinato no hubiese sido aceptada en determinados periodos. Pocas centurias después, Bacon se exhibe en el Prado, hecho que muestra la definitiva integración de la fealdad en la tradición del arte y la capacidad de éste para sublimarla. Artistas como Brueghel y El Bosco ya intentaron con algunas de sus obras, como El Triunfo de la muerte o El jardín de las delicias, escandalizar, mostrar el horror, exaltar al espectador, del mismo modo en que Goya lo haría con sus pinturas negras, creando un modo de entender la estética que seguiría el posmodernismo (podríamos hacer la enésima referencia a Damien Hirst). Esta idea es la que hizo musitar a Edmund Burke en 1756 que "Cualquier cosa que de algún modo pueda excitar ideas de sufrimiento y peligro, es decir cualquier cosa que sea de algún modo terrible, o trata sobre objetos terribles, u opera de formas análogas al terror, es fuente de lo sublime; es decir, que produce la más fuerte emoción que la mente es capaz de sentir"


Burke, en el ensayo Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello, bosquejó una peculiar teoría estética donde separaba lo sublime de lo bello, entendiendo el primero como el referente al que se debe dirigir el arte. Lo bello ya no será la última instancia capaz de elevar al hombre; el arte, por lo tanto, no se servirá únicamente de lo bonito para conmover y provocar deleite, sino que utilizará la fealdad, el horror y el terror para conmocionar, agitar, interpelar y sacudir las emociones, sentimientos y sensibilidades de aquel que lo contemple: “cuando el peligro o el dolor aprietan demasiado, son incapaces de causar placer alguno, son simplemente terribles, pero cuando están a cierta distancia, y con ciertas modificaciones, pueden ser, y son, maravillosos, como podemos experimentar cada día”. El sujeto se embelesará con la fealdad plasmada en un lienzo, en la medida en que la obra es capaz de utilizar tal condición como vehículo de expresión que ahonda en el fondo de quien la contempla. “Las ideas de pena, enfermedad y muerte, causan en el ánimo fuertes emociones de horror…” un horror condición de lo sublime, que excitan de forma más intensa que la armonía y la beldad al alma humana.
20/03/2009 07:42 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

MAGNIFICIENCIA DEL ARTE

Arte al servicio del poder


Desde la época de acadios, mayas, incas, egipcios o persas, el arte se ha visto "obligado" a responder a las necesidades que el poder religioso o político demandara, dando como resultado imponentes canales de transmisión ideológica. Las pirámides en su día, tanto egipcias como mayas, no fueron tan sólo tumbas o altares; suponían la magnificencia del poder real, emanado de la divinidad. En pleno -y teatral- barroco, el palacio de Versalles supondrá la culminación del arte al servicio del poder político, igual que en Italia lo habrá de ser del religioso. Velázquez, Bernini, Caravaggio, Rubens, Rembrandt o, el caso más extremo, David llegarán con su arte a crear una imagen del poder establecido que poco tendrá que ver con la realidad, pensada en cada momento en función de las circunstancias pero siempre con una nota en común: el enaltecimiento del líder.


Si bien en la actualidad el concepto de "arte por el arte" no nos resulta extraño -se comparta o no este planteamiento- lo cierto es que es una idea relativamente moderna que hubiera causado estupor en los albores del arte. Dejando de lado las manifestaciones primitivas, difíciles de seleccionar como objeto de estudio comparativo, la primera comunidad en desarrollar todo un sistema artístico asociada a una iconografía de poder será la egipcia, conformando una tipología que influirá en posteriores civilizaciones y habrá de responder, sin embargo, a concepciones muy distintas. En el Egipto antiguo, de faraones y mastabas, el artesano (aún no existían "artistas") será un elemento más dentro del engranaje manejado por el mandatario de turno. Su maestría estará al servicio del poder, que habrá de marcar todas y cada una de las normas de representación. Arte y Estado ya caminan de la mano, conformándose el primero en soporte del segundo. Pero, sin embargo, en Egipto el arte responde ante el faraón de una manera mucho más simbólica que como mera proyección pública de poder y riqueza. Es el transmisor, la materialización de la permanencia y la divinidad real, al menos en cada ocasión en la que sea utilizado como medio de propaganda. Así pues, las manifestaciones artísticas no estarán concebidas tan sólo como una posesión que demuestre al exterior la grandeza del faraón (la egipcia es una sociedad endémica) sino que son el testimonio de un momento político determinado y de la cualidad atemporal (por contradictorio que resulte) del faraón. Esta función política de propaganda y de exaltación de la realeza continuará posteriormente, en época asiria, al tiempo que serán los sumerios los que recojan la cualidad religiosa del arte. Un poco más tarde, en tiempos del califato de Abd al-Rahman III podemos encontrar una concepción arte-poder curiosamente similar a la establecida por los mayas unos cuantos siglos antes y en tierras bastante más lejanas: el urbanismo y la arquitectura serán empleados como medios para "demostrar" la fortaleza de la clase gobernante a propios y, principalmente, visitantes. Un ejemplo de ello es la ciudad de Madinat al-Zahra, construida como muestra de la consolidación del estado islámico en la Península Ibérica y medio de autoafirmación de Abd al-Rahman III frente a un califato rival; toda una urbe construida, a diferencia de la leyenda que ha llegado hasta nuestros días, a partir de un programa de propaganda política e ideológica muy medido.
Existen muchos casos en el arte, aunque quizá no de este calibre, y son múltiples los recursos expresivos que se llegarán a idear y emplear buscando la finalidad deseada: en época de Justiano es posible apreciar, en los mosaicos bizantinos de Rávena, la desproporción existente en el tamaño de las figuras, debido a unos motivos que nada tendrán que ver con la perspectiva o la distancia. Así, los reyes siempre aparecerán más grandes que cualquiera de los personajes restantes, aún hallándose en el mismo plano que éstos. Una convención tomada del arte religioso que será empleada en estos momentos con una finalidad claramente política y que se mantendrá a lo largo de toda la Edad Media.
Llegados al renacimiento los ejemplos se multiplican (véase si no El Escorial, San Pedro del Vaticano, los famosos palacios italianos, o las estatuas ecuestres de altos dignatarios), encontrando su apogeo en el barroco, si bien en Italia el arte estará al servicio principalmente del poder religioso en vez del político, como sucederá en tiempos del Rey Sol. En este punto, Versalles es un destino clarísimo: paradigma de arquitectura oficial francesa, estará concebido como un impresionante escenario en el que el rey francés pueda desplegar y mostrar al mundo todo su poder. Pero la Revolución francesa cambiará las cosas, al menos en cuanto a los beneficiarios. Si Velázquez representó a la casa de los Austria ennoblecidos y, por qué no decirlo, bastante más apuestos, en pleno neoclasicismo David será el pintor del heroico Napoleón de la causa. Quizá uno de los últimos momentos en los que el arte aún mantendrá su afiliación a oligárquías, postulándose principalmente, a partir de ahora (s.XX), a favor de las revoluciones sociales. artelista.com

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13/03/2009 08:45 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

UN PALACIO PARA NEFERTITI

REAPERTURA. Neues Museum - Un palacio para Nefertiti

UNA DE LAS JOYAS DE LA ISLA DE LOS MUSEOS DE BERLÍN VOLVIÓ A ABRIR TRAS PASARCADAS EN EL ABANDONO LUEGO DE LA GUERRA. TOMÓ SEIS AÑOS RECONSTRUIRLO

BERLÍN [AFP]. Destrozado por los bombardeos aliados de la Segunda Guerra Mundial, el Neues Museum (Nuevo Museo) de Berlín reabrió sus puertas el jueves tras décadas de abandono y seis años de obras para recibir en octubre al público y, ante todo, su obra maestra: un busto de Nefertiti.

El renacimiento del Neues Museum, que el régimen comunista había dejado en el abandono, da una nueva pincelada a la Isla de los Museos, un lugar declarado hace diez años Patrimonio Mundial de la Humanidad por la Unesco.

El arquitecto británico David Chipperfield optó intencionadamente por dejar visibles las huellas de la historia, en particular los impactos de balas. Aunque no pintó el edificio siguiendo el modelo original, sino que lo adornó con materiales modernos, lo que ha generado polémica.

“Hemos intentado guardar todo lo posible los materiales y captar las secuelas de la guerra y de los siguientes 60 años”, recalcó el arquitecto en conferencia de prensa, con motivo de la entrega de las llaves del edificio a los Museos Estatales de Berlín.

La escalera central, de hormigón con fragmentos de mármol, y la estructura de la zona egipcia hicieron correr mucha tinta. En otros sectores, los nombres de las salas, parcialmente legibles, quedaron con su apariencia de posguerra. En cuatro niveles se suceden unas cuarenta salas con aspectos diferentes en función de su estado de conservación. De modo que se pueden ver frescos de inspiración egipcia casi intactos.

“Por primera vez desde los años 30, los cinco establecimientos (Nuevo Museo, Museo de Pérgamo, Viejo Museo, Museo Bode, Antigua Galería Nacional) que componen la Isla de los Museos están nuevamente accesibles en su conjunto”, afirmó Hermann Parzinger, presidente de la Fundación para los Bienes Culturales Prusianos, que administra el lugar.

El Neues Museum, obra del arquitecto Friedrich August Stüler concluida en 1859, no abrirá sus puertas al público hasta octubre porque necesita tiempo para juntar las antigüedades diseminadas por Berlín. Su obra maestra, el busto de Nefertiti, reinará en una sala coronada por una cúpula. Reclamada por Egipto, la escultura descubierta por el arqueólogo alemán Ludwig Borchardt a comienzos del siglo XX es uno de los principales atractivos turísticos de la capital.

Nefertiti regresa a su museo original, donde fue expuesta por primera vez en 1924. Durante la guerra, el busto fue puesto a buen recaudo de los bombardeos y reapareció en el Museo Egipcio de Berlín Occidental.

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EL CUY

(Ceci Portella Morote)

Lima, (PRESSPERU).- Es una de las pocas especies que ha sellado con el nombre "Perú", la denominación de una de sus diferentes razas. Su origen proviene de los andes sudamericanos. Conejo de Indias o cobaya, no importa como se le llame, razones sobran para considerársele uno de los alimentos con mayor cantidad de proteínas y menos grasa que las carnes que comúnmente consumimos. He aquí nuestro cuy andino, crocante y nutritivo...

No resulta fácil escribir una crónica, si el tema de nuestro relato aún tiene detractores… Y me contaba entre ellos, amigos lectores. Sin embargo y tengan la seguridad que esto es solo una invitación al atrevimiento, a la osadía a la que somos llamados desde nuestra voz interior, que proviene más del sentido del gusto, que de la conciencia misma.

…Y viví muchos años engañada, probablemente por razones que poco o nada tienen de convincentes. De repente el contacto primero con su inusual presentación, la manera de prepararlo, o porque fue sacrificado varios meses después de lo ideal y su pellejo estaba tan duro que había que jalarlo a viva fuerza para poder degustarlo.  O quizás, su consumo estaba tan poco difundido que no había más de dos recetas en el haber gastronómico de la culinaria peruana.

Han pasado los años, y se han creado nuevas formas de servirlo. Ha tenido que traspasar fronteras y ser considerado un alimento exótico en mesas de Estados Unidos y de la lejana China, y ser considerado uno de los platos más nutritivos, además de altamente cotizados… para que recién me sienta motivada a probarlo. Y aquí estoy ahora. Invitándolo a formar parte de este  sinnúmero de comensales que se siguen sumando gracias a sus delicias.

AQUÍ Y EN EL MUNDO
Uno de los detalles que más llamó mi atención sobre el cuy, es saber que actualmente está en constante investigación debido a las propiedades que posee.

Por ello surge el término "conejillo de indias", como expresión que trata de explicar investigaciones y experimentación en general.  Y cuando hablamos de beneficios obtenidos a través de él, no nos referimos solo a su carne, sino que tratamos de explicar su nexo con la medicina tradicional andina, práctica que se remonta a épocas anteriores al Incanato y que tiene relación con la cosmovisión andina.

Es una especie propia de nuestras serranías.  También se le conoce en Bolivia, en el Norte de Chile, Ecuador, Colombia y Venezuela.  Se sabe que fue criado y consumido desde tiempos inmemoriales, y que además ha sido hallado dentro de los entierros de momias Preincas e Incas, en donde se ha evidenciado que su crianza y consumo fue muy importante para la población del Perú Antiguo.  Estudios afirman que en el primer periodo de la Cultura Paracas, se encontraron pellejos y huesillos de cuy en tumbas humanas.

Se dice también que fue criado como mascota en algunas de nuestras tribus aborígenes.  Mitos y creencias… pero, también hay historia alrededor de este pequeño mamífero, como por ejemplo que fue llevado a Europa por los conquistadores.

Aquí, en nuestro Perú del siglo XXI, básicamente en nuestra serranía, siguen criándolos como en casa, con alfalfa, bagazo de chicha de jora, cáscaras limpias de zanahoria y papa, así como con pancas de choclo.  Mientras que, en Lima, hace ya varias décadas, se ha industrializado su alimentación y se le sustenta con comida balanceada.

RAZONES SUFICIENTES...
Entre las múltiples ventajas que podríamos mencionar sobre el cuy, es que su hábitat se puede desarrollar en lugares pequeños, por lo tanto, en casa siempre son bien recibidos.  En la sierra, su crianza es básicamente para el consumo familiar, y son parte de las tradiciones al formar también parte del trueque entre comunidades.

El cuy Perú, por sus características, tiene algo más de 20 por ciento de proteínas, contra 7% de grasa, reduciendo sus calorías en  comparación con el pollo o la carne de res.  La Universidad Nacional Agraria de La Molina, tiene importantes estudios sobre este tema y otros mas relacionados con el cuy, curi, cobaya, cuis o conejillo de india, como se le llama en parte de nuestra América del Sur.

Concentrándonos ahora en las razones de otro tipo, las que nos convencen y convocan: Hasta hace algunos años -décadas ya de esto- solo conocíamos en las cartas de algunos restaurantes regionales en Lima, además de los populares carteles enclavados en la carretera central de nuestra capital, un par de platos hechos a base de cuy: Picante de cuy y el Cuy chactado.

A ellos, se suman ahora, otros platos como el cuy relleno, a las brasas, chicharrón de cuy.  Así como, sopa de cuy, llamado en Ancash Aka cashqui, y hasta la versión china de la gallina chijaukay, llamado "chijaucuy".  Estos platos no solo han engrosado la lista culinaria de nuestro país, sino que están ahora invadiendo mesas más allá del Perú, con sonado éxito, pese a algunos prejuicios todavía existentes.

HABLAN LAS QUE SABEN
Para poder complementar esta crónica, quisimos hacer una entrevista que diera algunas luces más allá de lo histórico, y fuimos en busca de algún entendido, y a nuestro encuentro – y gracias a la Providencia- salieron tres o cuatro expertas, que entre cafés, entremeses y un delicioso picante de cuy,  terminaron de ilustrar mis incipientes conocimientos sobre el tema.

Todas ancashinas hablando de sus experiencias, reconocen que hay platos diversos, algunos con maní, otros con ají panca, muchos más escasos con ají amarillo, rellenos con hierbas y menudencias.  Fritos, con papas doradas y salsa criolla. Todos deliciosos, algunos ancashinos, pero también moqueguanos, cusqueños, arequipeños y huancaínos.

Amigas recientes, pero de jornadas intensas, mujeres que han vivido más de la mitad de sus vidas en provincias añoradas del departamento de Ancash. En este grupo, la que no es ancashina de nacimiento, lo es por adopción… Y sin mucho dudarlo, Domitila de Trujillo empieza diciendo que pagó 60 dólares por un plato de cuy en Atlanta, hace solo unos días… "Lejos del Perú, es un plato exótico y muy caro. Aquí, ni caso le hacemos", retruca con comprensible molestia.

También en la mesa una distinguida huaracina, muy querida ella, Pochita Aservi, me asegura que el cuy es un animalito muy limpio y delicado.  Si tuviera que darle una explicación a la textura de su carne, esta sería su mejor justificación: "De carne suave y delicada,  producto de la crianza que recibe".  Y entre risas nos cuenta que en las fiestas patronales se acostumbra a servir cuy y resulta más que suficiente para tener contentos no solo a los invitados sino también a los músicos, que suelen "servirse doble ración".

Meche Montoro, de la provincia de Carhuaz, se deleita hablando sobre las diversas formas de preparación… Y mientras lo hace, aumenta mis deseos de probarlo, me cuenta que se doran a las brasas, dejando un crujiente y dorado pellejo a la vista del primero que se anime a servirse, aunque al final todos reciban su dosis justa y su respectiva repetición.  Es que eso se acostumbra en nuestros pueblos, que nadie se quede insatisfecho en las fiestas patronales.

Finalmente, Doris León, propietaria de El Tarwi, un reconocido restaurante regional, pone la cuota técnica en la información y ante nuestras interrogantes, responde que los cuyes más deliciosos para servir todos los platos mencionados son los Cuyes Perú, raza adoptada y mejorada en nuestro suelo.

Dice que el peso ideal de sacrificio es entre 500 y 600 gramos, que alcanzan los cuyes jóvenes de cuatro meses de edad… Sigue la tertulia y las dejo pensando en que aún hay mucho por investigar y difundir… que los cuyes son solo una de las pequeñas muestras de nuestra gran biodiversidad, que dejando atrás prejuicios vanos y desconocimiento, hay que atreverse.  Los peruanos debemos ser artífices de la expansión y difusión de nuestra gastronomía, rica en sabor, importante en nutrición y sobretodo única y diferente por su historia.

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CATAL HOYUK

CATAL HOYUK

Una importante cultura neolítica

 

Por: Jaime Ariansen Céspedes – Instituto de los Andes

Serie: Grandes Civilizaciones

 

Los hombres primitivos comenzaron la domesticación de plantas y animales hace unos 12,000 años, luego fueron apareciendo naturalmente asentamientos en el Medio Oriente y desde ahí se fueron extendiendo hacia Europa, Asia y África.

La mayoría estaba compuesta de un pequeño grupo de casas separadas y rodeadas de su respectivo campo de cultivo y establos rudimentarios para sus animales. La población no superaba a unos cientos de habitantes. El típico ejemplo es la famosa y amurallada Jericó en Palestina. Pero el primer asentamiento de grandes dimensiones fue el de Catal Hoyuk.

Catal Hoyuk esta situada en la llanura de Konya, en la provincia de Anatolia, a orillas del río Carsamba en Turquía, cerca al lago Beysehir y la ciudad de Cumra. Es uno de los más importantes asentamientos, ciudades-estado de la prehistoria.

El neolítico es el periodo del trabajo con piedra pulimentada que acompaña al inicio y el desarrollo de la agricultura, de la ganadería y los albores de la alfarería.

Se trata de un gran complejo que puede superar las 20 hectáreas, y estas dimensiones la convierten en una de las zonas neolíticas más extensas del Cercano Oriente.

Los habitantes de Catal Hoyuk mantuvieron un fluido comercio con las poblaciones vecinas y al parecer con lugares distantes. La arqueología indica el comercio de alimentos, pieles, textiles, diversos utensilios de piedra, adornos de perlas, conchas y obsidianas, cuchillos de sílex, etc.

Se calcula actualmente que esta cultura existió hace unos 8 o 9 mil años, su desarrollo incentivó la existencia de pequeños asentamientos satélites. La teoría nos indica que en estas fechas la organización humana era igualitaria, pero a las luces de lo observado en Catal Hoyuk, se encuentran sepulturas ricas y pobres que contradicen estos planteamientos iniciales.

Respecto al urbanismo de esta ciudad, es primitivo, complejo, sin calles ni pasajes y el acceso a las viviendas de adobe sé hacia por los techos, construidos con vigas de madera y arcilla aprisionada. En la habitación principal existían una especie de muebles, plataformas, bancos, cubos para agua y una hoguera. Las paredes estaban cubiertas por una especie de pintura de yeso y en algunos sitios cubiertas con esteras. Utilizaban para movilizarse escaleras que iban de un nivel a otro formando una sólida edificación en forma de montículo, se calcula que llego a tener una población de más de 5,000 personas.

La urgencia y necesidad de organización impulsaron a localizar lugares y espacios, seguramente propiedades, creando los primeros mapas en piedra, antes de la escritura. Existe un valiosísimo ejemplo, muy bien conservado del plano de la ciudad.

Sobre sus creencias religiosas se han encontrado restos de pequeños templos con expresiones naturistas de caza y danzas rituales, también imágenes de mujeres dando a luz como un supremo homenaje a la vida, como Diosa Madre.

En zonas interiores, existían plataformas, donde se situaban algunos entierros de los difuntos, al parecer realizaban ritos secundarios, en el tiempo, utilizando los cráneos y pintándolos de varios colores de tonos rojizos, siendo los ajuares funerarios sencillos, limitándose a las armas del difunto y adornos como brazaletes y utensilios de cerámica de su propio uso.

El estudio de los restos óseos revela que la esperanza de vida era de algo más de 34 años para los hombres y aproximadamente 30 para las mujeres, y que muchos sufrían de anemia perniciosa provocada por la malaria.

La representación escultórica de varias cabezas de toro, explican la importancia ritual que le daban a dicho animal. El trabajo con cobre, es él más elaborado de la época, en la región.

Tienen el privilegio de haber registrado la primera tela de la historia de la arqueología, el primer tazón elaborado en madera, el primer espejo y las primitivas técnicas de agricultura y regadío. La cerámica estaba aún poco desarrollada y la producción de la ciudad se limitaba a vasijas simples, sin decoración alguna.

Respecto a su producción de alimentos se tienen evidencias del cultivo de trigo, sorgo, alverjas, lentejas, manzanas, almendras y respecto a su alimentación de caza obtenían ciervos, jabalís y onagros, que son una especie de asnos salvajes. La ganadería principal es de vacas, buyes, ovejas y cabras. Para la vestimenta elaborada el lino era el principal material utilizado.

Cocinaban en hornos de arcilla ovalados, situados en el piso y que tenían un sistema de limpieza. Utilizaban cestas tejidas con fibras de juncos para el almacenamiento de alimentos.

La principal fuente de riqueza de Catal Hoyuk se debe probablemente al comercio de obsidiana, un cristal natural que permite construir herramientas de piedra extremadamente afiladas. Durante el neolítico, existió un amplio comercio de este mineral; la obsidiana turca,  era llevada hasta Palestina.

Ya tienen el concepto de una organización militar, están armados para la guerra, posen recintos fortificados y varios sistemas defensivos.

Referente a su estructura política - social, existen caudillos, militares y civiles, sacerdotes, artesanos y esclavos, sin lugar a dudas este ejemplo es un sólido peldaño en la evolución del hombre  en sociedad.

La existencia de esta cultura, en desarrollo, termina abruptamente, alrededor de hace unos 6 mil años, al parecer por un gran incendio, que cubrió rápidamente toda la ciudad, pues recordemos estaba íntimamente ligada. El calor del fuego cocino y cristalizo el adobe, permitiendo conservar parte de las ruinas en muy buen estado..

Los principales arqueólogos a los que debemos los descubrimientos al mundo de esta cultura son Ian Hodder y James Mellaart, con el auspicio de la Universidad de Cambridge, quienes en 1961 trabajaron en Catal Hoyuk durante dos años, empleando las más avanzadas técnicas de la instrumentación. En el esfuerzo y financiamiento también contribuyeron la academia británica de arqueología y el Instituto McDonald.

Otro importante trabajo de análisis lo realizo la Universidad alemana de Karlsruhe, especialmente en el campo del arte, lograran crear con la ayuda de computadoras un estupendo medio grafico interactivo que señala limpiamente las etapas secuenciales de Catal Hoyuk.

Un proyecto de análisis y desarrollo arqueológico, es calculado en 25 años. El Aeropuerto más cercano es Konya. Existen vuelos regulares desde Estambul. Ankara y Natalia. Las ruinas se encuentran a cuatro horas de autobús, que salen cada hora de Konya hacia Cumra, de ahí existe un servicio de taxi hasta el yacimiento situado a unos 17 kilómetros.

22/02/2009 15:31 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

UN FUTURO DE HACE 100 AÑOS

artelista.com - Probablemente Marinetti no estaría muy contento de conocer que, un siglo después, el movimiento surgido a partir de su famoso ideario "contrasistema" terminaría engrasando la rueda del establishment artístico. Pero es que el Futurismo, a pesar de sus críticas a museos, conservadurismos y tradición, tuvo "la mala suerte" de generar en primer lugar buenos artistas y, en segundo, la aceptación pública. Así las cosas, esta semana celebramos en buena parte de Europa que, un 20 de febrero de hace 100 años, Filippo Tommaso Marinetti publicara su "Manifiesto futurista", sentando las bases de un movimiento anárquico, veloz y, sobre todo, tremendamente moderno.

 

Un manifiesto visionario

El Futurismo fue concebido como una reacción al pasado -anquilosado y constrictivo- y, su arte, como una manifestación para y del futuro. Sus miembros, encabezados por Marinetti y entre los que se contarán posteriormente artistas como Giacomo Balla, Umberto Boccioni o Carlo Carrà (por citar a los más famosos), encabezarán una lucha en favor de la subversión estética, preconizando la superioridad y el advenimiento inevitable de un mundo dominado  -sin ningún sentido peyorativo- por las máquinas, la velocidad, la violencia y la revolución de las formas. El Futurismo loará en su manifiesto de 1909 "al coraje, la audacia y la rebeldía", "a la belleza de la velocidad" y "al hombre que tiene el volante", sentando la polémica con sus declaraciones partidarias de la guerra (pronto sus postulados serán estandartes del fascismo) y la destrucción de los centros institucionales de cultura (como museos y bibliotecas), así como mediante la muestra de una enconada oposición a los representantes de dichos centros y a las mujeres. Sin embargo, acertó con algunas de sus principales claves, como fueron la visión de un mundo mecanizado, saturado de impresiones y movimiento, de una agresividad pareja, cuya posible representación estaría necesitada del desarrollo de nuevas formas plásticas.

 

Velocidad y máquinas de vapor

El Futurismo, junto con el Cubismo, fue la puerta de entrada de los grandes istmos de la llamada vanguardia histórica, aún a pesar de que su duración en el tiempo fue corta. Su lenguaje formal comparte con el ya citado cubismo la superposición y alternancia de planos, no sólo espaciales, a diferencia de éste, sino también temporales. A principios del s.XX los nuevos medios de locomoción habrán de modificar por fuerza las tradicionales formas de percepción, imprimiendo un dinamismo desconocido hasta el momento a la realidad visionada; de este modo, la proximidad entre ambos conceptos, espacio y tiempo, se reducirá. La exaltación del movimiento, del trabajo y de la urbe son temas recurrentes en las obras futuristas, caóticas en color y saturadas de líneas compositivas, anárquicas abanderadas de una ideología dispuesta a cambiar el mundo y que, algo más tarde, dará la réplica a movimientos como el Orfismo y el Constructivismo ruso. 

No te pierdas...

Para conmemorar el centenario del movimiento son varias las exposiciones que se han organizado tanto en el país mater del movimiento, Italia, como en diversos países europeos. Así que si estás durante las próximas semanas en alguno de ellos te aconsejamos que te acerques a ver cualquiera de las muestras organizadas para la ocasión: Milán ha inaugurado el año del futurismo en la ciudad con la exposición "Futurismo 1909-2009. Velocidad+Arte+Acción", Rovereto presenta en su Museo de Arte Moderno y Contemporáneo "Futurismo 100: Illuminations. Avant-gardes compared. Italy, Germany, Russia", en Roma podrá verse "“El futurismo en París - una vanguardia explosiva”, una exposición que ha podido verse en el Pompidou francés y que más tarde itinerará por diferentes puntos de Europa (como Londres), y la tercera edición de Performa (Nueva York) rendirá un homenaje al Manifiesto futurista de Marinetti en el mes de noviembre.

19/02/2009 12:55 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL DULCE DEL CRISTO MORENO

Por: Jaime Ariansen Céspedes

 

El 16 de Marzo de 1650 y después de caminar por tres días consecutivos Martín Tamanango, esclavo liberto de la hacienda Santa Brígida de Cañete, apartó de su cara el velo de arena que la cubría. Tenía el propósito de ensayar una sonrisa al divisar la capital que se delineaba en el horizonte. Sin lugar a dudas era una esplendorosa y florida ciudad, ya tenía cuarenta mil habitantes y era la más cosmopolita del nuevo mundo. Martín quería visitar a su tía Tomasa y su familia que vivían en el humilde barrio de Pachacamilla, a las afueras de Lima.

No sabía de ellos desde hacia diez años y dudaba si lo iban a reconocer. Durante todo el trayecto trató de recordar a sus primos que conocía y adivinar a los otros. El encuentro fue sorpresivo y frío, la pobreza y las penurias de los africanos no permitía que se dieran lujos, especialmente para exteriorizar sus emociones.

Una cálida excepción fue la atención que le brindó su linda primita Olga, alta, muy alta, espigada y con un tumbao cimbreante que hacía volver la mirada a propios y extraños cuando caminaba con un cántaro en la cabeza realizando su periplo diario para recoger agua en los pilones de la Plaza Mayor.

La afinidad entre ambos jóvenes fue inmediata, se comprendieron, se gustaron, se respetaron y pudieron establecer una fluida y cordial comunicación. Los temas principales de sus largas conversaciones fueron el destino, la fe y las penurias que significaba la esclavitud, la pobreza y la ignorancia de los negros. Los aspectos que no conocían por su poca educación lo suplían con creces con talento e intuición.

Ellos sentían que en algún sitio existía la felicidad y por supuesto soñaban con el paraíso perdido, coincidían en que la fe era el único camino viable para poder soportar la cadena infinita de privaciones de los negros, en esa época del muy noble Virrey don García de Sarmiento, Conde de Salvatierra. 

Martín supo de inmediato qué hacer: la Cofradía de los Angoleños era la única que no tenía en Lima la imagen de un patrono que presidiera sus reuniones de oración y culto. El tenía el talento en sus manos y la pasión en su corazón para satisfacer ese anhelo y en el término de la distancia y el tiempo estuvo con el pincel en la mano frente a una blanca pared en medio del pequeño y modesto barrio de Pachacamilla.

Al comienzo fueron cuatro horas, después ocho y luego desde las primeras luces del día hasta la oscuridad de la noche. Martín estuvo absorto durante seis meses, aferrado a los pinceles y mientras brotaba de su imaginación la fe a borbotones, se iba plasmando una imagen doliente del Cristo Crucificado.

Mientras trabajaba Martín, nadie hablaba a su alrededor, en un pacto absoluto de respeto y fe. Los angoleños lo miraban a distancia y ponían flores a los pies de la imagen, mientras una claridad permanente en el lugar hacía que cada día los colores luzcan más brillantes y expresivos; de vez en cuando sus vecinos congos, mozambiques, terranovos, mandingas y carabalíes curioseaban por la obra, que en plena ejecución ya causaba admiración.

Cuando Martín asumió que la imagen estaba terminada, la tarde del 3 de Octubre de 1651, llevó a Olga hacia el modesto altar que había construido a los pies y poniéndole una guirnalda de flores en la cabeza le propuso matrimonio.

Al fondo de la escena, un juglar amigo acompañado de una guitarra, entonaba cadenciosamente, muy despacio la siguiente melodía...

Búscame entre la hierbabuena

y te daré mi piel morena

beberás el agua de la miel

sólo si tus ojos me quieren ver

piérdete entre mis brazos

y llegarás al fondo de mi ser

bajaremos al centro de los mares

donde hay un mundo de corales

y nada que nos pueda separar...

 

“¡Qué romántico mamita, que bonito cantas!... y... ¿qué paso después con Olga y Martín?”. “Deja que te siga contando esta historia de fe y amor, mi niña, mi pequeña cucurumbé...”, y prosigue la dulce señora con su relato mientras amasaba con un singular compás, harina en flor, leche, manteca, azúcar y las yemas de un fino turrón, que le había visto hacer ritualmente a su madre y ella a la suya y así siempre desde el inicio, mientras que en un chombo cercano hervía jugo de caña junto con canela, anís, higos y membrillos inundando el recinto de un incomparable aroma de dulce criollismo.

Y prosigue contando... El 13 de Noviembre de 1655, justo en tiempo de la siesta, se produjo el más espantoso terremoto que te puedas imaginar, no quedó entero nada, se derrumbaron y dañaron casi todas las construcciones de Lima, dejando miles de muertos. Todas las casas de la cofradía de Pachacamilla se vinieron abajo, y milagrosamente el muro de adobe en el cual se encontraba pintada la imagen de Jesús quedó intacto, brillante sin ningún resquebrajamiento.

Un piadoso personaje llamado Antonio León quedó conmovido ante los esfuerzos de Martín y Olga, que con sus propias manos trataban de limpiar los escombros del lugar y los ayudó con recursos, mandando construir un cobertizo para proteger la pintura y una especie de altar donde las personas caritativas pudieran depositar ofrendas y velas.

Poco a poco muchos pobres de Lima expresaron su fervor ante la maravillosa imagen del Cristo Moreno... “la fe mi querida niña, hace realmente milagros...”, y estos se fueron multiplicando junto con la devoción al culto de Pachacamilla. Pronto, los viernes en la noche, además de rezos y cánticos, se entonaba ante la imagen el salmo Miserere, varios músicos acompañaban la interpretación con guitarras y cajones, después sazonaban la reunión con bailes de origen negro festejando al Nazareno.

Pronto llegó a ser una verdadera verbena la que se organizaba todos los fines de semana para homenajear al Cristo Crucificado. Pero este “despropósito” no podía seguir así, según palabras del párroco de la cercana Iglesia de San Marcelo, José Laureano de Mena, quien solicitó a las autoridades civiles y religiosas que le ayuden a parar esa idolatría y la única manera de hacerlo era borrando la imagen de la pared, de la mente y de los corazones de esos “negros adefesieros”.

El pedido fue atendido por el nuevo virrey Conde de Lemos y por el Provisor y Vicario General, Esteban de Ibarra. El 3 de septiembre de 1671 ordenaron un auto para que el cura Mena, el fiscal José de Lara y Galán y el notario Juan de Uria fueran al lugar y con ayuda de albañiles y protegidos por soldados, con combo y pintura, terminaran con esa idolatría.

La comitiva se hizo presente en medio de los cientos de fieles, que como de costumbre rendían su alegre homenaje semanal al cristo moreno. Primero habló el sacristán mayor José de Robledillo quien increpa a los asistentes por la “indecencia” con que se procede en este lugar.

Luego el capitán encargado de cumplir con lo dispuesto ordenó destruir la imagen... pero el primer operario, al estar frente a la imagen quedó subyugado por la fuerza de la fe y la emoción de estar tan cerca de la singular figura del Santo Señor y paralizado no pudo cumplir con su tarea, lo mismo sucedió con el segundo y el tercero que subieron a la pequeña escalera con la consigna de dañar la sagrada imagen. Justo en ese momento de estupor y confusión general... comenzaron a sonar truenos como trompetas celestiales, mientras que una tupida lluvia cubría todo con un fino y frío manto gris de reproche, una tormenta es realmente algo inusual en Lima. 

La interpretación inmediata y general fue que el cielo estaba llorando de pena por la ofensa hacia el Cristo Moreno. Todos los que se encontraban en el lugar lo comprendieron así y sin ninguna consigna ni mediar palabra alguna, uno a uno se fueron arrodillando y comenzaron a rezar, primero como un murmullo, luego como un sublime grito de fe, de amor hacia el Cristo de Pachacamilla...

Padre nuestro que estás en los cielos... Santificado sea tu nombre...

Años después, el muy especial 1687 fue realmente telúrico. Lima fue sacudida por fuertes sismos, el primero el 13 de Enero, luego otro el 9 de Abril y el más violento fue el ocurrido el 20 de Octubre. La magnitud de la destrucción fue enorme, incluyendo los portales de la Plaza Mayor, las Iglesias de Santo Domingo y San Agustín, y por supuesto miles de casas. Los angustiados limeños volvieron su fe hacia la milagrosa imagen del Señor de los Temblores y por iniciativa del piadoso Sebastián de Antuñano se organizó una procesión del lienzo que había pintado Martín como una réplica del mural de Pachacamilla. Ya era hora que se pusieran las cosas en su sitio, la ciudad entera debería estar bajo su protección y nada malo le volvería a pasar, había que pasear al buen señor por calles y plazas, señalando claramente su presencia y listo, ¡Pobres las fuerzas del mal que se atrevieran a enfrentarse al más poderoso y bueno de todos los Cristos, el de los negros!

El mismo 20 de Octubre, la sagrada imagen, sobre unas improvisadas y rústicas andas de madera de naranjo, recorrió las maltrechas calles de Lima seguida por cientos fieles, un poco de incienso y mucha fe. A partir de esa fecha y hasta nuestros días, todos los 20 de Octubre de cada año se realiza la más grande y piadosa procesión de esta parte del mundo.

“Y como es costumbre, cuando regresemos de la procesión, mi querida niña, estará esperándonos el delicioso turrón de Doña Pepa, que disfrutaremos en familia”.

La tradición de este dulce limeño comienza con la llegada a Lima, para asistir a la procesión, de una fina dama morena, una verdadera flor de la canela, llamada Josefa Marmanillo, esclava en el valle de Cañete. Doña "Pepa" venía a visitar al Señor de los Milagros, tenía que agradecerle, porque le había curado su cuerpo y su alma, por lo tanto era una cuestión de honor y eso sí es sagrado entre los negros.

Durante el viaje estuvo ensayando su discurso, pero todo intento de hilvanar ideas fracasaba, el mensaje le parecía pobre, insulso, ella realmente nunca había podido expresar bien sus sentimientos, ¡Qué diría el señor de esa negra malagradecida!

Cuando llegó a las cercanías del barrio de Pachacamilla, de donde saldría la imagen, se encontró con un multicolor barullo y un enjambre de personajes que la dejaron estupefacta. La recibió el distraído murmullo de las cuadrillas de cargadores con sus hábitos morados. Luego llamó su atención unas coloridas mixtureras llevando sobre sus cabezas grandes azafates de flores y primorosas frutas de mazapán, membrillos acaramelados y pastillas de canela y azúcar, más allá estaban las sahumadoras, con sus ostentosos pebeteros de plata labrada, eran lindas negritas, muy jóvenes, peinadas con diminutas trenzas, representando a sus “amitas”, que competían al presentar los exóticos inciensos que inundaban el lugar de un misterioso aroma de plegaria.

Muy cerca de las andas del Cristo Moreno un grupo de señoras que formaban el coro, cantaban un sentido himno... Señor de los Milagros... a ti venimos a honrarte, tus fieles que te amamos, venimos a implorar tu bendición... mientras que una gran banda de músicos uniformados las acompañaba.

También eran protagonistas de esta fiesta los veleros, que ofrecían a viva voz unos pequeños candiles, primorosamente adornados, ¡Claro, el Señor tenía que estar bien iluminado!  A su costado, los faroleros portaban grandes luminarias para asegurase que en las cercanías del anda brillara siempre la luz de la fe. Ocupaban un sitio especial los penitentes, que se imponían discretamente la tarea de pedir limosna en plena procesión para mantener el culto, pero lo que más llamó la atención de la atónita Josefa fueron las vivanderas, que durante todo el recorrido de la procesión y en las calles aledañas ofrecían con alegres gritos, olluquito, cau cau, causa, escabeche, cebiche, choclos, butifarras, anticuchos, choncholíes, picarones con miel, mazamorra morada, emoliente...

Josefa, absorta, deslumbrada, se vio envuelta en ese torbellino de sensaciones, aromas y sabores y una explosión de fe en su interior le indicó claramente cómo tenía que agradecer al Señor. Quién, sino ella, sabía hacer el más delicioso de todos los turrones, el más criollo de todos los dulces, sin lugar a dudas era el suyo, era su turrón.

En la próxima salida del Señor, Josefa ya estaba apostada en una esquina con una tabla especialmente acondicionada y a su paso alzó el turrón con sus dos manos y se lo ofreció al Señor, con fe, con amor, con agradecimiento, multicolor, suave, criollo. Cuando regresó a Cañete, Josefa contaba que el Cristo había vuelto la cabeza y con una gran sonrisa le había agradecido y bendecido el presente.

Josefa se propuso venir todos los años a ofrecer su dulce en la Fiesta del Señor de los Milagros, luego fue su hija y la hija de ésta y así sucesivamente, hasta nuestros días, en que el Turrón de Doña Pepa, preside, desde hace trescientos años, las expresiones gastronómicas de la muy devota Procesión del Señor de Los Milagros.

18/02/2009 04:51 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LO QUE DARWIN NUNCA DIJO...

JAVIER YANES - MADRID - PÚBLICO.ES

A Charles Darwin, que hoy habría cumplido 200 años, se le ha acusado de inspirar la eugenesia y el genocidio nazi, y tanto el capitalismo como el marxismo lo han reivindicado para sí tirando de diferentes hilos, ya sea el de la competición por la supervivencia o el del materialismo ateo. Pocas figuras se han manipulado tanto como la de este científico, y pocas doctrinas se han deformado tanto por ignorancia o con la intención de servir a intereses ajenos a la ciencia. Lo que sigue es un repaso de algunos de los errores, falacias e imprecisiones más frecuentes sobre la vida y la obra del naturalista inglés que inauguró la biología evolutiva.

1. El hombre desciende del mono

Este mantra, repetido hasta la saciedad, no forma parte del darwinismo. En su obra de referencia, El origen de las especies, Darwin no abordó el linaje humano, pero "al día siguiente de publicarlo, la gente ya decía que el hombre viene del mono", afirma el codirector de Atapuerca, Juan Luis Arsuaga. Los detractores de Darwin lo ridiculizaron en caricaturas que mostraban al eminente científico convertido en un simio peludo. Posteriormente, en El origen del hombre, Darwin planteó la hipótesis de que humanos y simios descienden de progenitores comunes, no unos de otros. En realidad, la idea no era novedosa para la ciencia de mediados del XIX, sino que aparecía sugerida en trabajos de otros científicos, como Thomas Henry Huxley.

2. La evolución es una escalera que conduce al ser humano

El del hombre y el mono es un caso particular de un error más general, entender la evolución como una carrera de relevos en la que una especie cede el testigo a otra. A esta confusión contribuye un recurso gráfico mil veces utilizado: un simio caminando tras una fila de antropoides con rasgos cada vez más humanos hasta llegar al hombre. Pero ni el ser humano desciende del mono, ni ninguna especie viva se ha detenido a medio camino de la evolución para dar el relevo a otra. Suele equiparse lo más evolucionado a lo mejor, como en las generaciones sucesivas de teléfonos o de coches. Pero un chimpancé no es menos evolucionado que un humano. De hecho, genéticamente se podría considerar más evolucionado; un estudio elaborado por científicos de la Universidad de Michigan (EEUU) y publicado en PNAS en 2007 descubría que el genoma del chimpancé acumula un 51% más de genes modificados por selección natural que el del Homo sapiens. Para el primatólogo Josep Call, la humana es solo "una especie más".

3. Los organismos evolucionan para adaptarse al medio

En la ciencia-ficción de serie B es un recurso habitual que monstruosos seres evolucionen para aumentar su poder mortífero frente a los sufridos protagonistas humanos. Esta acepción de evolución respeta el diccionario, pero no el concepto científico de evolución biológica: no evolucionan los organismos, sino las especies o los linajes. Esta idea entronca con otra noción errónea; ni el monstruo ni su linaje podía evolucionar con un fin concreto. Entre los protoevolucionistas anteriores a Darwin, el francés Jean Baptiste Lamarck propuso que los organismos se adaptaban al medio y legaban esas adaptaciones a su progenie; por ejemplo, la jirafa estiró el cuello para comer y produjo crías con cuellos más largos. El modelo de Darwin reveló que es el medio el que selecciona a los mejor adaptados a la supervivencia y reproducción. Sin embargo, hoy el lamarckismo sigue infiltrando cierta interpretación popular de la evolución.

4. El darwinismo es un dogma

Ni siquiera Darwin se liberó por completo del lamarckismo. Al desconocer la genética y los mecanismos de mutación y herencia, Darwin no sabía cómo se producen las variaciones sobre las que actúa la selección natural, lo que le hizo proponer un rocambolesco mecanismo de herencia para las modificaciones que el organismo adquiría a lo largo de su vida: si un individuo fortalecía un músculo, sus células liberaban unas gémulas que llevaban esta información al esperma o al óvulo para que la progenie naciese con el músculo más desarrollado. Cuando más tarde se divulgaron las leyes de la herencia formuladas en la misma época por el monje checo Gregor Mendel, muchos científicos las rechazaron por considerarlas contrarias al darwinismo: frente a la variación azarosa y continua de Darwin, Mendel planteaba una herencia matemáticamente predecible y estática. No fue hasta la década de 1930 que genética y evolución confluyeron en la llamada teoría sintética.

5. Darwin explicó el origen de la vida

Ni Darwin ni la moderna biología han logrado aún explicar cómo surgió la vida a partir de las moléculas biológicas primitivas. Darwin tampoco pretendió revelar el origen de la vida, sino solo su evolución una vez que existieron los primeros seres. En su autobiografía escribió que en la época de El origen de las especies aún era teísta, creyente en un dios como primer motor que había intervenido para prender esta primera chispa de vida y desencadenar un mecanismo evolutivo autoalimentado mediante leyes naturales.

6. Darwin inventó los conceptos de evolución y de supervivencia del más apto

Las ideas de antepasados comunes y de transmutación de unas especies en otras aparecen ya en los escritos de Anaximandro, filósofo griego del siglo VI a.C., así como de otros pensadores en Occidente y Oriente. Algunos de estos autores se basaban en la observación de los fósiles. Incluso una noción primitiva de selección natural aparece ya en la Grecia clásica. Pero la expresión "supervivencia del más apto" no fue acuñada por Darwin, sino que la adoptó en ediciones posteriores de El origen tras haberla leído en los Principios de Biología del filósofo victoriano Herbert Spencer, quien a su vez había inventado el eslogan al incorporar a su obra las ideas publicadas por Darwin. Ni siquiera el término evolución aparece una sola vez en El origen; este vocablo se popularizó más tarde y también Spencer fue uno de los primeros en emplearlo.

7. Los pinzones de las Galápagos inspiraron el eureka

Rara vez la ciencia avanza por eurekas; lo habitual, también en el caso de Darwin, es un progreso continuo y laborioso que bebe de múltiples fuentes. En cuanto a los pinzones, que con sus picos adaptados a diferentes alimentos han pasado a la historia como las musas de Darwin, no aparecen siquiera mencionados en El origen. En esta obra, Darwin se limitó a exponer la comparación entre las aves en general de este archipiélago y de otros lugares. En obras posteriores, Darwin sí recurriría a la comparación de especies, pero su interés no se centró en los pinzones, sino en los sinsontes.

8. Darwin refutó la creación bíblica

La fijación de los fundamentalismos religiosos por Darwin como enemigo supremo induciría a pensar que fue el británico quien destronó a la Biblia como pauta para explicar la historia natural. No fue así. En el Reino Unido, la sociedad victoriana sufría ya antes de Darwin una crisis de fe de etiología compleja, donde la razón se imponía a la revelación. A ello contribuyeron los descubrimientos en geología, que restaban crédito a la creación narrada en el Génesis en favor de una Tierra formada lentamente a lo largo de millones de años y por los mismos fenómenos que actúan hoy, no por grandes catástrofes repentinas como el diluvio universal. Esta teoría fue formulada por el geólogo y cristiano devoto Charles Lyell, y ejerció una fuerte influencia en el pensamiento de Darwin. La evolución tal como la formuló su autor no refutaba una posible creación divina, e incluso el propio científico creyó en ella durante años.

9. Darwin perdió la fe por su ciencia y fue enemigo de la religión

Ni Darwin fue un ateo militante, ni se convirtió al cristianismo en su lecho de muerte. Ambas visiones corresponden a manipulaciones de su figura, que se ha tomado como enemigo o modelo desde trincheras opuestas. Darwin explicó en su autobiografía las razones que le llevaron a abandonar la fe, y fueron argumentos sencillos que cualquier persona sin conocimientos científicos podría utilizar: las contradicciones entre distintas religiones reveladas, la negación de un Dios cruel y castigador o el rechazo a una supuesta condenación eterna para los paganos. Y su última conversión antes de morir es otro mito sin pruebas. Pero Darwin no eligió su papel como blanco del fundamentalismo religioso. Respetó las creencias de otros, como su propia esposa, y se unió al agnosticismo científico adoptado por figuras como su amigo y colega Thomas Henry Huxley. Para el agnosticismo de Huxley y Darwin, es tan imposible demostrar la existencia de Dios como lo contrario, y el ateísmo es también un acto de fe.

10. Es solo una teoría

Recientemente, un semanario católico publicaba un artículo en el que, sin negar la doctrina evolucionista, se afirmaba que "las teorías de Darwin siguen siendo una hipótesis. Falta constatación empírica". En tales afirmaciones subyace el error de equiparar la teoría a la pura especulación. Para el método científico, ninguna hipótesis se puede demostrar como cierta, sino solo como falsa. Se asume su validez cuando las pruebas merecen la aprobación de la comunidad científica. En 150 años se han aportado miles de indicios que impulsan la teoría evolutiva en el sentido que lleva desde entonces, y ni uno solo en el sentido contrario. Como señala el genetista Antonio Barbadilla, "nadie duda de otras teorías científicas que no afectan a las creencias, y pocas están tan contrastadas como la evolución".

12/02/2009 18:55 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EXTRAÑA TUMBA AZTECA

MEXICO (AP) - Un grupo de arqueólogos descubrió en la zona central de la Ciudad de México un sepulcro masivo poco común con los restos de posibles guerreros aztecas que combatieron al conquistador español Hernán Cortés.

El complejo funerario fue localizado en las ruinas de la plaza de Tlatelolco, donde se dio la última resistencia indígena contra los españoles en el siglo XVI, y contiene los restos de al menos 49 indígenas adultos, cuidadosamente colocados en una aparente mezcla de la cultura azteca y cristiana.

"Nos llevamos una sorpresa increíble, encontramos un gran complejo funerario", dijo el martes a la prensa en el sitio del hallazgo el líder de la excavación, el arqueólogo Salvador Guilliem.

El experto dijo que los indígenas sepultados podrían haber muerto durante la guerra para conquistar la capital del imperio azteca, que encabezó Cortés en 1521, aunque también tienen la teoría de que habrían fallecido durante alguna de las sublevaciones que siguieron al triunfo de los españoles.

Guilliem dijo que muchos entierros han sido localizados en el sitio, con restos de indígenas que murieron durante las pestes de 1545 y 1576.

Sin embargo, refirió que los entierros de los muertos por las pestes solían caracterizarse por hacerse sin organización, rápidamente y apilando los cuerpos sin importar la edad ni el género.

Pero en el caso del complejo recién descubierto se encontraron elementos distintos.

Los restos, dijo el experto del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), tenían muchas características de los guerreros: todos, salvo cuatro de ellos, eran hombres jóvenes, muchos eran altos y varios mostraban huesos rotos que habían soldado.

Los hombres también estaban cuidadosamente colocados en un estilo que corresponde a los usos del cristianismo: recostados boca arriba con los brazos cruzados sobre el pecho. Añadió, sin embargo, que muchos parecen haber sido envueltos en largas hojas de maguey.

En otra misteriosa mezcla de la cultura indígena y española, en el complejo funerario se hallaron restos de piezas de cerámica usadas en ofrendas aztecas, pero también objetos de madera laminada (quizá restos de féretros), clavos de metal y algunos botones de hueso, un anillo y un collar de cobre.

El hallazgo se hizo a finales del 2008 cuando arqueólogos del INAH buscaban mejores evidencias de la fecha de construcción del templo mayor de Tlatelolco, para determinar con precisión el momento de su fundación.

Susan Gillespie, experta del Departamento de Antropología de la Universidad de la Florida, coincidió que el entierro era poco común porque es improbable que los españoles se hubiesen molestado en tener tanto cuidado para enterrar a guerreros aztecas, mientras que los indígenas habrían sido más proclives a cremar y honrar a sus muertos.

La experta, no involucrada en la excavación, dijo a la AP que aún se conoce muy poco sobre lo que pasó inmediatamente después de la caída del imperio azteca, cuando Cortés arrasó con la mayoría de las pirámides y templos, y luego abandonó la destruida metrópolis. El conquistador vivió en las afueras de la ciudad antes de regresar a reconstruirla al estilo español.

Guilliem dijo que probablemente en el periodo en que Cortés abandonó la ciudad los aztecas regresaron a enterrar a sus muertos.

La experta de la Universidad de Florida coincidió en que podría tratarse de víctimas de las rebeliones indígenas posteriores a la conquista, aunque consideró que aún es necesario realizar más investigaciones, como un análisis de los restos para determinar la causa de su muerte.

Gillespie dijo que otra posibilidad es que hayan sido indígenas que fueron hechos presos por los españoles y asesinados tiempo después.

11/02/2009 09:54 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA DELICIA DE LUCUMA

La delicia de Lúcuma y el Manchay Puito: Una historia de dulce y prohibido amor

por Jaime Ariansen Céspedes

cpintura01.jpgEsta es una historia de dulce amor, sin lugar a dudas. Me la contó mi abuela con nostalgia y lágrimas en sus ojos de miel, es una historia de su tierra y de su familia en el Cuzco. Me emocioné al oírla, hablaba casi sin pausa, con seguridad, como si ella estuviera viviendo los sucesos.

Quedó una profunda huella en mi interés y curiosidad, debía escuchar esa melodía prohibida. Solo pude hacerlo diez años después y fue la experiencia más alucinante que ustedes se puedan imaginar, el sonido de esa quena de hueso fue tan claro, triste y melancólico que hicieron vibrar hasta la última partícula de mi ser y cada vez que me acuerdo de ese momento reviven en mí la figura y la bondad de mi abuela Mercedes y hasta puedo oler y saborear el dulce de lúcuma que degusté mientras escuchaba aquella historia.

Se inicia en el puerto del Callao, en el Pacífico, la tarde del 15 de agosto de 1798. El puerto estaba cubierto de neblina y saturado de una fina garúa; casi no se distinguía el suave desliz, llegando a puerto, del bergantín "Elise" de la Compañía Holandesa de las Indias Occidentales. El pequeño barco marrón y ocre tenía dos palos como mástiles especiales, con velas cangrejas y foque, y adicionalmente le habían añadido una vela cuadrada, como seguridad para un largo recorrido, que le daba una muy singular apariencia.

El "Elise" había partido de Ámsterdam con el propósito de comercializar entre los principales puertos del mundo. Su periplo completo duraría un año y desde el Callao, el distante y codiciado puerto del Virreinato del Perú, se dirigiría a Tahití y de allí iniciaría el retorno a casa, en el noroeste de Europa.

Sólo algunos funcionarios lo aguardaban, pero no sabían de fechas. Ya se había atrasado varias semanas en su itinerario, por eso fue absolutamente normal que nadie fuera a recibirlo, sólo algunos pescadores y los siempre curiosos habitantes del puerto siguieron con la mirada su silenciosa y lenta entrada en la bahía.

Llegó en el bergantín un personaje muy especial, un sacerdote español, también músico y doctor, don Gaspar de Angulo y Valdivieso. Tenía el encargo de ocupar la parroquia de San Blas, en el Cuzco.

No hemos podido encontrar indicios que indiquen en qué lugar abordó el padre Angulo al "Elise", y estábamos intrigados porque este Bergantín no pasó por España. Pero, en cambio hallamos testimonio de su amistad durante el viaje con el famoso artista Guillermo Van Den Velde, a quien el padre Angulo le dedica varias frases muy amables en su diario y del que exhibiría siempre como un preciado regalo una pintura marinera. Durante muchos años y ya en el siglo XX, este valioso cuadro engalanó la pared principal, sobre la chimenea, del gran salón del Hotel de Turistas del Cuzco.

cpintura02.jpgLo que sí es evidente, porque también se encuentra perfectamente documentado, es que don Gaspar disfrutaba de una respetable fama de hombre de ciencia y lucía en sus treinta y tres años una fresca figura de hombre noble y una profunda mirada de muy especial intelecto.

También hemos encontrado cartas que indican que estuvo en Lima más o menos seis meses, antes de emprender el viaje a su piadoso destino en la parroquia de San Blas, precioso lugar en el barrio de los artistas y artesanos del Cuzco.

Durante su estadía en Lima, el padre Angulo se alojó en la casa del doctor Gustavo Campodónico, en la cuarta cuadra de la calle de Los Escribanos. Tampoco existen indicios de por qué no fue al convento de su orden. Pero sí, de otra amistad con la familia de Ivo Claeyssen, importador y fabricante de muebles finos que moraba en la tercera cuadra de la calle Plumereros.

Las dos actividades más importantes de don Gaspar en Lima fueron reseñadas por los diarios El Espectador y La Gaceta de Lima. La primera, fue un concierto que ofreció en el Palacio Arzobispal donde interpretó magistralmente a Vivaldi y la segunda, una conferencia que dictó en la Escuela de Medicina de San Fernando, comentando un reciente descubrimiento del sabio inglés Edward Jenner sobre un nuevo concepto para evitar las enfermedades, la vacunación.

Después, don Gaspar por años sostuvo una sustanciosa correspondencia con las familias Campodónico y Claeyssen y de esa documentación se conocen algunos pormenores de su vida en la parroquia de San Blas, en el Cuzco.

Existe una carta fechada el 12 de Marzo de 1799 que retrata sus impresiones sobre su barrio y su iglesia:

«Es el lugar más pintoresco de la Tierra, sus calles son torcidas y estrechas, todas muy empinadas, trepando el cerro, las casas blancas y las tejas rojas, el ambiente huele a malva y clavelina. Y es un espacio muy musical, cuando lo inunda el canto de unos encantadores pajarillos que aparecen cuando madura el maíz, a los que llaman Choqllopokochi.

Conozco muchas iglesias en Europa y estoy seguro ninguna tiene un púlpito tan maravilloso, fue tallado en una sola pieza por un artesano indio, Juan Tomás Tuyrutupa, de un gigantesco cedro. Casi no se le puede describir, es necesario verlo, el que lo admira queda subyugado. Todo en él es majestuoso y divino. Un inspirado Santo Tomás está rodeado de nueve doctores de la iglesia. En el centro está grabado el escudo del Obispo Manuel Mollinedo y Angulo (que a lo mejor fue pariente mío). En la taza del púlpito están los cuatro Evangelistas, y lo principal, ¡La más hermosa de las vírgenes!, la señora María del Buen Suceso, que Juan Tomás hizo rezando, besando la madera que tallaba y llorando cada vez que recordaba que ella le había hecho desaparecer sus lepras.»

 

Rápidamente, con su actitud sabia y bondadosa, el padre Angulo ganó el multitudinario cariño y popularidad del devoto del pueblo cuzqueño, que no sólo concurría a la parroquia de San Blas para curar el alma, sino también el cuerpo, ya que don Gaspar era tan diestro con las medicinas como con los evangelios y de yapa brindaba en cada ocasión que podía delicados conciertos que cautivaban por su maestría.

Existen en el Cuzco y en Lima reseñas sobre la música del padre Angulo, que coinciden en alabar la pericia con que estudió la gran variedad de flautas, quenas y antaras de las serranías americanas.

La difusión con maestría y bondad de las ciencias, la fe y el arte producen siempre buenos dividendos, porque estos ingredientes son insuperables. No podemos decir si el matiz obtenido por don Gaspar era más bien de héroe o de santo, o una mezcla de ambos, pero lo cierto es que la devoción hacia su persona creció como la espuma. A la vez, el obispado y el cabildo no desperdiciaban ocasión para consultarlo en casos difíciles y su dictamen era siempre aceptado como sabio y justo.

Durante seis años, don Gaspar Angulo y Valdivieso dio singular ejemplo en el cumplimiento de los sagrados deberes de su ministerio. Hasta que un día, el 24 de Agosto de 1805, onomástico de San Bartolomé (¡que es el único día del año en que el diablo tiene licencia para transitar por el mundo en forma de tentación!), le ocurrió al padre Angulo algo muy especial que transformaría su vida para siempre.

cpintura04.jpgEsa tarde conoció a una bella y dulce joven de veinte años llamada Anita Sielles, de la que hemos encontrado una deliciosa descripción, escrita muchos años después, en 1882, por el célebre tradicionalista don Ricardo Palma, quien retrata a la joven de esta manera muy especial: "Anita Sielles era una linda muchacha de veinte pascuas muy floridas, con una boquita como un azucarillo, y unos ojos como el lucero del alba, y una sonrisita de gloria in excelsis deo, y una cintura cenceña y un piececito como el de la emperatriz de la gran China y un todo más revolucionario que el Congreso".

Con semejante descripción, no dudamos un segundo, del impacto celestial que causó la señorita Sielles en el santo don Gaspar.

Anita comenzó rezando el rosario en la parroquia de San Blas, luego, preparando un especial incienso de rosas y limón, mientras registraba con su delicada letra los matrimonios, bautizos y defunciones en el libro parroquial y, sobre todo en las tardes, preparaba los dulces que se vendían en la sacristía para aliviar la economía de la Parroquia. Había uno especial, no se vendía, Anita lo preparaba sólo para el padre Gaspar. El nombre él mismo se lo puso: "Delicia de Lúcuma".

cpintura05.jpgDespués, ayudaba a preparar las infusiones curativas y poco a poco mil cosas más, que le ocupaban tanto tiempo en la parroquia, que el pueblo vio con absoluta naturalidad la decisión de que "por comodidad y sus muy numerosas tareas debería vivir en la parroquia". Todo era tan perfecto y bueno, que ninguna maledicencia llegó ni siquiera a acercarse a los muros de tan piadoso edificio. Hubiera sido un pecado capital, pensar siquiera por un momento, que la tentación de la carne pudiera llegar a un santo varón y tan virginal dama.

Pero las cosas eran como usted querido lector está pensando... tiene toda la razón. En la parroquia se desató la más encendida pasión que se puedan imaginar: Romeo y Julieta, Abelardo y Eloisa, Marco Antonio y Cleopatra y cualquier otro par de famosos amantes serían fríos, principiantes, inexpertos, comparados con Anita y Gaspar.

En San Blas, las campanas sonaban solas, musicales y multicolores lo inundaban todo de alegría. Los cirios se encendían espontáneamente y el órgano funcionaba todo el día, una veces tierna y dulcemente, otras febril y apasionadamente, pero nunca dejaba de interpretar; una tras otra, miles de melodías que se sucedían, siempre inventando una nueva armonía, jamás ensayada antes, con infinita creatividad, produciendo figuras inéditas que sólo puede generar un amor sin límites, que en un ardoroso crisol fundía en indisoluble amalgama, miradas y pasión, promesas y pasión, caricias y pasión, suspiros y pasión, pasión y más pasión.

Los próximos seis meses fueron todos de un mismo color: rosa esperanza; de un mismo sabor: fresa tentación; de un mismo olor romántico de madreselva y sándalo. El aroma del amor y la pasión lo envolvía todo, del amor infinito, del amor sin límites, del amor prohibido de Anita y Gaspar.

Una mañana de junio, fría y diáfana, llegó un emisario a la parroquia con una urgente misiva. El obispo de Arequipa don Gustavo Mendoza y Barrionuevo, requería del sabio consejo de don Gaspar, por lo que le pedía que fuera a esa ciudad "en el término de la distancia".

En la siguiente semana, don Gaspar acudió al llamado, con la firme promesa de no demorar ni un minuto más de lo estrictamente necesario. La despedida de su amada fue muy tierna, las miradas se entrelazaron infinidad de veces, hasta que las figuras se diluyeron, empequeñecidas por la distancia. El padre don Gaspar Angulo y Valdivieso estaba rumbo a Arequipa.

El viaje, las entrevistas, los consejos, las compras de regalos para Anita, más consejos, más entrevistas y más regalos para Anita, las realizó tan rápido que en menos de lo que canta un gallo y que alguien se diera cuenta de que existen otras dimensiones, como la nostalgia o la necesidad imperiosa, vital, del encuentro con la amada... antes de que nadie se percatara, don Gaspar fabricó una cortina de simpatía y admiración, tras la cual desapareció.

El padre Angulo había dado por terminada su misión en Arequipa y estaba nuevamente en el polvoriento y florido camino, esta vez de regreso a su devota y pintoresca parroquia. Añoraba más que nunca la piel tibia y tierna de la razón de su vida.

En la quebrada de las Tres Cruces, a unos 30 kilómetros del Cuzco, le dio el alcance Sebastián, su fiel sacristán, que pálido tembloroso y sin aliento le entregó una misiva que decía:

«Mi amor, regresa lo más pronto posible. Una rara fiebre se ha apoderado de mí, desfallezco, ya no tengo fuerzas para moverme. Sólo un beso tuyo podrá transportarme nuevamente a nuestro paraíso. ¡Te necesito tanto!, Tuya por siempre... Anita.»

Los ojos inundados de lágrimas, los cabellos al viento, mil latidos del corazón, espuelas clavadas como garfios en el brioso corcel. El camino parecía infinito, nunca los kilómetros fueron tan largos, nunca los metros fueron tan interminables, nunca el tiempo fue tan lento, hasta divisar la estrecha cuesta empedrada en cuyo final estaba la plaza y la parroquia de San Blas.

Anita, había fallecido hacía dos días y la enterraron piadosamente en el jardín posterior de la iglesia. Don Gaspar, desesperado y con febril éxtasis, no reconoció a ninguna de las muchas personalidades que lo esperaban para compartir un infinito dolor que inundaba el ambiente; parecía ausente de todo, sólo su cuerpo estaba allí, su esencia estaba lejos, muy lejos, donde se reúne la gente buena, en la eternidad.

Respetando su dolor sin límites, todos guardaron silencio, el silencio más profundo que pueda existir, nadie respiraba, ni siquiera los corazones latían, la gente que los amaba, mucha gente, de toda condición, de todo lugar, aguardaban inmóviles, como figuras de piedra, a distancia cuidando que nadie interrumpiera el duelo de la casa parroquial.

Don Gaspar les pidió salir a los que quedaban en la iglesia y cerró tras él la pesada puerta principal. Durante las siguientes tres horas, nadie se movió en la plaza, ni siquiera pestañó, cuando de repente un estremecimiento general se apoderó de todos. De la iglesia comenzó a brotar un torrente cristalino, una melodía que hacía vibrar todo el ambiente, de infinita tristeza, que llegaba a todos los rincones, produciendo un tierno temblor, sin ningún rasgo de violencia, pero con una fuerza muy poderosa, la más importante de todas, el poder del amor.

La música procedía de una quena colocada dentro de un raro cántaro de boca ancha y con agua hasta la mitad de su volumen; era el "Manchay Puito", que producía la melodía de la vida y de la muerte, era la fuerza musical, la que podía traer del más allá a la persona amada.

Cada vez la melodía era más intensa, cada hora las notas eran más tristes, más profundas, suplicantes, todos lo que estaban en la plaza San Blas se quedaron sin lágrimas, sin suspiros y sin fuerzas. Durante tres días y tres noches la quena no dejó de sonar ni un solo instante.

A las cinco de la tarde del 2 de julio de 1804, llegó el final de esta ceremonia de amor, de este sublime ruego musical. Un remolino multicolor con todo el triste sonido se elevó como un rayo rumbo al cielo, mientras comenzaba a caer una fina garúa con un suave olor a musgo.

La expectativa fue absoluta, durante los siguientes minutos nadie se atrevió a tomar la iniciativa, hasta que el Alcalde del Cuzco don Jerónimo Peñafiel, se acercó lentamente a la puerta de la iglesia. Le siguieron algunas autoridades eclesiásticas y civiles, la empujaron suavemente y se encontraron ante un triste cuadro, bello y misterioso.

Anita se encontraba sentada en un sillón con un traje de raso verde esmeralda, tenía en la frente una corona de azahares, lucía diáfana y hermosa como sumida en un profundo sueño. Definitivamente no estaba muerta. Frente a ella y compartiendo su infinito sueño, don Gaspar de Angulo y Valdivieso estaba engalanado y en su mano brillaba la quena del Manchay Puito, con que había tratado de revivir a su amada.

Junto a ellos, en el muro de la iglesia, habían aparecido reflejados de la imagen del púlpito, los rasgos de la noble señora, de la madre amantísima, de la bendita Señora del Buen Suceso.

La virgen tenía una dulce expresión y un rosario de perlas en las manos, que se convertían, mediante una celestial metamorfosis, en miles de pétalos de rosas que brotaban de la pared y cubrían todo el espacio hasta donde estaba sentada Anita Sielles. Constituían un cuadro de paz, un cuadro de amor eterno, del más puro de los amores.

En las siguientes semanas, la historia de Anita y Gaspar recorrió toda América y llegó como un exótico tema hasta la corte de Carlos IV y como un documento muy serio hasta el Vaticano, a la Comisión Papal que analizaba casos de milagros, como minuciosos "abogados del diablo".

Los feligreses del Cuzco y en especial los de San Blas, comenzaron a llevar flores diariamente y poner velas encendidas alrededor de la imagen aparecida en la pared, de la hermosa Señora del Buen Suceso. Este hecho continúa hasta nuestros días, con la fundamental fuerza de 200 años del más puro amor.

Rápidamente se fueron acumulando en la tradición popular una larga lista de testimonios de los "milagros". Todos tenían un mismo rasgo, habían logrado solucionar problemas del amor difícil, del amor lejano, del amor no correspondido, del amor traidor. Pronto también el rito del Manchay Puito fue muy popular, usado siempre que existía nostalgias de amor.

Pero, esta aparente inofensiva ceremonia fue tomando un matiz trágico ya que terminaba en muchos casos con el suicidio de los amantes, de los amantes impacientes, de los amantes sin fe, de los amantes sin tiempo. Fue tan rápida la multiplicación de esta epidemia de amor amargo, que con carácter de "muy estricto" se publicó un edicto real confirmado por el virrey Rafael de Sobremonte que "prohibía terminantemente la práctica del Manchay Puito en todos los territorios del virreinato". Esta orden fue reforzada con la no menos importante bula de excomunión, dictada por el Papa Pío VII, para los que celebraran en la América esa ceremonia "diabólica".

En la erradicación de la costumbre y la extirpación de esa idolatría se emplearon diez años de esforzado trabajo de las autoridades civiles y eclesiásticas. Para 1815 ya no existían en los territorios de España en América instrumentos para realizar la ceremonia del Manchay Puito, cántaros y quenas habían sido destruidas, sólo quedaban miles de historias.

Y por supuesto la receta de la bella Anita, que la pudimos copiar de su cuaderno original:

Delicia de Lúcuma - Ingredientes: 1 litro de leche fresca, unas gotas de esencia de rosas, una taza de azúcar, 5 huevos, dos tazas de lúcuma (la exquisita fruta peruana), vainilla al gusto. Se hace hervir la leche con el azúcar, se la hace espesar como dulce de leche, se le añade la esencia de rosas, entonces se quita del fuego y se hace enfriar, se le pone las cinco yemas batidas y la fruta bien molida, luego se pasa por un tamiz y se le agregan las claras batidas a punto de nieve, se pone todo en un molde bien untado de mantequilla y luego al fuego en baño de María. Se vacía en una fuente y cuando esté en su punto se baña con una crema de vainilla y lúcuma.

 

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Cuadros de Isabel Francés Gómez-Jordana
05/02/2009 23:24 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PAGA LO QUE QUIERAS

LONDRES - Un restaurante londinense cree haber encontrado la respuesta a la caída de la frecuentación que provoca la crisis económica: ya no presenta la cuenta, sino que deja a sus clientes al cuidado de pagar lo que consideren que es el precio justo.

"Es enteramente a la voluntad del cliente. Pueden darme 100 libras o un penique. Todo lo que pido es que me paguen lo que consideren que es el valor de la comida y del servicio", declaró Peter Ilic, propietario del restaurante, citado en un comunicado difundido el martes.

El Little Bay, situado en Farringdon, en el norte de Londres, no presentará ninguna cuenta a sus clientes durante el mes de febrero. Sólo se exigirá un precio fijo para las bebidas. "Pero se servirán jarras de agua", asegura el restaurante.

"Me parece una cosa buena para hacer cuando todo el mundo se siente golpeado por la crisis... Hemos visto a muchos más empleados de la City (barrio de negocios de Londres) a la búsqueda de almuerzos más baratos", añade el restaurador, que lleva en el sector 26 años.

"Incluso si la gente no paga nada, he dicho a mi personal que la trate de la misma manera que si desembolsaran 50 ó 60 libras", prometió en entrevistas con la prensa inglesa.

Antes de esta insólita oferta, los entrantes (terrinas de foie gras, tartaletas de cangrejo o mejillones a la marinera) costaban tres o cuatro libras (de 3,3 a 4,4 euros) y los platos principales (pollo con lentejas, pulpeta de salmón o pato al puerro) menos de diez libras (11 euros) en este restaurante.

05/02/2009 12:36 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

INAMO: ¿El Restaurante del Futuro?

 
Ya decía yo: ¡Por aquí va la cosa! No dejen der ver este simpático video de la BBC sobre INAMO, un innovador restaurante londinense que utiliza la tecnología digital para hacer la experiencia culinaria tan divertida como jugar al Nintendo. Mediante una ingeniosa mesa interactiva se puede ordenar del menú, chismosear en la cocina, matar el rato con video-juegos, chatear con personas en otras mesas y hasta contribuir con la lista de canciones que se usa como música ambiental. Para verlo:
 
 
03/02/2009 16:55 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

1929 Y EL ARTE

 
Ahora que vivimos un tiempo de crisis las miradas vuelven a un año que sentó precedentes en esta materia: 1929. Sin embargo, esta fecha no fue tan sólo la del crack económico más famoso de toda la historia sino también un año en el que el arte y la cultura estuvieron en el disparadero. El Art Decó triunfaba, no sólo en Europa, sino en buena parte de unos Estados Unidos que se resistían a dejar entrar en decadencia a los fabulosos años 20; asistimos al nacimiento de algunos de los más grandes artistas y obras del s.XX; las vanguardias encontraban al fin su camino; e, incluso, buena parte del mundo se dio cita en España para celebrar dos magnas exposiciones internacionales en las ciudades de Sevilla y Barcelona.

Dicen que los periodos de crisis son buenos caldos de cultivo para la cultura: la creatividad se dispara al amparo del cambio y la caída de las viejas estructuras y modelos sociales que han demostrado su ineficacia favorece otros modos de percepción de la realidad. Así que podría decirse que, dentro de lo malo, no todo lo que nos dejan los tiempos de crisis es miseria. El arte es un buen ejemplo de esto y nada mejor para comprobarlo que hacer un pequeño repaso por los principales hitos culturales que tuvieron lugar en un año famoso principalmente por ser el del inicio de la Gran Depresión americana:

* El movimiento Art Decó alcanza su máximo esplendor: surgido en 1920, alcanzará al final de la década su cénit, con grandes ejemplos constructivos proyectados en 1929 como el Edificio Telefónica de Madrid o los blosques de oficinas de las ciudades americanas de Chicago y San Francisco. Es en este año asimismo cuando artistas como Tamara de Lempicka realizan sus más conocidas obras pictóricas (Chica con guantes, Retrato de Madame Boucard, Romana de la Salle, etc.)

* Una buena parte de las vanguardias históricas dan el salto hacia su futuro estilístico; André Bretón publica su Segundo Manifiesto Surrealista en diciembre; y comienza la etapa más creativa de Salvador Dalí: en 1929 conoce a Gala, realiza su primera exposición en París y pinta El gran masturbador

* Nacen el pintor español Luis Feito el 31 de octubre y el escultor estadounidense pionero del Pop Art Claes Oldenburg, el día 28 de enero.

* Se abre al público por primera vez el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York: este centro, considerado una de las mayores pinacotecas del mundo, posee una colección de arte de primera fila de los dos últimos siglos y fue inaugurado el 7 de noviembre de 1929.

* España acoge la Exposición Iberoamericana de Sevilla entre el 9 de mayo de 1929 y el 21de junio de 1930, favoreciendo la industrialización de la ciudad y su conversión en un enclave moderno. Un poco después, el 20 de mayo de 1929, se inauguraría otro de los grandes hitos culturales del año en el país: la Exposición Internacional de Barcelona, en la que participaron alrededor de una veintena de países procedentes de todos los rincones del mundo. Su celebración supondrá un avance para la ciudad en materia económica y tecnológica, sin contar el desarrollo urbanístico y constructivo. Además, la exposición dejó en Barcelona una de las mejores muestras de arquitectura racionalista del momento: el Pabellón Alemán, construido por Mies van der Rohe. artelista.com

TITANIC. OBJETOS REALES, HISTORIAS REALES

Después de casi una centuria, el Titanic y su naufragio continúan siendo un tema que suscita gran interés entre personas de todo el mundo. Las superproducciones cinematográficas y la proliferación de libros editados sobre el tema han contribuido a alimentar la leyenda del lujoso buque. Ahora llega a Madrid una exposición bajo el nombre de “Titanic. Objetos reales, historias reales” que reúne 230 objetos rescatados del barco hundido en 1912 por la compañía RMS Titanic Inc, y que sirven para trazar un sugerente recorrido por una historia con visos a prevalecer  por mucho tiempo en el imaginario colectivo.


El visitante como un pasajero más

El Titanic, además de la espectacularidad en todo lo que le rodea, acarrea calurosos debates entre los detractores que consideran inmoral lucrarse con una tragedia y explotar hasta la saciedad un tema macabro utilizando un morbo ya trillado, y los defensores que ven interesante todo nuevo acercamiento y recreación de lo que sucedió aquella madrugada del 15 de abril. Lo cierto es que se trata de un tema que, al margen de controversias, atrae a un público considerable. En este caso, la compañía RMS Titanic Inc, organiza una exposición en la que se reconstruyen camarotes y otros espacios del barco por los que transitará el visitante: un recorrido que atiende a la vida total del Titanic, desde su diseño y gestación hasta su hundimiento al colisionar con un iceberg. La idea es que el visitante se convierta en un pasajero más, que reviva las historias allí acaecidas y que se ponga en la piel de los pasajeros que navegaron en el barco.

Diversos objetos para recrear la vida en el transantlántico


Los objetos expuestos ayudan a ofrecer una visión global de la enormidad del barco más grande de todos los tiempos, y para ello la exposición cuenta con pasarelas ambientadas con diferentes sonidos, instalaciones interactivas (como la posibilidad de tocar un iceberg ficticio que muestra la temperatura del océano en el hundimiento), replicas de los billetes originales, recreaciones de las cabinas de primera y tercera clase, la visita del Café Verandah, y más detalles como las vajillas utilizadas, la recreación del el aroma de los perfumes desprendidos en el salón, enseres de la cocina, objetos personales de los pasajeros… Resumiendo, un compendio de objetos que algunos consideraran innecesarios y de dudoso interés histórico y que otros gozarán al ayudar a recrear la vida de un barco legendario. artelista.com
07/01/2009 17:49 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA HISTORIA DE LAS 12 UVAS

EFE - El Universal - La costumbre española, adoptada en numerosos países de Latinoamérica, de tomar las uvas al ritmo de las 12 campanadas de la Nochevieja, para contribuir a la prosperidad y felicidad del Año Nuevo, va a cumplir un siglo.

Para ver hechos realidad los deseos, el ritual manda que se despida el año tomando las "doce uvas de la suerte", una por cada mes, al compás de cada una de las doce campanadas de reloj que marcan la medianoche del 31 de diciembre.

La creencia popular sitúa el origen de esta tradición en 1909, cuando la extraordinaria cosecha de uvas de esa temporada llevó a los viticultores españoles a repartir el excedente y alentar el consumo para atraer la buena suerte.

Sin embargo, como suele pasar con las tradiciones, hay argumentos discrepantes. En esos años, a principios de siglo, había hambre y por tanto hablar de excedente es arriesgado, teniendo en cuenta además que las cosechas de uva por entonces eran pequeñas.

Pero, sobre todo, "con los medios que había en la época, llegar a finales de año con uva fresca era muy difícil, e imposible que se llegase a tener abundancia o excedente", dijo a Efe Luis González, director del Consejo Regulador de la Denominación de origen Uva de Mesa embolsada de Viñalopó.

Viñalopó es una comarca de la provincia de Alicante y "es la zona que se recuerda de mas antigüedad de viñedos de uva de mesa, que no de vino", explicó González para quien no hay datos que confirmen ni el lugar, ni la fecha y año del inicio del ritual.

Desde luego en el impulso al consumo masivo de uva en esta época tuvieron mucho que ver los cosecheros que fueron capaces de promocionar hábilmente sus productos, mucho antes de que se desarrollaran las técnicas de "marketing".

En esa comarca del levante español, los mayores sí recuerdan que alguien les contó que algún lugareño guardó, como singular y exquisito postre para la cena de Nochevieja, granos de uva suficientes como para que cada comensal los tomara cuando el reloj diera la medianoche.

¿Esa cena pudo ser en el año 1909?. "No hay constancia, pero a partir de ahí, pudo funcionar el `boca a boca` y se puede hablar de la generalización de la costumbre a partir de los años veinte, más aún hacia los años cuarenta, que coinciden con la puesta en marcha de la técnica de embolsado de racimos, que permite retrasar un mes el proceso de maduración de la uva", señaló el directivo.

Lo que es indiscutible es el progresivo protagonismo navideño de estas bayas comestibles fruto de la vid, ricas en antioxidantes, fósforo, potasio, hierro y vitaminas, de las que se consumen en España, en la última semana del año, entre un millón y medio y dos millones de kilogramos

El centenario postre de la cena de San Silvestre se fue incorporando de forma imparable a los festejos populares y espontáneos para despedir un año y recibir al siguiente en las plazas de los pueblos, donde se concentraban los vecinos para escuchar juntos las doce campanadas del reloj mas emblemático del lugar.

Madrid no fue una excepción y cuentan las crónicas que la Nochevieja de 1930 el mismísimo Alfonso XIII, abuelo del rey Juan Carlos I, se mezcló con los madrileños la noche de San Silvestre y recibió al nuevo año en la Puerta del Sol, en pleno centro de la capital de España.

Una treintena de años después, y perfectamente arraigada la popular fiesta que se montaba bajo el reloj de la Puerta del Sol, llegó la bendición definitiva de la unión de hecho entre campanadas y uvas: el 31 de diciembre de 1962 Televisión Española comenzó a transmitir "las 12 campanadas".

Desde ese reloj, el paso de un año a otro dura en la actualidad 36 segundos y sesenta centésimas, tiempo para tomarse una a una las doce uvas, que en 1997 se les atragantaron a muchos españoles debido al ritmo frenético de las campanadas, que sonaron en sólo 17 segundos.

Los emigrantes van con sus costumbres de un lugar a otro y los 260.000 españoles que viven en Argentina, la mayor colonia española en el exterior, tomarán las uvas esa noche. Los granos de esa fruta se asomarán también a las nocheviejas de Latinoamérica.

Allí, las uvas se tienen que hacer hueco entre ritos como tomar lentejas para conseguir abundancia, meter billetes en los zapatos para lograr fortuna, pasear con maletas para viajar en el próximo año, cascar huevos en un vaso con agua e interpretar al día siguiente su forma, quemar muñecos o usar lencería de color rojo o amarillo.

Los enigmas que existen en torno al origen de "las 12 uvas" afianzan aún más la leyenda y, como se dice popularmente para augurar una larga espera, "nos van a dar las uvas" intentando aclarar quiénes y cómo hicieron de la uva un postre estrella, sin necesidad de aderezo o adorno alguno.

05/01/2009 19:05 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

¿SABÍAS QUE LA NAVIDAD ESTUVO PROHIBIDA?


Aunque parezca increíble hubo un tiempo en que la Navidad estuvo prohibida en una parte de Europa y Estados Unidos. Y es que, en la Inglaterra protestante y la América colonial del s.XVII, no se veía con buenos ojos una fiesta que, para los Puritanos, era el reflejo de una forma de hacer católica que entraba en contradicción con los preceptos dados en relación a las celebraciones.

El Puritanismo es una forma extrema de Protestantismo que se basa en las directrices dadas por el Nuevo Testamento. Consideran que la práctica válida de la fe es aquella seguida por los primeros cristianos de la Iglesia primitiva y que será a partir de la adopción del Cristianismo por el emperador romano Constantino cuando esta institución entre en corrupción. De esta forma, al asimilar la Navidad (en inglés "Christmas" o `Misa de Cristo’) tan sólo con el ritual de la misa (instituida por el catolicismo romano) , surgirá el rechazo y la prohibición.
Una prohibición que, durante la Reforma protestante, dará lugar a la supresión de la celebración de la Navidad en la Inglaterra de 1647 (hasta 1660)  y, algo más tarde, en la ciudad americana de Boston, donde será declarada ilegal entre 1659 y 1681. artelista.com

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Inicio de clases : Lunes 12 de Enero 2009

 

ENOLOGÍA 1 = Mar: 10:30 – Jue: 10:30

Capítulos: 01. Cepas - Agricultura. 02. Cepas – Variedades 03. La Vendimia. 04. La Bodega de Producción. 05. La Producción del Vino. 06. Los Insumos. 07. Los Procesos. 08. La Fermentación. 09. El Azúcar – El Alcohol – 10. La Acidez 11. Los Taninos. 12. Enfermedades y Defectos.

ENOLOGÍA 2 = Lun: 10:30 – Mie: 10:30

Capítulos: 13. Bebidas Alcohólicas. 14. Que es el Vino. 15. Historia – Mitología. 16. Historia – Cronología. 17. Composición del Vino. 18. Clasificación del Vino. 19. Terminología. 20. El Color del Vino. 21. El Aroma del Vino. 22. El Sabor del Vino. 23. La Textura del Vino. 24. El Carácter del Vino.

INDUSTRIA DE BEBIDAS = Vie: 12:00

Capítulos: 01. Clasificación de las Bebidas Alcohólicas. 02 Principales Procesos. 03. Chichas, Vinos y Cervezas. 04. Aguardientes. 05. Licores. 06. Cocteles. 07. Bebidas Famosas.

 

Instituto de los Andes Capacitación a Distancia – Cursos – Especializaciones – Carrera Profesional: Administración de Empresas – Hotelería – Marketing – Comercio Internacional – Finanzas - Ingeniería Hotelera – Gastronomía – Chef – Enología. Estudie por correspondencia (e-mail): en sus horas libres y  desde la comodidad de su hogar.

 

Informes: Instituto de los Andes: Calle El Sauce 235 – Rinconada – La Molina. www.institutodelosandes.com   http://enologia.blogia.com

Teléfonos: 368-0441  368-0448 También: CAPACITACION A DISTANCIA

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ENTRE DIOSES Y HOMBRES

Entre dioses y hombres. Esculturas clásicas del Albertinum de Dresde y del Museo del Prado.

 

El museo del Prado acogerá 46 piezas de la colección de esculturas clásicas del Albertinum de Dresde, una de las más notorias de Europa, que por vez primera franquearán los límites del territorio alemán a causa del cierre temporal del museo. A éstas obras se anexaran 20 esculturas clásicas del Prado, configurando un encuentro sin precedentes que se prolongará durante un periodo de seis meses. Una oportunidad para descubrir las peculiaridades del arte grecorromano a través de piezas que difícilmente podrán volverse a contemplar fuera de su emplazamiento original.

Conjunción irrepetible

El Zeus y el Efebo de Dresde, réplicas romanas de la Atenea Lemnia de Fidias y del Sátiro escanciando vino de Praxíteles, la Ménade de Dresde y las dos Diosas de Herculano, son algunas de las 46 obras cedidas, gracias a un excepcional acuerdo de colaboración, por la dirección del Albertinum al Museo del Prado. Éste agregará relieves sepulcrales áticos, tres terracotas policromadas de Tanagara, una recopilación de esculturas helenísticas de Alejandría y un muestrario de retratos romanos para conformar un compendio de 66 obras distribuidas en tres secciones básicas, cada una organizada entorno a un tema específico y un periodo. La exposición posee el incentivo de contar con piezas de la colección más prestigiosa de esculturas clásicas de Alemania que, debido al bombardeo de Dresde y al derivado traslado a la Unión Soviética, quedaron olvidadas y, hasta hora, sin haber sido exhibidas con el celo merecido.

Una colección histórica

En el siglo XVIII, el rey de Polonia y Sajonia, Federico Augusto II apodado el Fuerte, fue adquiriendo paulatinamente las piezas que más adelante conformarían la presente y exquisita colección del Albertinum. En 1726, Federico Guillermo I de Prusia le concedió a su amigo la colección de bustos antiguos de Giovanni Bellori; ulteriormente, la colección del príncipe Agostino Chigi y un surtido selecto de esculturas del cardenal Albani pasarían a engrosar el peculio artístico de Augusto II. En 1763, herencia del príncipe Eugenio, se agregaron las tres Diosas de Herculano y, finalmente, las adquisiciones de esculturas originales griegas y helenísticas por el Albertinum durante los siglos XIX y XX acabaron de conformar la colección parte de la cual podrá visitarse por vez primera en Madrid, en un recorrido ineludible por los entresijos del arte grecorromano. artelista.com

06/11/2008 07:25 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

NINTENDO GOURMET

Por Angela María González, Univision Online - La época navideña está a la vuelta de la esquina y si aún no has empezado a hacer tu lista de regalos, Nintendo te da algunas ideas.

Personal Trainer: Cooking: Este podría ser una buena idea de regalo para las reinas del hogar ya que además de divertirlas un poco, les será de gran ayuda a la hora de entrar a la cocina. El Personal Trainer: Cooking también es ideal para aquellos que no saben muy bien el arte culinario y quieren aprender a cocinar como los profesionales.

El juego es la perfecta combinación entre un libro de recetas y una demostración de cocina en vivo ya que te enseña a preparar, paso a paso, más de 240 recetas de todo el mundo. Además te enseña técnicas culinarias en video, te da la información nutricional de cada platillo y el tiempo que se usará en la preparación de este.

Pero eso no es todo, con solo abrir tu refrigerador y poner en el DS los ingredientes que tienes, el Personal Trainer: Cooking te dará las recetas que incluyen estos ingredientes y no tendrás que pasar horas pensando: '¿Qué voy a cocinar hoy?'.

A la hora de cocinar, puedes activar el sistema de voz y mientras cocinas, el chef te habla y te da los pasos a seguir. Si no entendiste algo, puedes pedirle a tu DS que te repita esta o aquella instrucción, o que te de más explicación del paso que necesitas.

Pero no solo te será de gran ayuda en la cocina, el Personal Trainer: Cooking será tu compañero ideal a la hora de hacer las compras en el mercado ya que a medida que vayas navegando por las recetas, puedes ir marcando los ingredientes que necesitas comprar y a la hora de llegar al súper, tu DS te dará tu propia lista de compras. (Sale a la venta el 24 de noviembre)

DIOSES Y DEMONIOS DEL PERÚ INDIGENA

Pueblo Libre, 14 de Octubre del 2008

Instituto Nacional de Cultura

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú

De nuestra especial consideración:

Tenemos el agrado de dirigirnos a ustedes para saludarlos cordialmente y a su vez comunicarles que el Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú viene realizando mensualmente un Ciclo de Conferencias denominado “JUEVES CULTURALES” que contiene variados temas relacionados con el patrimonio cultural arqueológicos, antropológico e histórico, entre otros, a partir de las 6:30 p.m. en el Auditorio y el ingreso es completamente gratuito, dirigido al público en general.

Para el día jueves 23 de Octubre se ha programado llevar a cabo la Conferencia:  “Dioses y Demonios del Perú Indígena” que ofrecerá el Ingeniero Jaime Ariansen Céspedes, Director del Instituto de los Andes.

Asimismo, hacemos propicia la ocasión para agradecerles su valiosa asistencia y colaboración con la difusión de nuestra cultura.

Los saludamos muy atentamente,

RECETA PARA FABRICAR UN MITO


1949: un joven enclenque de pelo rubio llega a Nueva York, con las únicas credenciales de un cierto talento artístico (como tantos otros). 1987: muere Andy Warhol, convertido ya en un mito de la Historia del Arte que se perpetuará en sus anales. ¿Qué es lo que sucedió en esos casi cuarenta años? Llegar a convertirse en el icono de un movimiento es un proceso, no siempre fácil, que cuenta con sus propias reglas, entre las que el talento y la sensibilidad no tienen por qué ocupar los primeros puestos (sin desmerecer a Warhol).

 

Ingredientes básicos del mito

►Quizá uno de los primeros pasos a considerar es el movimiento: pocos artistas han llegado a alcanzar un puesto dentro del arte sin la promoción de su trabajo. Promoción entendida de muy diversas formas según la época de la hablemos: aprendizaje con maestros, encargos posteriores y fundación de un taller, más mecenazgo, en época gremial; idéntico sistema inicial y aceptación del patronazgo individual, durante los siglos inmediatamente posteriores; asociacionismo en base a un concepto en la época de los salones y la crítica de arte; divulgación pública, mass media y marchantes en nuestra contemporaneidad. Lo cierto es que difícilmente puede conocerse una obra si no se da a conocer, a cuanta más gente, mejor. No siempre es preciso, sin embargo, que sea el propio autor el promotor: ¿qué hubiera pasado con un introvertido y poco apreciado Van Gogh si los expresionistas posteriores no hubieran reparado en su obra? Probablemente hoy día su nombre no se encontraría en libros de texto del mundo entero.

►En ocasiones, una figura aislada, que no disfrutó de repercusión a lo largo de su vida, ha servido de punto de partida o inspiración a colegas de pincel posteriores. Así, llegamos a uno de los puntos clave de la genialidad: la diferencia. Una nueva concepción formal del arte, o su insinuación, puede ser el detonante que dé pie a una corriente. El cubismo, por ejemplo, no fue una invención de Picasso, aunque sea este artista el que recoge en su nombre los laureles del movimiento. Sin Cezanne, sin los impresionistas ni el primitivismo, sin los primeros que comprendieron que el arte no tenía obligación de reproducir la realidad de una manera perceptivamente idéntica, el cubismo no existiría. Pero Picasso es un mito, y Cezanne famoso. ¿Los motivos? Picasso dio un paso más allá y consiguió, a partir de lo que ya compartía una generalidad, un estilo diferente a cualquier otra cosa vista: reestructuración del espacio y expresionismo.

►Claro está que el éxito de su obra se fundamentaba en algunos pilares más, junto con la propia existencia física de ésta: extravagancia, teoría y marchantes. Quizá las bases más conocidas del arte contemporáneo actual. Y es que el cubismo, por seguir con el ejemplo, es un arte de la idea. Al igual que sucede con casi todas las corrientes plásticas de los ss.XX y XXI. Manifiestos. Colectivos. Movimientos. Todos ellos se fundamentan en el omnipresente término “conceptual”. Un pintor del Renacimiento, un Tintoretto, un Duccio (si retrocedemos un poco) o un Bellini, poseían la capacidad material, las técnicas para llevar a cabo una obra de arte, proporcionada, bella (en el sentido más clásico de la palabra) y efectiva. Sin embargo, se les presuponía una ausencia de criterio más allá de lo relativo a proporciones y composiciones espaciales, que es a lo que quedaba reducido su talento (junto con el manejo del color y una iconografía más o menos amplia). Son los Brueguel y los Miguel Ángel los que han pasado a la posteridad: en una época al servicio de lo “que debía ser” el primero decidió plasmar su propia visión demonizada del mundo, mientras que el segundo apostó por una obra donde la forma estaba al servicio del sentimiento, de un expresionismo que minaba la perfección en la ejecución. Todo derivado de una idea: cómo debía ser el arte, a qué debía responder.

►Si a esto le sumamos además que, en ocasiones, las personalidades de los autores se alejan de la norma (con lo atractivo que esto puede resultar para los seguidores de la misma) es mucho más fácil comprender que el señalado con el dedo (aunque sea con envidia) sea el futurible mito. Y es que la provocación es un imán, aún a sabiendas de que ésta puede ser un mero producto. Como sucede con el recientemente comentado Demian Hirst, quien ha logrado, mediante humo, paralizar por unos instantes a aquéllos que mueven la rueda del mercado del arte.

►No hay que olvidar en este conjunto tampoco uno de los ingredientes más subjetivos, pero efectivos a la hora de obtener buenos resultados: el deseo, el olfato para la oportunidad, como queramos definirlo, que bien podría ejemplificarse en dos ejemplos muy sucintos y quizá no todo lo definitorios de la realidad que sería deseable. Encontramos por un lado, así, el pensamiento más fetichista, materializado en la idea de que “existe un autor que hoy ya está considerado un genio, un renovador: quiero obra suya. Quiero ser partícipe del momento, de su talento, de una pequeña parte de la historia”, frente al caso de los rentistas (grandes avivadores de la fama y el juicio artísticos) que podría concretarse en un pensamiento similar a “actualmente este artista ya ha ingresado en los circuitos de la historiografía (aunque sea de una manera incipiente), en la iconografía colectiva (gracias mass media); su obra se cotiza, su conocimiento sólo irá en aumento, el valor de la pieza no puede disminuir: yo quiero una obra”.

►Una receta que se completa con poco más que un poco de suerte; la ayuda de críticos, historiadores y demás fauna colateral del hecho artístico (por lo general ya predispuestos por lo dicho, en contra o a favor); quizá algo de fama personal (una circunstancia trágica puede venir bien; véase si no a Basquiat y el mito del “artista muerto joven”) y, sobre todo, volumen (en producción, en aparición o en teorización. O en las tres, a ser posible).

artelista.com

10/10/2008 07:23 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PAUL NEWMAN, UN GRAN ACTOR

NUEVA YORK (AFP) - El actor estadounidense Paul Newman falleció el viernes de cáncer a los 83 años, un año después de haberse despedido del cine, oficio en el que se consagró con más de 60 películas, entre ellas "Butch Cassidy and the Sundance Kid" (Dos hombres y un destino), "El golpe" o "El color del dinero".

 Tras conocerse la noticia, los homenajes a Newman comenzaron en distintos lugares del mundo y reunieron amigos, estrellas y celebridades.

 El actor estadounidense Robert Redford, amigo y coprotagonista de Newman en recordadas películas como "Butch Cassidy and the Sundance Kid" y "El golpe", encabezó los homenajes.

 "Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras", dijo Redford, de 72 años, según el programa Entertainment Tonight. "He perdido un verdadero amigo. Mi vida y este país son mejores porque él estuvo en ambas".

 George Clooney dijo que el actor "sentó un precedente demasiado alto para el resto", "no sólo para los actores, sino para todos".

 El director y ganador del Oscar Sam Mendes dirigió a Newman en el filme "Camino a la perdición" y dijo que hacerlo fue "lo más destacado" de su carrera.

Daniel Craig, quien interpretó al hijo de Newman en esa película, lo recordó como "uno de los más grandes actores de todos los tiempos". Dijo que con él se terminaba una era.

 Para Gina Lollobrigida Newman era un hombre para "respetar y apreciar", según la agencia ANSA.

Julia Roberts, quien trabajó con él en una obra de caridad para niños enfermos, agregó: "Fue mi héroe".

El ex presidente Bill Clinton y su esposa, la senadora Hillary Clinton, se refirieron a la generosidad de Newman: "Paul fue un ícono, un campeón para los niños", afirmaron en una declaración.

"La obra de Paul Newman fue la actuación. Su pasión fue para las carreras de automóviles. Su amor fue para su familia y amigos. Y su corazón y alma fueron dedicados a ayudar a hacer del mundo un mejor lugar para todos", dijo Robert Forrester, el vicepresidente de la fundación Newman’s Own al anunciar el deceso desde Westport, Connecticut. El actor sufría de cáncer, pero no se anunció el lugar de su fallecimiento.

Newman, quien el 10 de mayo hizo su última aparición pública en el evento de automovilismo de Indianápolis, se había despedido de la actuación el 25 de mayo de 2007 en una entrevista a la cadena estadounidense ABC, en la que con mucha franqueza admitió los bemoles de la edad.

El último trabajo del actor de ojos azul profundo que fue todo un sex-symbol del cine hollywoodense, fue prestando su voz a uno de los automóviles animados de "Cars" en 2006.

Newman, diez veces nominado a los premios de la Academia, ganador de dos Oscar honoríficos y uno en 1987 como Mejor Actor por su papel en "El color del dinero" de Martin Scorsese, nació en Cleveland (Ohio) el 26 de enero de 1925.

Debutó en los escenarios en 1949 y en 1952 ingresó al Actor’s Studio lo que le permitió ganarse su primer papel en la pieza "Picnic" de William Inge en las tablas de Broadway.

Vivió épocas de gloria y su nombre quedó impreso en la memoria colectiva con su protagónico en "Butch Cassidy" (Dos hombres y un destino, 1969), al lado de Robert Redford, y "The Sting" (El Golpe, 1973).

Fanático de las carreras automovilísticas y filántropo de larga data, Newman se casó dos veces y tuvo cinco hijos.

En 1993 recibió por tercera vez un Oscar pero como premio a sus labores humanitarias: las ganancias de su empresa de alimentos Newman’s Own son donadas a obras caritativas.

28/09/2008 03:48 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA DISPUTA SOBRE UN TESORO PERUANO

LO QUE NO SE MENCIONA EN EL ALEGATO, ES LA PROCEDENCIA DEL TESORO... EL PERÚ... Y LOS DERECHOS HISTORICOS QUE LE CORRESPONDEN.

Madrid, 23 sep (EFE).- El Gobierno de España ha presentado ante un tribunal de Tampa (EEUU) pruebas "abundantes y definitivas" de que el barco del que la empresa Odyssey extrajo un tesoro valorado en 500 millones de dólares es la fragata "Nuestra Señora de las Mercedes", hundida en 1804 y cuyos restos son "patrimonio histórico" español.

El Ministerio de Cultura informó hoy en un comunicado de que presentó este lunes las pruebas y principios jurídicos en los que fundamenta la protección del barco español y por los que reclama el retorno a la custodia española de los objetos extraídos por la empresa estadounidense.

Los documentos históricos presentados "acreditan que la Mercedes representó un trágico acontecimiento en la historia de España" -afirma Cultura- y que su hundimiento, el 5 de octubre de 1804, tras entrar en combate con un barco británico en el Atlántico, "dio comienzo a una década de guerra que determinaría el desarrollo de la historia de España y de Europa".

"Por tanto, los restos de la Mercedes son patrimonio histórico, además de constituir la tumba de más de 250 marinos y ciudadanos españoles que murieron cuando la Mercedes explotó y se hundió", añade el Ministerio español.

La "historia completa" de la fragata ha sido reconstruida por un equipo conjunto del Ministerio de Cultura, la Armada, el Museo Arqueológico Nacional, la Real Academia de la Historia y otras instituciones, "demostrando que éste, y no otro, es el pecio expoliado por Odyssey".

Cultura afirma que Odyssey llevó a cabo "en secreto" y "después de haber recibido instrucciones específicas de que estaba prohibida" la extracción del tesoro, compuesto por 500.000 monedas de oro y plata, y que la empresa estadounidense anunció en mayo de 2007.

La documentación presentada por España "demuestra, además, que la Mercedes estuvo en servicio militar activo con la misión de proteger al Estado español y a sus ciudadanos a lo largo de toda su historia, y también en el momento en que explotó y se hundió en combate".

Según el Ministerio, el material presentado "prueba que Odyssey era plenamente consciente de ello", lo que explica "el secreto con que actuó y sus afirmaciones de no conocer la identidad del pecio".

La documentación incluye un "amplio" material fotográfico y otras pruebas "que demuestran que el pecio sólo puede ser la Mercedes", añade Cultura, que precisa que el pecio fue "definitivamente" identificado mediante cañones, anclas, armas, efectos personales y monedas tomadas del barco.

Entre los principios legales invocados por España para reclamar el tesoro se encuentra el derecho de una nación a proteger sus sitios y su patrimonio histórico -incluidos los barcos hundidos- de cualquier tipo de perturbación y expolio por cazatesoros.

"En tanto que buque soberano de la nación española, la Mercedes está protegida por los mismos principios de inmunidad soberana que se aplican a los barcos de Estado de todas las naciones, que prohíben la perturbación no autorizada o explotación comercial de los mismos", argumenta Cultura.

El Ministerio destaca que estos principios "han sido reconocidos por todos los países y el tribunal estadounidense ha afirmado su aplicabilidad a pecios españoles".

El próximo paso de este proceso judicial será la remisión de la respuesta por parte de Odyssey, que tiene de plazo hasta el próximo 17 de noviembre.

La empresa estadounidense, con sede en Tampa, ha insistido en que "no hay nada que haga pensar" que el tesoro fuera extraído de "un cementerio militar marino o de un viejo navío", y considera que el barco realizaba una misión comercial en la que transportaba en su mayor parte mercancía privada. EFE

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23/09/2008 22:01 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CAHUACHI

ESPECIAL. HALLAZGOS EN CAHUACHI

El ruego final de una civilización

La misión arqueológica italiana Proyecto Nasca continuó su trabajo en Cahuachi, donde encontró lo que sería la última ofrenda de ese pueblo antes de abandonar ese territorio

Por José Rosales Vargas - El Comercio

"Esta gran ofrenda ceremonial simboliza el momento más dramático, intenso y violento de la vida de Cahuachi. En aquel tiempo se multiplicaban las ofrendas a las divinidades ante la inminente destrucción y el presagio de desastre. Las causas fueron dos grandes aluviones, ocasionados aparentemente por dos fenómenos de El Niño fuertes, y un terremoto que habría ocurrido entre los 350 y 400 de nuestra era, según las evidencias encontradas".

Con esas palabras el investigador Giuseppe Orefici trata de contextualizar el hallazgo de lo que él ha denominado la "gran ofrenda" y que está constituida por 30 mates burilados y pintados, 88 ceramios, 8 textiles, cestas, objetos de oro e incluso restos de humanos que habrían sido sacrificados.

Refirió que en ese período de la historia se vivía un momento de gran incertidumbre en la casta sacerdotal, cuyos integrantes creían que sus divinidades ya no los escuchaban. "Se intensificaron entonces las grandes ofrendas en un desesperado intento por evitar esta catástrofe", cuenta.

El investigador presume que fueron 20 años de intensas ofrendas a todas sus divinidades antes de sellar completamente todas las pirámides, abandonar el sitio y trasladarse al sector de Estaquería (20 kilómetros al norte y en una zona más elevada), donde se conservaron pequeños templos y estructuras desde las cuales realizarían, tal vez, sus últimas actividades ceremoniales.

Entre los 88 objetos de cerámica destaca una orca de 70 centímetros con piernas humanas, taparrabo y aletas de tiburón en la cabeza, que simboliza la máxima divinidad Nasca relacionada con el mar. Además, una cucharita y una copa de oro.

"En los 26 años de trabajo del proyecto, pusimos énfasis en la recuperación de la arquitectura de la gran pirámide y las plazas que la anteceden, por lo que este reciente hallazgo es un hecho inesperado, pero a la vez, el más importante del grupo de investigación científica", asegura.

Giuseppe Orefici descarta que esta ofrenda corresponda a una posible tumba de un gran sacerdote; y remarca que se trata de un momento culminante y dramático de los Nascas antes de abandonar el sitio.

A este descubrimiento se ha sumado en el último medio año de trabajo, la recuperación de dos nuevas plazuelas por las cuales la casta sacerdotal Nasca habría accedido a la gran pirámide. Allí se hallaron también los restos de un niño y un hombre sacrificados y ofrendados, además de un conjunto de pasadizos y escaleras. También hay dibujos de cabezas trofeos y simbología solar a modo de graffitis sobre las paredes.

MAPA SATELITAL - En esta temporada de estudio, Orefici y su equipo de investigación logró, con el apoyo del Consejo Nacional de Investigación Italiana y dos ingenieros geofísicos encabezados por Nicola Masini, captar una secuencia de fotos satelitales que muestran nuevas y monumentales estructuras de barro, probablemente de mayores dimensiones que la gran pirámide, sepultadas por una profusa vegetación y tierras de cultivo.

"Este conjunto de estructuras se encuentra a un kilómetro al noreste de la gran pirámide y se trataría de cinco grandes edificaciones que comenzarán a ser investigadas y probablemente excavadas por sectores, en la temporada de noviembre-diciembre. Por las imágenes satelitales se presume que estas se encuentran a dos o tres metros de profundidad", anticipó.

LAS CIFRAS
60 -
Personas entre obreros (25), estudiantes de arqueología (20) y especialistas (15) trabajaron en la última temporada de excavación en Cahuachi, centro ceremonial y habitacional de los Nasca.

80 - Metros habría alcanzado el aluvión que sepultó el gran complejo ceremonial. Esto se deduce de las marcas que el deslizamiento dejó en los muros del templo.

AL GRANO - Solo se ha excavado el 1%*

¿Cuál es la importancia de este nuevo descubrimiento?
Es un notable e inesperado hallazgo. Probablemente el más importante en los 26 años de trabajo que ha realizado en Cahuachi el equipo que encabeza Giuseppe Orefici. Se han encontrado textiles de belleza inigualable que deben ser restaurados. También hay que recuperar los mates burilados pintados, que son el único hallazgo de este tipo de los nascas. A todo este trabajo se suma la consolidación de las 88 piezas cerámicas.

¿Qué simbolizan los ceramios?
Son piezas cerámicas y mates burilados ceremoniales, con representaciones antropomorfas de felinos, aves y orcas que simbolizan a sus divinidades. Entre los mates destaca un trabajo en alto relieve en el que se emplean colores resinosos, los cuales eran obtenidos de piedras. Si bien los diseños son típicamente nascas, presentan algunos elementos de la cultura Chavín.

¿Y el hallazgo de los objetos de metal?
Es el primero de su género hecho en Cahuachi. La copa y la cuchara habrían servido para que los sacerdotes beban o inhalen alguna sustancia.
* Josué Lancho Rojas. Historiador de Nasca

21/09/2008 06:45 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

MARIO BROS

¿Sabías que el padre de Mario Bros ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras en Francia?

 Shigeru Miyamoto, creador de sagas tan famosas como Mario Bros o Zelda, acaba de ser condecorado con la prestigiosa medalla que el Ministerio de Cultura Francés concede a aquellos miembros de la comunidad internacional cuya labor en el ámbito de la promoción del arte y la literatura haya sido destacable. Este hecho pone en su lugar a los remedos de vanguardia que son las videocreaciones artísticas y reconoce por fin lo que en un futuro nadie dudará que es arte: los videojuegos.

El rey Midas de los juegos de consola - Desde su fichaje en 1977, Miyamoto ha conseguido para la casa Nintendo algunos de sus más sonados éxitos; videojuegos que no sólo han revolucionado la industria y el concepto de juego sino que, aún hoy, se mantienen en la lista de los más vendidos. Curiosamente, su formación no responde a la de un programador: graduado en la Academia de Artes Industriales y Manuales Kanazawa Munici, sus intereses ya desde pequeño estuvieron encaminados hacia la ilustración, el grafismo y el dibujo. Un artista que acabó reflotando un monstruo de la industria juguetera en época de crisis y que ha visto recompensado su talento con uno de los máximos galardones existentes en el mundo de la cultura.


La Orden de las Artes y las Letras - Condecoración de carácter honorífico concedida por el Ministerio de Cultura francés en tres grados -Caballero, Oficial y Comandante-, la Orden de las Artes y las Letras es una distinción que posee la finalidad de reconocer y recompensar la labor realizada en pro del desarrollo y difusión de la cultura artística y literaria en el mundo a aquellas personas que destaquen por sus aportaciones creativas. Un nombramiento que, en esta ocasión, ha ido a parar a tres "padres" de videojuegos; un hecho que asimila este género a la categoría de cultura, equiparándolo con cualquier otro merecedor de la denominación "arte".

Alternativas innecesarias - La circunstancia de que una institución de carácter oficial e influencia internacional haya elevado con su juicio al podio artístico-cultural el trabajo destinado a un producto hasta ahora de carácter lúdico, popular y masivo, que causa además controversias entre algunos sectores de la población, implica una reflexión acerca del sentido de determinadas creaciones que pululan hoy día sin demasiado rumbo por los circuitos artísticos: las videocreaciones. Si el arte ya existe en nuestra vida cotidiana, si lo tenemos delante de los ojos, aún sin darnos cuenta, y si por fin alguien ha decidido dejar de lado el snobismo conceptual y presentar las cosas tal y como son, ¿cuál es el sentido de un género como el de la videocreación? En realidad esta categoría es una redundancia, justificada muchas veces, en negativo, por una corriente de utilitarismo tras la que se ampara un arte cuyo mayor logro es no ser comprendido por la mayoría y que, además, y a pesar de los esfuerzos de festivales, instituciones y museos de arte contemporáneo, no posee un gran predicamento. El futuro decidirá; y seguramente lo que decida es que muchos de los anuncios televisivos y videojuegos de nuestra actualidad eran un arte que no supimos ver en su momento, ciegos como estábamos por una modernidad mal entendida. artelista.com

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18/09/2008 09:37 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL FANTASTICO LHC

Hoy.com.eu - Newsweek - El telescopio que construyera Galileo a fines del siglo XVI tenía la potencia de cualquier par de binoculares y, no obstante, bastó para abrir un nuevo mundo.

Con aquel sencillo instrumento, Galileo pudo ver que Júpiter tiene cuatro lunas y que hay manchas en el Sol, lo cual le llevó a la conclusión de que nuestra estrella giraba y de que el Sol, y no la Tierra, ocupa el centro del sistema. Conforme la humanidad comenzó a construir mejores telescopios, nos fuimos percatando de un extenso universo repleto de objetos extraños (pulsares, quasares, agujeros negros). Despues, con el advenimiento del microscopio descubrimos el vasto mundo de microbios tan pequeños que miles de ellos cabrían en el punto final de esta oración. A la larga, ese mundo abarcó también la genética, la microbiología, la virología y mundos inimaginables que son centenares de veces más pequeños: ¡los átomos!

Para explicar el comportamiento de los átomos, los científicos tuvieron que inventar la teoría cuántica, la cual dio origen a los semiconductores y un sinnúmero de tecnologías que impulsaron el grueso de la actividad económica del siglo XX. Así de poderosa es una herramienta. Hoy día, el mundo científico es testigo del nacimiento de un nuevo instrumento, el Gran Colisionador de Hadrones (LHC, por sus siglas en inglés). Se espera que permita amplificar las propiedades de los objetos por el factor más grande en la historia de la física.

El LHC es un acelerador de partículas: un monstruoso túnel subterráneo con un radio de 4,3 km instalado en la Organización Europea para Investigación Nuclear, situada cerca de Ginebra. En el interior del túnel hay imanes superconductores que impulsan protones alrededor de un anillo donde un enorme voltaje los acelera hasta adquirir una sorprendente cantidad de energía.

Próximamente, los técnicos harán chocar protones de alta energía haciendo que se fracturen en miles de partículas más pequeñas cuyas vidas, breves y violentas, quedarán registradas en detectores cercanos.

¿Qué verán con el LHC?

El alcance y la sensibilidad del aparato bien podría desvelar un nuevo universo en el siglo XXI. ¿Qué tipo de universo? Cinco siglos de retrospección permiten enumerar las implicaciones del telescopio de Galileo, mas no tenemos esa posibilidad con el LHC, que ha tenido un costo de 000 millones.

La complejidad ha sido la peor pesadilla de los físicos modernos. Cuanto más cerca miramos, más inmanejable se vuelve el mundo físico. Durante buena parte del último siglo, los físicos han tratado de encontrar una teoría sencilla y hermosa y descubierto, a cambio, que el universo es una proliferación de partículas y una maraña de fuerzas que no parecen encajar de manera coherente. Lo que necesitamos es una teoría para todo. Nadie pretende que el LHC pueda ofrecer, mágicamente, una teoría universal, pero al menos se espera que ayude a poner un poco de orden.

El LHC nos permitirá retroceder a los inicios y vislumbrar el universo en el momento mismo de su concepción.

La única teoría viable (hasta ahora) es que el universo nació hace 13,7 mil millones de años debido a una explosión cósmica conocida como el Big Bang, la cual creó el tiempo y el espacio. En aquel primer instante, todo lo que conocemos hoy -toda la materia y la energía- quedó comprimido en un volumen inconcebiblemente pequeño. Sin embargo, al tiempo que el naciente universo comenzó a expandirse y enfriarse formando estrellas y galaxias, el reino de lo pequeño y lo grande se escindió, y así se comenzó a complicar.

Para desentrañar los principios subyacentes al universo, hay que retroceder al momento del Big Bang. Por desgracia, eso es tan fácil como entrevistar a Isaac Newton. Así que la mejor alternativa es el LHC, que nos permitirá reproducir algunas de las condiciones de los primeros instantes del universo.

No todas al mismo tiempo, pero sí las suficientes para entender mejor los procesos por los cuales chocaron y se fusionaron las primeras partículas formando los núcleos y átomos que conforman nuestro Sol y sus planetas. Con la recreación de las condiciones del universo momentos después del Big Bang, el LHC nos ayudará a desarrollar una descripción coherente del universo. (GJR)

Las incógnitas

¿Por qué hay tantas partículas? Hasta ahora hay prueba de que los átomos no son las partículas más pequeñas del universo, sino son los quarks y leptones. Pero también hay neutrinos, muones y partículas W, Z y muchas más. Bajo esta complejidad los científicos esperan encontrar oculta un hermosa simplicidad. El LHC podría permitir encontrar un patrón simple.

¿Qué mantiene unido al universo? La gravedad es la fuerza que nos permite caminar en el suelo, pero es solo una de las cuatro leyes que operan en el universo. Lo que enloquece a los científicos es que las cuatro fuerzas no se mezclan. Varias se pueden unir pero una siempre hecha al traste la unión: la gravedad. Según la teoría cuántica, la fuerza entre dos objetos (de atracción o repulsión) requiere del intercambio de una partícula "portadora de fuerzas". Imagine a dos patinadores en hielo jugando a la pelota. Cuando uno lanza el esférico, se aparta del otro y viceversa. Lo mismo ocurre con la atracción: ahora, los dos patinadores están parados de espaldas. Uno lanza con fuerza una pelota suave y elástica hacia lo alto de su pared. El esférico rebota y cae en su mano. ¡Sorpresa! ¡Ahora se acercan! La pelota (partícula portadora de fuerza) se denomina bosón y hay un bosón para cada tipo de fuerza. El LHC podría permitir entender mejor la teoría de la gravedad de Einstein, aunque habrá de hacerse de manera indirecta. Es decir, tendremos que observar muchos otros fenómenos relacionados.

¿Cuál es la "Partícula de Dios" o divina? Hay que observar un bosón específico, el llamado Higgs. Este representa la masa de otras partículas. Hay que visualizar al Higgs como una extensión de fango. Cuando camina en el barro, se mueve más despacio, como si su peso hubiera aumentado. Del mismo modo, la presencia de un bosón Higgs haría que la partícula fuera más pesada. Por motivos demasiado complejos para explicarlos aquí, el Higgs se encuentra dentro del campo de LHC, así que es factible que se descubra muy pronto. Y su hallazgo servirá para desvelar muchos misterios. Es por eso que algunas personas han dado en llamarlo la "Partícula de Dios".

¿Cuál es la utilidad de un colisionador para resolver estos misterios? El LHC fue construido para provocar colisiones entre partículas y brindar a los físicos una imagen de los despojos resultantes. Las partículas están relacionadas con campos de fuerza; esto significa que si usted encuentra una partícula (como el bosón Higgs) habrá encontrado también el campo de fuerza relacionado (el campo Higgs). Si el nivel de energía del colisionador es suficientemente alto (como el del LHC, por ahora), las colisiones producirán partículas mucho más masivas y esto incrementa la probabilidad de que, entre los millones de colisiones, el LHC produzca un bosón Higgs. Si el fenómeno se repite 10 ó 20 veces, ¡el mundo entero se regocijará!

¿Cómo contribuirá el LHC para identificar la energía oscura? La energía oscura tiene una propiedad muy superior a la de simplemente pasmar a los astrofísicos. La energía oscura se suma a la cantidad de energía total del universo, la cual compensa la curvatura provocada por la materia (Einstein nos dijo que la materia hace que el espacio se curve, pero si se logra el equilibrio entre energía y materia se pierde la curvatura y el universo se vuelve plano). Empero, como otros tipos de energía, la energía oscura quizá tenga una partícula asociada: una "partícula de energía oscura" y, como el LHC fue diseñado para buscar partículas, es concebible que encuentre una partícula de energía oscura (si la hay).

¿De qué está compuesta la materia oscura? Han postulado muchos candidatos. ¿Podrían ser pequeñas estrellas muertas que no emiten luz? ¿Agujeros negros? Hasta ahora se desconoce el origen de la materia oscura. No obstante, de no ser por la materia oscura, no se habrían formado las galaxias y no existiríamos.

Físicos y matemáticos analizan el LHC

Es la respuesta de nuestra civilización a las pirámides de Egipto

Como proyecto, es magnífico, me gustaría decir que es la respuesta de nuestra civilización a las pirámides de Egipto, pero mucho mejor porque es conducida por la curiosidad más que por la superstición, y construida en colaboración, no por una orden. Nosotros no sabemos en qué consiste el océano. El LHC (el Gran Colisionador de Hadrones, en Ginebra) descubrirá qué es eso. Ese es un logro mínimo. Pero yo espero mucho más que eso. Tenemos la descripción del mundo que es potencialmente magnífica y hermosa, en parte, pero que le faltan piezas. Si no existe una nueva partícula, tendremos que olvidar mucho de lo que sabemos.
Frank Wilczek, Premio Nobel 2004

Habrá menos espacio para la religión y un diseñador inteligente

Conforme lo explica la ciencia cada vez más y más, existe cada vez menos y menos necesidad para las explicaciones religiosas. Si nosotros conjuntamos algo como una teoría final en la cual se expliquen todas las fuerzas y las partículas, y esa teoría también ilumina el origen del Big Bang y nos da una imagen consistente de cosmología, habrá un poco menos que explique la religión. Pero la religión evolucionó junto con la ciencia y el ser humano. Es algo creado por nosotros y, conforme los seres humanos aprenden más, su religión cambia. Cuanto más descubrimos del universo, menos son las señales que vemos de un diseñador inteligente. Sería interesante ver si ocurre.
Steven Weinberg, Premio Nobel 1979

Podría haber una posible evidencia de una cuarta dimensión

El LHC puede proporcionar evidencia de más de tres dimensiones de espacio. Una de las maneras en que hemos formulado la teoría de cuerdas en los últimos cinco o 10 años sugiere que lo siguiente podría ocurrir en el LHC. Al incrustar un protón contra otro protón que viaja en dirección opuesta a la velocidad de la luz. Y hay literalmente billones de protones moviéndose alrededor del LHC. Lo que podría ocurrir es que habrá ciertos desechos creados en la colisión que se lanzan fuera de nuestras tres dimensiones de espacio hacia un espacio dimensional más alto, dimensiones a las cuales no tenemos acceso directo. Una supersimetría.
Brian Greene, teórico de cuerdas

El mundo no se acabará cuando se encienda el LHC

El Gran Colisionador de Hadrones nos permitirá estudiar las colisiones de partículas a energías tres veces mayores que los anteriores aceleradores. Ha habido una historia de que podría crear un microhoyo negro que se tragaría a la Tierra, esto es poco probable, y si se crea un microhoyo se evaporaría de nuevo, produciendo un patrón característico de partículas. Mayores energías ocurren millones de veces al día en la atmósfera de la Tierra y nada terrible sucede. El mundo no se acabará cuando se encienda el LHC. El acelerador de partículas es débil en comparación con lo que pasa en el universo. Si fuera a ocurrir un desastre, ya habría sucedido.
Stephen Hawking, matemático

1609 - Galileo mejora los primeros telescópios y ayuda a invalidar la idea de que la Tierra era el centro del Universo.

1687 - Sir Isaac Newton publica su teoría de la gravedad y las leyes del movimiento

1921 - Albert Einstein recibe el Premio Nobel por su teoría de la relatividad

1927 - Georges Lemaitre propone un modelo del nacimiento universal que luego se le llamó teoría del Big Bang

1929 - Ernest Lawrence construye el primer acelerador de partículas de solo 10 cm de diámetro

1929 - Edwin Hubble observa que las galaxias más allá de la Vía Láctea se están separando una de la otra a una velocidad increíble

1931 - Karl Guthe descubre, al construir un telescópio de radio, que hay ondas radioeléctricas cósmicas que emanan desde más allá de nuestro sistema

1945 - Las primeras armas nucleares, creadas por físicos para los EEUU, son detonadas sobre Hiroshima y Nagasaki (Japón)

1981 - Alan Guth propone que la expansión del universo, después de la gran explosión, se debió a una fuerza gravitacional repelente

1988 - Habiendo descubierto la radiación entre los hoyos negros, Stephen Hawkin publica A Brief History of Time (Breve historia del tiempo)

15/09/2008 22:01 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

NUESTRA SEÑORA DE LAS MERCEDES

TESOROS DEL PERÚ

AFP- Perú reivindica propiedad sobre tesoro de buque español hundido en 1804
(ARCHIVO) Monedas del Museo Nacional de Arqueología de Madrid, que el gobierno español dice son del mismo tipo que las rescatadas en 2007 en el Atlántico Norte por la empresa Odyssey Marine Exploration.

Perú reivindicó el derecho de propiedad sobre un cargamento de monedas de oro y plata encontrado por una empresa estadounidense en una fragata española que naufragó en 1804 cerca del estrecho de Gibraltar, anunció el canciller José García Belaunde.

"Tenemos una estrategia legal basada en principios del derecho internacional reconocidos, que tienen que ver con la prioridad de la sucesión de Estados", dijo el martes el jefe de la diplomacia peruana sobre el juicio que tiene lugar en Estados Unidos.

Perú reclama el tesoro porque, además, las monedas fueron acuñadas en suelo peruano, acotó el canciller citado por la agencia estatal Andina.

"Eso nos da un título en virtud de que, si bien había una autoridad diferente que ejercía el gobierno en aquel año, lo cierto es que eso fue y sigue siendo territorio peruano, y por el principio de sucesión de Estados nos corresponde", aseveró García Belaunde.

Lima había dado un primer paso el 19 de agosto cuando el gobierno presentó ante el Tribunal Distrital Federal de Tampa, en Florida (sudeste de Estados Unidos), un escrito en que solicita ser comprendido en el juicio que enfrenta a la empresa Odyssey Marine Exploration y España.

En la época en que las monedas fueron acuñadas Perú era colonia de España.

La fragata española que llevaba las monedas era Nuestra Señora de las Mercedes, que fue hundida en un combate con la flota inglesa cerca de las costas de Gibraltar en 1804.

La firma Odyssey anunció el 18 de mayo de 2007 el descubrimiento de la nave en "aguas internacionales del Atlántico" conteniendo el mayor tesoro submarino jamás encontrado, compuesto por 500.000 monedas de oro y plata y centenares de objetos de oro.

El hallazgo fue bautizado entonces por la empresa con el nombre en clave de Cisne Negro.

Pero Odyssey se convirtió rápidamente en sospechosa a los ojos de España al repatriar rápida y discretamente a Estados Unidos el botín de 17 toneladas desde la colonia británica de Gibraltar, en el sur de España, guardando celosamente el emplazamiento exacto del navío hundido.

Ante ello Madrid inició la acción judicial en Tampa por sospechar que el navío fue encontrado en sus aguas territoriales.

En junio pasado el gobierno español anunció que estaría dispuesto a llegar a un acuerdo con Perú para compartir "patrimonialmente" el tesoro.

www.historiadelagastronomia.com

NUEVAS OPINIONES SOBRE LA TORTILLA DE PAPA

¿Dónde nació la tortilla de patatas?

El primer documento de la elaboración de este españolísimo manjar data de finales del siglo XVIII en la localidad extremeña de Villanueva de la Serena, asegura el científico del CSIC López Linage – Fuente: laverdad.murcia.es

Por: L. EXPÓSITO – laverdad.es

PLATO DE LUJO - Como en todos los platos universales, hay tantas maneras de hacer la tortilla de patatas como cocineros que la preparan. Aquí van algunas de las variantes más extendidas.

Con cebolla - Se hace igual que la convencional, pero se añade la cebolla cortadita en trozos finos un poco después de las patatas.

Con Guisantes - Otra opción, los expertos recomiendan que estén muy tiernos y que se añadan al final de todo.

A la española - La receta es de la famosa cocinera Simone Ortega. El truco está en servirla fría y acompañada de mayonesa.

Con chorizo  - Un variedad muy extendida, sobre todo en el norte del país. Se trocean rodajitas de chorizo y se añaden hacia la mitad.

Patatas de Gañán - Tiene muchos nombres, pero el concepto es el mismo: utilizar los ingredientes de la tortilla sin hacerla. Una receta es con ajos, sal, pimentón y vinagre, aunque hay otras muchas posibilidades. Se revuelve todo y se sirve.

Rellenas - Una vez acabada, se abre la tortilla transversalmente y se rellena con lo que se quiera.

Deconstruida - Fue un plato estrella del cocinero Ferrán Adrià. El genio catalán logró disponer todos los ingredientes en capas trasversales, consiguiendo emular su inigualable sabor.

Para vegetarianos - Muchos vegetarianos tampoco comen huevos, y aunque parezca imposible, también se puede hacer una tortilla sin huevos. Éstos se sustituye por una mezcla de harina y leche. Si el interesado tampoco puede comer productos lácteos, se utiliza agua corriente.

Sí, ha leído usted bien. La única, la irrepetible, la españolísima tortilla de patatas tiene su origen en Extremadura. Así lo asegura el experto Javier López Linage. No es una opinión cualquiera, se trata nada menos que un científico titular del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC. Bajo estas siglas se esconde el Consejo Superior de Investigaciones Científicas, que depende directamente del Gobierno de España. Además, López Linage es doctor en Filosofía y ha editado numerosos libros de investigación, alguno de ellos sobre la papa.

Su próximo trabajo formará parte de una publicación del Ministerio de Medio Rural, Medio Ambiente y Medio Marino sobre la historia española de la patata, una reedición de algo que escribió hace dos décadas.

En él cuenta algo que adelanta hoy: según las fuentes documentales que ha encontrado, el origen conceptual de la famosa tortilla de patatas está en Villanueva de la Serena, hacía finales del siglo XVIII.

«Resulta curioso, cuando edité el libro por primera vez ya había visto ese documento, pero hasta que no he revisado mis papeles no he sido capaz de comprender el alcance real de lo que allí se decía», afirma.

Alimento barato - Como actores principales, coloca a dos hacendados, Joseph de Tena Godoy y Malfeyto y el marqués de Robledo. Como muchos ilustrados, buscaban un alimento nutritivo y barato que aliviara las numerosas hambrunas que asolaban Europa a finales del XVIII. Inventaron entonces una especie de tortitas. La mayor novedad estaba en que se pasaba por la sartén en vez de hornearse. Aunque López Linage habla de «origen conceptual», lo cierto es que se trata prácticamente de lo mismo. Hasta lleva huevos.

Esta teoría retrasa al menos dos décadas el nacimiento del manjar. Hasta ahora éste se situaba en Navarra. La tradición, o más bien la leyenda, establece que la creó el general Tomás de Zumalacárregui durante el sitio de Bilbao en la Primera Guerra Carlista. Buscaba un alimento nutritivo y barato para sus tropas. Más bien, el mérito sería para la avispada campesina a la que el militar realizó el encargo.

Se trata de un mito con muy poco fundamento. Este sitio tuvo lugar en torno a 1835, y la primera referencia escrita sobre la tortilla, hasta el descubrimiento de López Linage, era de 1817. La que habla de Villanueva data de 1798, pero ¿de dónde sale? Por el momento, López Linage prefiera mantenerla en el anonimato.

Lo que sí adelanta es que no existe la posibilidad de que alguien pueda poner en duda su autenticidad o antigüedad, puesto que fue publicado entonces, y no ha estado escondido en un cajón.

Retrocedamos un poco en el tiempo. Conocido es por todo el mundo que la patata no fue conocida en Europa hasta que los primeros conquistadores españoles la trajeron de América. Pero a diferencia de otros productos como el tabaco o el cacao, no fue ni mucho menos un éxito. Cuentan las crónicas que llegó más como un artículo exótico que como un alimento nutritivo. López Linage comenta que fueron muchas las visicitudes que atravesó este producto antes de hacerse un hueco en la mesa de los españoles. Fue un camino muy largo el que tuvo que recorrer.

Por ejemplo, había un problema de tipo botánico y de adaptación de las semillas al clima y a las condiciones de las tierras españolas. Asimismo, también tuvo al principio cierta mala fama, puesto que pertenece a la familia de las solanáceas. Finalmente, también había dificultades para su cultivo con los propietarios de la tierra.

Este experto cuenta que a comienzos del XVII ya se vendían papas en la Plaza Mayor de Madrid, pero «desde el punto vista culinario no se sabía muy bien qué hacer con ellas».

Otras fuentes también constatan los duros comienzos de este producto en España. Una curiosa historia cuenta que los primeros años después de su llegada sólo se cultivaba en el huerto de un hospital de Sevilla, para dar de comer a los allí convalecientes. Poco a poco se fue extendiendo por el país, pero con más reparos que otra cosa. El cultivo no se popularizó realmente hasta finales del XVIII. Incluso, no faltó quien la llegó a considerar una planta venenosa.

Útil contra el hambre - Era considerada una solución alimenticia poco valorada culinariamente, pero útil para paliar las terribles hambrunas de la época. Sin embargo, el siglo XIX es el que contempló los ensayos más serios de hacer atractiva la patata para paliar las frecuentes hambrunas de la época.

De hecho, este científico puede afirmar sin ningún tipo de duda que «la patata ha salvado del hambre a mucha gente, y además ha propiciado el nacimiento de grandes platos». Hace especial hincapié en la patata cocida, «que pierde mucho en relación con otros medios de preparación, como la asada, pero que tiene la virtud de llenar mucho».

La casualidad ha querido que la tortilla de patatas naciera precisamente en la región que más contribuyó a su llegada a España. Es de sobra conocido como la gran mayoría de los primeros grandes conquistadores procedían de Extremadura.

Cocinada de mil formas - Sin embargo, no existe por ello ninguna vinculación especial. «Cuando nace la tortilla de patata, no había un cultivo generalizado en la región ni mucho menos en ese momento», asegura López Linage. Así pues, la historia de la papa es en España más corta de lo que la gente piensa. Y mucho más reciente todavía es la popularidad con la que ahora cuentan. «Durante muchos años se tomó fundamentalmente cocida, acompañando a otros alimentos. Las patatas fritas, entendidas como snacks y que tan populares son ahora, aparecieron hace muy poco. Las primeras referencias que yo tengo en España son de las cervecerías de Madrid, que a finales de los años 20 ofertaban virutas fritas de patata, algo parecido a las actuales patatas de esas onduladas», afirma este investigador, quien añade sin dudarlo que «la tortilla de patatas cohesiona más España que muchos artículos de la Constitución».

EL SECRETO DE LA COCA COLA

El secreto de la Coca Cola ya no será el mejor guardado

Dos británicas que fomentan la filosofía anticorporativista dicen haber descubierto la fórmula. La pusieron en práctica para hacer otra bebida que bautizaron “Cubecola”. Cítricos, canela, nuez, vodka, azúcar y cafeína - (?) coca, entre los ingredientes.

Dos chicas en Inglaterra descubrieron la receta de la Coca-Cola y la publican en Internet. No conformes con eso armaron kits con los instrumentos necesarios para hacerla en casa. Y así fue como el secreto mejor guardado, de esos que se esconden bajo miles de llaves, salió a la luz.

La pócima que tiene millones de adeptos en todo el mundo está hecha a base de jugos de naranja, de limón, de lima, canela, nuez, cilantro, vodka, azúcar y cafeína.

Ellas no sólo descubrieron el secreto de la bebida más famosa del mundo también usaron la fórmula a la que llaman Cubecola y la venden en el bar que ellas gerencian en un cineclub de Bristol, según publica el diario Crítica.

Hace aproximadamente un año, Kate Rich y Kayle Brandon, dos militantes del movimiento "Hágalo usted mismo" y que fomenta una filosofía anticorporativista, decidieron que en su propio negocio, el bar del cineclub Cubecinema, no iban a comercializarse botellitas de Coca Cola. Pero los clientes sentían una gran frustración cuando percibían la ausencia de cocas en las heladeras. La demanda, o la tiranía del paladar, exigía la oferta del burbujeante refresco.

Entonces decidieron conseguir la receta pero no quieren revelar dónde encontraron las siete llaves de un secreto tan blindado. Hicieron el milagro y producen su propia coca artesanal.
El diario The Guardian publicó hace unos días la historia de Kayle y Kate con un subtítulo contundente: "Podría cambiar el mundo". Las emprendedoras vieron el negocio: hicieron pública la fórmula y venden los instrumentos para hacerla. Palabras textuales de Kayle: "No tiene exactamente el mismo gusto, ¡pero es más rica que la verdadera".

“Ahora la fórmula se publica en Internet (http://sparror.cubecinema.com/cube/cola/new_recipe.html) pero cuando nosotras la buscamos, no estaba en ningún lado, hasta que la encontramos".

07/09/2008 17:57 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

OLIMPIADAS - HOTELERIA EN PEKÍN

Estadio Olimpico

Por Simon Rabinovitch - PEKIN (Reuters) - Los hoteles de Pekín están ofreciendo rebajas de hasta la mitad en los precios de los cuartos ya que las reservas para el período de los Juegos han estado bastante por debajo de lo esperado.

Los hoteleros habían esperado una época de abundancia por la justa olímpica que se inaugura el viernes, pero quedaron decepcionados por la poca cantidad de visitantes, ya que mucha gente no viajó debido a las restricciones en las visas y a la mala publicidad sobre China.

Al ser consultados el lunes acerca de si podrían aceptar una reserva de 10 cuartos para el fin de semana próximo, que incluirá la ampliamente promocionada ceremonia de apertura, una serie de hoteles de tres y de cuatro estrellas dijeron que tenían mucha disponibilidad y que estaban dispuestos a realizar grandes descuentos.

El hotel Bamboo Garden comenzó ofreciendo habitaciones con vista a su patio y a sus arboledas de bambú por 3.000 yuanes (438,5 dólares) por noche, pero rápidamente accedió a rebajar la tarifa a la mitad.

El hotel Oriental Peace afirmó en una conversación telefónica que cortaría el 30 por ciento de su precio de 1.480 yuanes por noche y que podría considera un mejor trato en persona.

"Todos nuestros cuartos fueron renovados este año, justo antes del Festival de Primavera. Quien venga a verlos, puedo asegurar que quedará satisfecho," dijo el administrador del hotel.

Se suma a los problemas hoteleros el hecho de que una expansión de la construcción ha dejado a la capital con un exceso de habitaciones. Hay al menos 20 hoteles más compitiendo en el negocio comparado con los que había para esta misma época el año pasado, estimó la oficina de turismo de Pekín.

Los visitantes han sido desalentados por las preocupaciones sobre la polución en Pekín, las amenazas de ataques terroristas y la clara dificultad para obtener visas. 

05/08/2008 13:45 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

AMARULA

Amarula, el licor premiado


Amarula, el licor de crema sudafricano preparado con la fruta destilada del árbol de Marula, fue premiado por tercer año consecutivo en el célebre concurso International Wine and Spirit Competition (IWSC) 2008.

Luego de ganar la medalla de oro por Mejor Licor del mundo en 2006 y 2007, este año fue nuevamente ganador de la medalla de oro, premiado como “Mejor en su clase”.

International Wine and Spirit Competition (IWSC) es la más longeva y establecida competencia internacional de vino, licores y espirituosas de este tipo en el mundo. Fundada en 1969 y establecida en el Reino Unido, promociona la calidad y la excelencia de los mejores vinos, bebidas espirituosas y licores a escala mundial.

El árbol de Marula crece en África sub-ecuatorial y es uno de los árboles más valorados por los indígenas del continente africano. Sólo el árbol hembra contiene la suculenta y exótica fruta, de color amarillo claro, que llena el aire de una intensa fragancia tropical y que atrae al gigante de la sabana africana: el elefante, cuyo deseo por esta fruta es ilimitado.

El licor de crema Amarula es la marca líder de Distell Group, y es vendida en más de 90 países en todo el mundo.

03/08/2008 05:22 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

MACCHU PICCHU 90 AÑOS DESPUÉS

Yale demoró 90 años en publicar estudio sobre piezas de Machu Picchu debido a que no les daba importancia
 

Lima, (ANDINA).- El historiador Teodoro Hampe Martínez refirió que la universidad de Yale se demoró más de 90 años en publicar el primer estudio científico sobre las piezas de Machu Picchu desde la época de Hiram Bingham, debido a que los académicos estadounidenses no daban importancia al patrimonio arqueológico en su poder.
 
El intelectual, quien participó en el Encuentro Científico Internacional 2008 de Invierno con la ponencia “Hiram Bingham, Yale y Machu Picchu: Una controversia sobre patrimonio cultural”, comentó que recién en 2003 salió de imprenta un trabajo relativo a los polémicos objetos arqueológicos.
 
Hampe contó que los trabajos de Hiram Bingham publicados en la primera mitad del siglo XX ya no tienen valor científico en la actualidad. Por ejemplo, mencionó que la hipótesis del estadounidense de que allí se refugió la estirpe imperial luego de la conquista española no tenía fundamento. Sin embargo, reconoció que el explorador norteamericano ha pasado a la historia de la arqueología por ser quien hiciera conocida a nivel internacional la ciudadela de Machu Picchu.
 
Otro dato que dio el académico es recordar que Bingham fue un hombre exitoso para el que el tema de las ruinas incaicas no fue lo más importante. Señaló que el norteamericano fue miembro del Partido Republicano de su país, llegando a ejercer cargos políticos como gobernador y senador.
 
Teodoro Hampe mencionó que Bingham tuvo la suerte de publicar en una revista de prestigio como National Geographic sus expediciones a Machu Picchu, por lo que se le considera el descubridor de la ciudadela. Sin embargo, hace notar que el lugar ya era conocido por los lugareños y que incluso Bingham llegó al sitio gracias a referencias de intelectuales peruanos.

¿SABÍAS QUE DALÍ ES EL CO-AUTOR DEL PRIMER CORTO DE BUÑUEL?

Sucesión de sueños encadenados. Esta es la esencia de Un chien andalou (Un perro andaluz), el primer cortometraje del surrealismo escrito por Luís Buñuel (1900-1983) y Salvador Dalí (1904-1989). Este filme, estrenado en 1929, posee una de las secuencias más impactantes de la historia del cine y pretende provocar en el espectador un impacto moral a través de la agresividad de su imagen.

Confluencia de dos sueños

El origen de este cortometraje proviene de la confluencia de los sueños de Dalí y Buñuel. Según cuenta el cineasta en sus memorias, fue a pasar unos días a casa de Dalí y, al llegar a Figueras (Girona, España), le contó un sueño que había tenido: “una nube desflecada cortaba la luna y una navaja de afeitar hendía un ojo”. Dalí, a su vez, le explicó que la noche anterior había soñado con “una mano llena de hormigas”. Partiendo de estas ideas, el pintor catalán le propuso realizar una película. Fue entonces cuando Buñuel abandonó todos sus proyectos y comenzó a escribir con Dalí un guión titulado El marista de la ballesta, que más tarde daría luz a Un chien andalou.

La edad de oro

Dalí y Buñuel se conocieron y trabaron amistad en la reconocida Residencia de Estudiantes de Madrid (España), a comienzos de los años veinte. Una Institución por la que pasó gran parte del mundo intelectual español del primer tercio del siglo XX (Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pepín Bello, Juan Ramón Jiménez, entre otros). Tras la creación del guión de Un chien andalou, el filme fue rodado en abril de 1929 con un presupuesto de veinticinco mil pesetas (150 €) que aportó la madre de Buñuel. Se estrenó en junio en el Studio des Ursulinas (París, Francia) y, a partir del éxito de esta primera proyección, Un chien andalou triunfó en las salas de Studio 28 (París, Francia) y en el cine Royalty (Madrid, España). A finales de este mismo año, el cineasta y el pintor se volvieron a reunir para escribir un nuevo guión de lo que sería más tarde La edad de oro. Esta película fue el desencadenante de la ruptura de la amistad entre ambos autores. Buñuel rodó este filme sin contar con Dalí, por lo que se sintió marginado del proyecto y traicionado.

Un chien andalou

Considerada la película más significativa de surrealismo, la historia proyecta imágenes de violencia irracional y gratuita. A pesar de los 17 minutos de duración, consigue mostrar al espectador que la brutalidad es un hecho endémico en nuestra vida. Según explicaban los propios autores, Un chien andalou es el filme “de la adolescencia y la muerte” (Salvador Dalí), y “la crónica, entre psicoanalítica y poética, de la imposibilidad del deseo” (Luís Buñuel). fuente: artelista.com

24/07/2008 14:01 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS CIEN AÑOS DEL FORD "T"

RICHMOND, Indiana, EE.UU. (AP) - Ford Motor Co. está celebrando los 100 años de su Modelo T, el primer auto de bajo costo que llevó el automovilismo a las masas.

La celebración llega en momentos en que los estadounindenses enfrentan el alto costo de la gasolina y la industria automotriz cierra cada vez más fábricas y despide a más trabajadores.

Todos los grandes fabricantes de autos, con la excepción de Honda Motor Co., reportaron desplomes pronunciados en sus ventas en junio. Las de Ford retrocedieron 27,9% con respecto a las de junio del 2007.

Sin embargo, la semana de festejos por el Modelo T augura un ambiente menos sombrío.

Aproximadamente 750 de los emblemáticos vehículos se exhibieron el lunes en lo que ha sido denominado como la mayor reunión de Modelos T desde que se fabricaran.

"Estoy encantado de estar con los preservadores del legado de mi bisabuelo", afirmó Edsel Ford II ante los invitados al banquete de inauguración, refiriéndose al fundador Henry Ford.

Ford afirmó que fue el espíritu del Modelo T lo que hizo que el automóvil fuera tan exitoso.

"Era un producto que proporcionó libertad", dijo. "Ustedes son los guardianes del espíritu que hizo que todo siguiera funcionando. Son los que preservan la flama. Mientras haya personas que aman al Modelo T, nunca olvidaremos lo que nos trajo hasta aquí".

La reunión transformó el terreno de la feria del condado de Wayne en lo que parecía el plató de una película de la década de 1900.

Geff Bland, de 42 años, condujo su Modelo T 1915 para la fiesta desde su hogar en Springfield, Misurí. El viaje le llevó tres días.

Bland comenzó a manejar el Modelo T de su padre en Misisípi cuando tenía 12 años de edad.

"Vivíamos en un pueblo rural donde podía conducir y nadie decía nada", afirmó.

22/07/2008 07:38 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL ESPAÑOL EN INTERNET

Un informe arrojó que el español es el idioma que más crece en Internet

Lo realizó el Observatorio Nacional de las Telecomunicaciones y Sociedad de la Información (ONTSI). La lengua ya superó los 100 millones de usuarios y se ubica tercera, detrás del inglés y el chino.

La entidad pública Red.es presentó datos que informan que el idioma español es el que más ha crecido en Internet y que ha alcanzado los 120 millones de usuarios. Se ubica tercera por detrás del inglés con 366 millones de usuarios y el chino con 184 millones.

El informe "La sociedad en red" del Observatorio Nacional de las Telecomunicaciones y Sociedad de la Información (ONTSI) manifiesta que el crecimiento se debe al despegue de las conexiones en Iberoamérica. En los últimos años, el idioma español ha multiplicado por tres su presencia en la red.

En cuanto a la penetración de Internet, el informe detalló que en el continente africano es del 5,4 por ciento, mientras en Oceanía alcanza el 44,8 por ciento. En tanto, Asia es el continente con mayor cantidad de usuarios cerca de 691 millones; mientras que en América los usuarios suman 375,1 millones y en Europa son 334,2 millones.

Periodismo.com

27/06/2008 12:19 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS VIDEOJUEGOS MAS FAMOSOS DE LA HISTORIA

La revista Forbes confeccionó una lista con los diez videojuegos más vendidos de la historia

(Periodismo.com) - GTA: San Adreas es el interactivo más vendido en los últimos 15 años en el mercado estadounidense con 9,4 millones de unidades vendidas. El podio lo completan Guitar Hero III: Legends of Rock y Madden NFL 07.

La revista estadounidense Forbes elaboró una lista con los diez videojuegos más vendidos en los últimos 15 años en el mercado de los EE.UU. El primer lugar es para el entretenimiento que mezcla conducción temeraria y mafia, el GTA: San Andreas con 9,4 millones de unidades vendidas en todas sus versiones para distintos soportes.

En segundo lugar aparece Guitar Hero III: Legends of Rock que ha vendido 8,2 millones de unidades; completa el podio el videojuego de fútbol americano Madden NFL 07 con 7,7 millones de ventas. En el cuarto lugar figura otra versión del GTA, en esta ocasión el Vice City (7,3 millones de ventas), mientras que la quinta posición se ubicó otro juego relacionado con el fútbol americano, el Madden NFL 06 (6,7 millones).

 El top ten lo completan, Halo 2:(6,61 millones), Madden NFL 08 (6,6 millones), Call of Duty 4: Modern Warfare (6,25 millones), GTA III (6,2 millones), Madden NFL 05 (6,1 millones), en ese orden.

OBRAS QUE ENCIERRAN SECRETOS

Obras que encierran secretos

Pero los símbolos en sí mismos no poseen un valor definitivo y, en muchas ocasiones, el significado de lo representado depende del contexto en el que se encuentre, pudiendo ser variable. Si observamos la obra de Caravaggio Muchacho mordido por una lagartija sólo veremos un cuadro de extraño tema, con un púber con cara de dolor al notar el mordisco del animal. Pero si supiéramos que la representación de la lagartija conlleva un doble sentido ( “lagartija” en la época significaba en lenguaje popular “pene” ) podríamos deducir que esta obra es una advertencia frente al disfrute de los placeres de la carne, posiblemente ofrecidos por una prostituta quizá no muy sana ( algo que el pintor debía saber, dada su vida disoluta ). Sin embargo, el cuadro posee otra lectura, algo menos prosaica, que queda manifiesta en el propio hecho de la enfermedad que sugiere ( en esta ocasión “social ) y en la pecera representada, donde aparece el taller de Caravaggio: el deseo del maestro de dejar constancia de su excelencia y sus sobradas cualidades para poder ingresar en la Academia del Oro de Federigo Zuccaro, quien en sus comienzos se negará a admitirle precisamente por su estilo de vida ( El poder del arte, Simon Schama ).

El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck, es otro buen ejemplo de símbolos ocultos y todo él un canto a la fecundidad: la lámpara ubicada en el eje central del cuadro tiene una vela encendida, símbolo de la luz divina que preside la unión y la santifica ( además, hace alusión a la vela que se encendía para favorecer la fertilidad la noche de bodas ), sobre el respaldo de la silla ubicada tras la mujer aparece una figura de Santa Margarita, patrona de las parturientas ( identificada a veces como Santa Marta, patrona del hogar ), el verde era el color de la fertilidad en la época y el perro simboliza la fidelidad marital, sin contar el resto de múltiples símbolos que plagan la escena. artelista.com

ENCUENTROS INESPERADOS

Los símbolos en el arte son muy diversos, casi infinitos, y nos permiten encontrar de la forma más sorprendente representaciones de instituciones, ideas, personas o vivencias que nunca hubiéramos sospechado.

En el Baldaquino de San Pedro, encargado por el papa Urbano VIII a Bernini, advertimos la existencia de abejas por doquier, símbolo de la familia de los Barberini, a la que pertenecía el pontífice. Igual sucede en la Fontana de la Barcaccia ( que incorpora otro de los elementos del blasón barberini: los soles ), en la Fontana delle Api, o en el Sepulcro de Urbano VIII.

La forma de El Escorial es un homenaje a San Lorenzo ( cuyo principal atributo es una parrilla, instrumento de su martirio ) y su decoración una alegoría completa de Carlos V ( el águila bicéfala será el emblema de su escudo y las bolas y pirámides decorativas los símbolos que le asimilen con Hércules ). En la imaginería española de la Edad Moderna podemos encontrar tallas de la Virgen niña pisando una serpiente o dragón, símbolo de su pureza y su concepción inmaculada. En el Barroco era habitual la inclusión en las obras de arte de una calavera, como recordatorio de la mortalidad de la vida ( memento mori ).

Existen símbolos templarios distribuidos a lo largo de todo el Camino de Santiago, en iglesias y plazas ( famoso es el Juego de la oca ) y las universidades españolas poseen en sus muros alegorías del conocimiento y las artes liberales. En los jardines secos del arte zen cada uno de los elementos, escogidos con sumo cuidado en un número mínimo, posee un significado ( las piedras en una superficie de grava pueden ser los obstáculos que encuentra el pensamiento en su fluir ) y el arte islámico, en atención a su carácter iconoclasta, empleará elementos geométricos. artelista.com

04/06/2008 06:35 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

SÍMBOLOS EN LA RELIGIÓN

En los primeros tiempos del cristianismo, en las representaciones plásticas asociadas a sus espacios de culto y enterramiento, podemos encontrar ¡esvásticas! Parece difícil de creer y lo cierto es que estas imágenes, de nuevo, nada tienen que ver con el régimen nazi: hablamos de las Crux dissimulata, una cruz disfrazada dentro de una circunferencia parcial que posibilitaba la inclusión de este símbolo religioso de una forma poco obvia, de ahí su nombre.

La persecución de los cristianos en los comienzos del culto hizo que estas comunidades agudizaran el ingenio: no sólo se reunían bajo tierra sino que además elaboraron todo un “vademécum” de símbolos camuflados cuya representación servía de indicativo a otros practicantes. Palmeras, ciervos, pavos reales, vides y, el gran protagonista, el pez, se convirtieron, junto con los diversos anagramas de Cristo, en el medio para comunicarse y reconocerse en cualquier parte del mundo como cristiano.

Lo cierto es que la religión es una buena cantera de iconos, en cualquier época en la que nos fijemos, así, por ejemplo, el triángulo ( como línea compositiva o como figura ) es una simbolización de la Santísima Trinidad ( de fertilidad en cultos paganos ), las columnas salomónicas del Barroco hacen referencia al antiguo templo de Salomón en Jerusalén y el crismón románico ( XP ) es el monograma de Cristo ( a veces acompañado de Alfa y Omega: “principio” y “fin” ).

Los capiteles y tímpanos de las iglesias están plagados de referencias alegóricas ( recogidas en los llamados bestiarios ): los leones, águilas y grifos son “los guardianes del templo” en indicación del carácter sagrado que el visitante debe respetar, el cordero hace referencia al sacrificio de Jesús para redimirnos ( y a su cualidad de Buen Pastor ) y la serpiente es la representación del pecado original, al igual que la liebre específicamente lo es de la lujuria o el cerdo de la pereza, entre otros. Pero no sólo las imágenes poseen un significado en el arte cristiano, la numerología y la arquitectura en sí, estrechamente vinculadas, son la base de la que parte todo lo demás: los claustros medievales son una representación del Jardín del Edén, las naves de las iglesias de planta cuadrada simbolizan la Tierra ( 4 puntos cardinales ) y la cabecera semicircular el Cielo ( al igual que las cúpulas ), y la propia planta de cruz latina es una figuración del cuerpo de Cristo ( cabecera, brazos del transepto, cuerpo de las naves y pies ). artelista.com

04/06/2008 06:20 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS SECRETOS DEL ARTE - LA ESVÁSTICA

Año 1933, Hitler sube al poder como dirigente del Partido Nacionalsocialista alemán tras ganar las elecciones del mes de mayo. Comenzaba el Tercer Reich, una época de horrores que nos viene a la memoria hoy día en todo el mundo occidental con tan sólo ver una imagen: la cruz gamada o esvástica. Sin embargo, este símbolo posee un uso, tradición y significado mucho más antiguos y amplios de los que, por desgracia, le fueron otorgados por el nazismo. La palabra “esvástica” posee, bajo su origen sánscrito, un significado de “bienestar y buena suerte” y su representación gráfica aparece múltiplemente reproducida en imágenes y arquitecturas de la India y Nepal, además de ser habitual en el arte celta, románico, gótico y de la Antigüedad clásica. Éste es sólo un caso, de los múltiples, del poder que guardan los símbolos y de la influencia que pueden llegar a ejercer. El arte cuenta con infinidad de ejemplos de imágenes con un sentido distinto al que pudiera parecer, “escondidas” en unas ocasiones por necesidad, como un guiño o parte de una construcción alegórica más compleja en otras. Unos significados cuyo conocimiento, en ocasiones y con el paso de los siglos, se ha perdido, siendo necesaria su recuperación para poder comprender en su totalidad la obra que los guarda. artelista.com

04/06/2008 06:11 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

YVES SAINT LAURENT

Muere Yves Saint Laurent, el modisto que dio alas a la mujer

El diseñador de moda francés Yves Saint-Laurent posa en la sede de su casa de moda en París el 7 de enero de 2002, tras anunciar su 'adiós' a la costura.

Yves Saint Laurent, el modisto que dio nuevos aires de libertad a la mujer y creó un estilo de éxito que mezcla feminidad y masculinidad, murió el domingo en París a los 71 años.

Las exequias de uno de los hombres más influyentes de la moda del siglo XX tendrán lugar el viernes en la iglesia Saint-Roch de París, informó este lunes Pierre Bergé, cofundador de la firma francesa YSL y amigo de Saint Laurent.

La salud del diseñador había empeorado en los últimos meses, hasta el punto de que ya no acudía a la sede de su casa de moda, en el número 5 de la elegante Avenue Marceau de París, transformada en fundación en 2004, donde todavía tenía su oficina.

Pierre Bergé se declaró "conmocionado". En palabras de Bergé, Yves Saint Laurent "acompañó la evolución de la mujer".

"Sabía perfectamente que había revolucionado la alta costura y la importancia que ocupaba en la segunda mitad del siglo XX", afirmó.

El presidente francés, Nicolas Sarkozy, afirmó que con la muerte del diseñador "desaparece uno de los más grandes nombres de la moda, el primero que hizo de la alta costura un arte dándole un alcance planetario".

"Fue y seguirá siendo un gran creador, inventor de una mujer moderna vestida con telas de luz, de seducción y de deseo", afirmó por su lado la ministra de Cultura de Francia, Christine Albanel.

Yves-Mathieu Saint Laurent, nacido el 1 de agosto de 1936 en Orán (Argelia), conoció la gloria muy joven, trabajando desde sus inicios para Christian Dior, a quien sucedió tras la muerte de éste en 1957.

Su línea 'Trapèze' que rompía con las cinturas de avispa de la época, fue un verdadero éxito.

En 1961, creó su propia firma en asociación con Pierre Bergé. Juntos, uno en la creación y el otro en la gestión, construyeron una marca símbolo de la elegancia francesa.

Saint Laurent dio a la mujer una nueva libertad, modernizando la costura y creando un 'prêt-à-porter' -una primicia para un gran modisto- que se inspiraba del guardarropa masculino, simbolizada por el esmoquin femenino.

Gran coleccionista de arte, amante de la ópera y el teatro, Saint Laurent tuvo numerosas fuentes de inspiración, de Picasso a Van Gogh pasando por el Pop Art, y de África a Rusia, así como de la literatura de Shakespeare.

A menudo, el diseñador creaba la noticia o provocaba el escándalo, como hizo en 1971 con el lanzamiento de una colección inspirada en los años 40, cuando posó desnudo para la presentación de un perfume o incluso cuando creó la fragancia 'Opium' en 1977.

"Siempre me he opuesto a las fantasías de algunos que satisfacen su ego a través de la moda. Yo, por el contrario, siempre he querido ponerme al servicio de la mujer. He querido acompañarlas en ese gran movimiento de liberación que conoció el siglo pasado", dijo Yves Saint Laurent cuando anunció su retirada de la alta costura en 2002.

Muy tímido, Saint Laurent reconoció ante la prensa haber vivido momentos de "miedo y terrible soledad. Tranquilizantes y estupefacientes son malas compañías".

La casa Saint Laurent fue vendida en dos ocasiones: en 1993 a Elf-Sanofi y en 1999 al grupo Gucci, filial del grupo francés PPR, que dividió la marca en dos entidades.

En 2002, con ocasión de su despedida, Yves Saint Laurent presentó en el centro de arte moderno George Pompidou de París un desfile restrospectivo de 40 años de creación, al término del cual recibió una gran ovación. (Fuente: AFP)

03/06/2008 12:48 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA "HISTORIA" DE INDIANA JONES

AFP - Película de Indiana Jones genera malestar en Perú por sus imprecisiones
(ARCHIVO) Imagen de archivo difundida el 22 de junio de 2007 que muestra al actor estadounidense Harrison Ford en el set de grabación de la nueva cinta

La última aventura del héroe de culto Indiana Jones, que bate récords de taquilla en el mundo, generó malestar en Perú -donde se ambienta la película- debido a errores tan burdos como que el mexicano Pancho Villa enseñaba el quechua, el idioma de los incas.

Los espectadores que acuden a ver 'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal' se sorprenden cuando en la película se dice que Pancho Villa, el héroe de la revolución mexicana, y sus amigos hablaban quechua, el idioma de los antiguos peruanos.

"Eso es una barbaridad", declaró Hugo Neyra, director de la Biblioteca Nacional del Perú.

A la salida de las salas, los cinéfilos peruanos expresan su incomodidad ante el hecho de que la música que acompaña a las aventuras, ambientadas en Perú, del arqueólogo Indiana Jones está conformada por rancheras, típicas de México.

A ello se agrega que hay guerreros mayas que hablan quechua en la selva peruana, región supuestamente plagada de arenas movedizas, con insaciables hormigas que devoran a humanos, y enormes cataratas que en realidad se encuentran en Hawai.

Aunque quizá uno de los mayores errores de la cinta consiste en que sitúa la pirámide de Chichen Itzá -ubicada en México- en medio de la amazonía peruana.

El historiador Manuel Burga, ex rector de la Universidad de San Marcos -la más antigua de América-, comentó que aunque se trate de una película de ficción a los creadores del personaje del látigo, Steven Spielberg y George Lucas, les faltó asesoramiento.

"Hay muchos datos incorrectos, aunque se trate de una ficción. Eso va a ser perjudicial para mucha gente que no conoce nuestro país, pues muestra un escenario peruano que no es real. No es posible que se confunda la Amazonía con la selva de Yucatán en México", se quejó Burga.

"Debió haber especialistas que investigaran previamente antes de elaborar el guión", sentenció el historiador.

Neyra hizo notar, por su parte, que muchos estadounidenses y europeos medianamente informados se darán cuenta de que es "una aberración" mezclar las culturas maya e inca. "Ellos saben que Machu Picchu está en Cusco y que Chichen Itzá (está) en México", refirió.

Teodoro Hampe, historiador, estimó que en la mente del estadounidense común hay un esquema según el cual todo lo que está más allá de sus fronteras hacia el sur, a partir de México, es lo mismo. "Para ellos les da igual, es lo mismo México, Guatemala, Bolivia o Perú", acotó.

Otra de las incongruencias de la cuarta película de Indiana Jones es la ubicación de la ciudad de Nasca, en la costa sur de Perú, que la película sitúa en el Cusco, en medio de los Andes del sur peruano.

Los comentarios critican también que la trama incide en un prejuicio difundido en el exterior y rechazado por la comunidad científica internacional según el cual la civilización andina es producto de la visita de extraterrestres.

En esa línea casi al final del film emerge desde las profundidades de un palacio de oro un platillo volador.

El mensaje subliminal parece ser que los logros de las civilizaciones surgidas en América Latina son producto de fuerzas sobrenaturales y no de la capacidad de sus propios habitantes.

EL CROMOSOMA "X"

AFP - Expertos holandeses anuncian haber descifrado el genoma de una mujer.
(ARCHIVO) Ilustración del ADN. El mapa del genoma humano, de 3.000 millones de letras que representan el código ADN, fue establecido integralmente en 2003.

Un grupo de investigadores del Centro Médico Universitario de Leyde (oeste de Holanda) anunció el lunes haber logrado descifrar la primera secuencia completa del genoma de una mujer.

"Se trata (del genoma) de la primera mujer en el mundo y de la primera persona europea cuya secuencia de ADN será publicada", indicó en un comunicado el Centro Médico, que aseguró que su divulgación tendrá lugar "pronto", una vez haya sido sometida a la comunidad científica.

El hecho de haber descifrado la secuencia de una mujer "permite una mejor comprensión del cromosoma X", puesto que posee dos ejemplares del mismo, argumentó Gert-Jan van Ommen, director del equipo científico.

Según el Centro holandés, los cuatro genomas descifrados hasta ahora pertenecen a hombres, dos estadounidenses y dos africanos de la etnia yoruba.

El mapa del genoma humano - compuesto por unos 3.000 millones de letras que representan el código ADN -, fue establecido integralmente en 2003.

El genoma reagrupa el conjunto de genes que caracterizan la especie, determina las especifidades de cada individuo como el color del pelo o de los ojos o las predisposiciones a enfermedades.

EL TIGRE DE TASMANIA

 

Un grupo de científicos anunció el martes un hito sin precedentes, al haber devuelto a la vida un gen del tigre de Tasmania, extinguido desde 1936.

Los investigadores de universidades australianas y estadounidenses aislaron al gen perteneciente a un ejemplar conservado desde hace un siglo y lo introdujeron en el embrión de un ratón.

El tigre de Tasmania o tilacino es un marsupial australiano que se parece a un perro.

El último tigre de Tasmania murió en cautiverio en 1936 en un zoológico de Hobart, capital de la isla australiana. La cacería a ultranza de esta especie precipitó su desaparición a principios del siglo XX.

“El potencial de esta investigación es enorme, sobre todo para el desarrollo de nuevas biomedicinas y de una mejor comprensión de la biología de los animales que han desaparecido del planeta”, declaró por su parte Richard Behringer, de la universidad de Texas. agroinformación.

23/05/2008 07:18 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL MERCADO DEL ARTE

¿Sabías que el mercado del arte continúa su ascenso imparable?


Hace una semana escasa Lucien Freud se convertía en el artista vivo mejor cotizado gracias a la venta de su obra Benefits supervisor sleeping, con la que batía otro récord en el mercado del arte, adelantándose al remate que alcanzara pocos días después Francis Bacon con Tríptico ( 1976 ). Una cifra de algo más de 55 millones de euros que le posiciona por fin como el artista más caro de posguerra y culmina la buena racha que llevan últimamente las casas de subastas.


Un mercado al margen de crisis

Las cifras lo avalan: el mercado del arte, lejos de sufrir la recesión económica que comienza a afectar a otros sectores, está en alza. Durante los últimos meses los precios alcanzados por obras de autores del s.XX en subasta han sido apabullantes, sumándose a los alcanzados por lienzos impresionistas y modernos en el último año: casi 10 millones de euros pagados por una estatuilla manga de Takashi Murakami, cantidad similar a la desembolsada por una obra de Rauschenberg, algo más de 15 por MG 9 de Ives Klein, 29 por un Rothko, 19 por el habitual de los récords Andy Warhol, algo más de 14 por Lullaby Spring ( Damien Hirst ) hace un año… Una carrera que acaba de marcar su punto final con la venta de Tríptico ( 1976 ) de Bacon, quien ya estuvo en febrero de 2008 a punto de batir su propio récord con una obra de similares características, adjudicada en unos “discretos” 35 millones de euros. artelista.com

21/05/2008 06:08 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

ROBERT MONDAVI

Muere a los 94 años Robert Mondavi, pionero de los vinos en California

 Una de las figuras más prominentes de la vinicultura estadounidense, Robert Mondavi, murió este viernes a los 94 años en su hacienda en el norte de California (oeste), informó un portavoz del viñedo que lleva su nombre al diario Los Angeles Times.

 Mondavi, conocido como uno de los pioneros en el desarrollo de la hoy próspera industria del vino en Napa Valley, "falleció en su casa de Yountville", dijo el portavoz de la empresa al diario angelino.

 Señalado por la revista especializada Wine Spectator como "uno de los elaboradores de vinos más influyente y admirados en la historia de California", fundó su empresa Robert Mondavi en Napa Valley en 1966, vendida por 1.000 millones de dólares en 2004 al gigante de los vinos estadounidenses Constellation.

 Hijo de inmigrantes italianos, Robert Gerald Mondavi nació el 18 de junio de 1913 en Virginia (este) y se trasladó al norte de California siendo muy joven, cuando emprendió un proyecto de viñas que conllevó estrategias de producción y mercadeo que sentaron las bases de la industria del Vino del Nuevo Mundo.

 "Es difícil imaginarse a alguien que haya tenido más impacto en la próspera industria del vino de California, facturando 20.000 millones de dólares al año, que Robert Mondavi", dijo en un comunicado el gobernador de California, Arnold Schwarzenegger.

 Fue "un empresario infatigable que transformó lo que el mundo conoce como el vio de California", agregó el Gobernador en su nota de condolencia a la familia.

 Después de unos duros comienzos, Mondavi logró imponerse gracias a su reconocido talento para tejer relaciones públicas.

Su alianza en 1979 con el barón de Philippe de Rothschild, propietario del Château Mouton-Rothschild en el sudoeste de Francia, llevó a la creación del ’"Opus One", el vino más costoso de California, que trastocó el escenario vitícola mundial.

 En los años 1980 y 1990, expandió su imperio participando en las acciones de viñedos italianos, australianos y chilenos, pero no pudo tener el mismo éxito en Languedoc (sur de Francia) ante la hostilidad que provocó su consorcio, considerado como una multinacional más interesada en los beneficios económicos que en la calidad del vino.

EL CHELSEA YA TIENE VODKA

El famoso personaje del fútbol Roman Abramovich, magnate de nacionalidad rusa, dueño del Chelsea, será una marca de vodka en Gran Bretaña. El registro legal fue realizado por un empresario lituano, las botellas serán fabricadas en Francia y la produccion del nuevo vodka se hará en otros países del este europeo todavia no definidos. Lo información viene de TV de lengua inglesa Russia Today y el sitio on line Lenta.ru.

El magnate Abramovich, cuya imagen ya aparece en un vodka ruso llamado "Oligarch", se sumará a Mijhail Gorvachov y Alexander Putin, que también tienen sus nombres en otras marcas de vodka. El nuevo vodka Abramovich estará en el mercado sólo a fin de año. 

16/05/2008 13:04 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA SOLEDAD, LOS GENES Y LA SALUD

La soledad también impacta sobre los genes y la salud

Por: Andrea Gentil

(www.saludyciencias.com.ar) Hoy es un estudio científico que relativiza la expresión de los genes de acuerdo con la influencia del medio ambiente y del entorno social en el cual viven las personas.

Pero ya a fines del año pasado, en 2007, una investigación logró probar que el sentirse solo altera el sistema inmune a nivel genético. Esto, a su vez, hace que la persona en cuestión corra más riesgo de sufrir enfermedades en las que la inflamación es un factor desencadenante, como en los males cardíacos, las infecciones y el cáncer.

Este estudio demuestra que el impacto biológico de la soledad se mete dentro de los procesos internos más básicos de nuestro organismo, en la actividad misma de nuestros genes, explica el autor principal de la investigación, Steve Cole, miembro del Centro de Psiconeuroinmunología de la UCLA y uno de los autores principales de la investigación.

Los investigadores llegaron a esta conclusión luego de estudiar y comparar 22.000 genes humanos, y de comprobar que 209 transcripciones de los genes se expresan de manera diferente entre los dos grupos de personas: los solitarios y los que no lo están.

Entre los primeros, las alteraciones genéticas fueron tales que 78 de esas transcripciones aparecieron como sobreexpresadas (sobretrabajando), mientras que otras 131 o no se expresaban o estaban por debajo de los niveles normales.

Para ser más claros: Los leucocitos o glóbulos blancos de la sangre aparecían como remodeladas explica Cole- en quienes están y se sienten crónicamente solos.

Hallamos que los cambios en la expresión genética dentro de las células relacionadas con el sistema inmune del cuerpo se vinculan de manera específica con la experiencia subjetiva que las personas tienen de su soledad. Y estas diferencias son independientes de otros factores de riesgo como por ejemplo el estado de salud, la edad, el peso y el uso de medicamentos. Es más: los cambios son independientes del tamaño objetivo de la red social de esa persona.

Es en este punto donde se encuentra uno de los mayores logros de esta investigación: la demostración de que la sensación de soledad es más perjudicial que la soledad en sí misma.

En ese sentido, Cole es puntual y directo: Los resultados de los estudios no dependieron ni dependen de a cuánta gente conoce alguien, sino de a cuánta gente alguien siente cerca suyo en determinado momento.

John Cacioppo, psicólogo de la Universidad de Chicago y colega de Cole en la investigación, lleva años estudiando los efectos de la soledad sobre la salud en un grupo de personas que le permitieron hurgar en su vida social y sanitaria. De hecho, Cacioppo publicó en el mes de agosto los resultados de un trabajo que muestra cómo las malas consecuencias en el organismo de los solitarios se acumulan con el tiempo y se unen al estrés y las desgracias inevitables de la vida.

Esto es malo, esto es lo que baja las defensas y llama a las enfermedades tanto de origen externo (como una vulgar gripe) e interno (enfermedades autoinmunes de diverso tipo, aquellas en las que son las propias células del organismo de una persona las que enferman a esa persona).

15/05/2008 16:13 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PERRO MUNDO

TRES NOTICIAS DE ESTE PERRO MUNDO
(Antonio García Fuentes)

Cuesta creer el que hayamos llegado a la que se estima, la civilización más avanzada de todas las que registra la historia (“salvo la nebulosa de La Atlántida”) y que en ese culmen civilizatorio, ocurran tantas cosas como estas tres que comento y que aparecen el mismo día en la prensa diaria.

Una niña yemení de ocho años, casada a la fuerza con un hombre de treinta, pide el divorcio tras reiteradas palizas y abusos… y es la propia niña, la que se presenta en un tribunal de nada menos que la capital de este país (Saná) y en la que no sólo denuncia a “su esposo”, sino a su propio padre por haberla obligado. Lo que la noticia dice que este “pederasta autorizado por la ley”, hacía con esta pobre niña para satisfacer sus deseos carnales y lo que ha soportado en “dos meses de casada”… en cualquier país civilizado, sería motivo para condenar a este delincuente autorizado, a varias decenas de años de prisión… y yo opino que también de trabajos forzados; pues… ¿cómo puede existir hoy en este mundo tan avanzado, leyes o costumbres que permitan estos crímenes… cómo se pueden poner a estas criaturas en manos de adultos para que practiquen incluso el sexo?... cuesta de creer pero está ocurriendo en países islámicos.

La siguiente noticia es también incalificable y esta se produce en Occidente y en el máximo organismo de la tan desprestigiada ONU y el que sobre el papel se ocupa de la educación y la cultura, o sea “La UNESCO” (o para mayor vergüenza: “Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura”). Pues bien, nada menos que en Bruselas y por falta de espacio para guardarlos; un “alto funcionario” (muy bajo en principios por el hecho) ordena el que sean quemados, nada menos que cien mil libros (100.000); lo que ocurre en los años 2004/2005… entre esta quema, figuran cinco mil ejemplares de la “Historia General de Latinoamérica” y otros muchos títulos interesantes, no sólo relativos a América, sino igualmente a Asia y África y por lo que se dice, a todo el “mundo mundial”… ¿Cómo puede ser ordenada esa quema de libros, con la necesidad de lectura que hay, la cantidad de escuelas de países pobres, que no tienen a penas ni lápiz, ni papel y menos libros… no se pudo ordenadamente, distribuir esos libros en miles de bibliotecas que los recibirían con agradecimiento? ¿A estos inútiles “mundiales” mantenemos con nuestros impuestos?

La tercera noticia no es menos “sangrante”; puesto que por conseguir nuevos carburantes, se están consumiendo cantidades enormes de alimentos dedicados al ser humano y sus ganados más necesarios para su supervivencia. Ese es el resultado de los tan cacareados biocarburantes… salvo que, sea otra “guerra” oculta de defensa de las poderosísimas petroleras mundiales, para que no les surja competencia.

Pero la verdad, es que los alimentos están tomando precios prohibitivos en algunos países, donde ya hay revueltas por ello mismo y aquí en la “lista y culta Europa”; se han derrochado y derrochan cantidades inmensas de dinero, para cultivar lo que interesa (¿a quién?), por no producir leche o carne, que llegaron a sobrar (“recuerden hace años que se hablaba de los dos grandes problemas europeos: un lago de leche y una montaña de carne… sin vender”)… o por dejar tierras en barbecho, o sin cultivar, para lo que se pagaron y pagan subvenciones, mientras medio mundo se muere de hambre o carece de lo más necesario.

¿Quién explica todo este desastre? ¿No hubo ni hay formas de regular producciones y mercados para que todo el mundo pueda vivir decentemente? ¿Por qué se arruinan cultivos en países para imponerles otros que interesan… a quién?

¿Esto es progreso… para quién o quienes?... esto es un ya muy peligroso juego de intereses materiales de unos pocos, en perjuicio de una mayoría; todo lo cual traerá las consecuencias explosivas que son de esperar… ¿Es que no hay estadistas en este perro mundo? ¿Todo son especuladores sin escrúpulo alguno? ¿Quiénes gobiernan si es que gobiernan… o a qué están jugando?

06/05/2008 04:02 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL CUTTY SARK, EL TÉ Y EL WHISKY

La fama del Cutty Sark no proviene de haber participado en grandes gestas militares, como sí lo hizo el Victory del Almirante Nelson; durante casi 100 años, este velero unió la metrópoli británica con sus colonias transportando té. A fines del siglo XX, el Cutty Sark se ganaría una merecida jubilación para convertirse en lo que es hoy en día: la principal atracción del museo marítimo de Greenwich.

El nombre Cutty Sark deriva del poema de Robert Burns "Tam O’Shanter", en el cual una bella bruja llamada Nannie corre una noche tras Tam cabalgando en su yegua gris. Llevaba puesta solo su cutty sark, que era una camisa corta hecha de lino de Paisley (de colores y dibujos vistosos). En el poema ella estrecha su brazo y agarra la cola del caballo, y por esa razón su imagen en el mascarón de proa del barco la muestra con su brazo izquierdo extendido.

El Cutty Sark vio el mar por primera vez el 22 de noviembre de 1869 en Dumbarton (Reino Unido). Fue construido por encargo de John "Jock" Willis, un comerciante que había invertido todos sus esfuerzos en este proyecto. El Cutty Sark era un barco revolucionario para su época. Se trataba de un clipper, un velero de transporte mucho más ligero que el resto de sus contemporáneos. Eso sí, el timing histórico no jugó muy bien a su favor; lamentablemente -desde un punto de vista más bien retrógrado aunque pintoresco- sería rápidamente superado por las modernas embarcaciones a vapor.  El objetivo de Willis era conseguir la victoria en la popular regata que cada año realizaban los veleros que traían a Gran Bretaña la nueva cosecha de té desde China.

Los barcos de este comerciante nunca habían quedado en buen puesto, por lo que decidió desquitarse con una embarcación única en su especie. Moderno y caduco a la vez, su construcción no estuvo exenta de su propia historia. El diseño original de la embarcación fue de un tal Hercules Linton, socio de los astilleros escoceses Scott & Linton. Esta empresa nunca había construido una embarcación de la envergadura del Cutty Sark, y aplicaron la misma política que utilizaban para todos sus proyectos: lo mejor por el mínimo precio. Este principio los llevó a la ruina poco antes de finalizar la construcción de tan histórico velero. Finalmente, los constructores William Denny & Brothers fueron los que se hicieron cargo de los últimos detalles del enorme y veloz clíper.

La botadura del Cutty Sark coincidió con la apertura del Canal de Suez en Egipto -entonces colonia británica- la obra que acortó el tráfico marítimo de Asia a Europa. El estrecho que unió el Mar Rojo y el Mediterráneo evitaba a los barcos el tener que rodear todo el continente africano por el sur. Lamentablemente para el Cutty este paso no era accesible para veleros, por lo que su historia en el transporte de té fue más bien corta. Entre 1877 y 1885 realizó servicios diversos, para luego especializarse en el transporte de lana desde Australia, una actividad que lo ocuparía hasta 1895.

Durante este período, el Cutty Sark batiría algunos récords de velocidad, entre otros, el del buque más rápido en cubrir la distancia entre Inglaterra y Australia. Un par de años antes, justo antes de dejar la ruta del té, protagonizó una carrera espectacular con otro velero de su mismo tipo, el Thermophylae (que terminara sus días en la Marina portuguesa en 1906).

En aquella época ambos cubrían la ruta entre el Mar de China y la capital del Imperio Británico. El 18 de junio de 1872, salieron ambos barcos desde Shangai con la mira puesta en Londres y en batirse uno al otro (pertenecían a dos grandes empresas navieras y productoras de té en constante competencia). Pero dos semanas más tarde, el Cutty Sark pierde su timón después de pasar por el Estrecho de Sunda (entre Java y Sumatra) y rompe sus ilusiones de ganar la carrera. El Thermopylae llega a Londres el 18 de octubre, después de 122 días de travesía. Pero el Cutty Sark continúa en camino, con un timón improvisado, y llega una semana más tarde, logrando una hazaña por la que fue siempre recordado.

Después de sus idas y venidas de las costas australianas, el clipper pasó a manos portuguesas. La compañía Ferreira asignó al barco la ruta que unía Portugal con Brasil y Nueva Orleans. Una nueva fase que duró hasta 1922. Durante este período, sus diversos propietarios lo explotaron al máximo para luego devolverlo a tierras inglesas donde sería reparado minuciosamente.

Fue entonces cuando entró en escena el Capitán Wilfred Dowman, un oficial de la marina retirado, que se compró el Cutty Sark por una suma de 3.750 libras y lo restauró para su uso particular. A su muerte, en 1938, la viuda de Dowman lo cedió a la escuela náutica Thames Nautical Training College de Greenhithe donde se convirtió en un barco escuela para los jóvenes cadetes.

No fue hasta después de la II Guerra Mundial que se rindió homenaje a la figura y gesta de este barco, incluyéndolo como pieza destacada en la colección permanente del museo marítimo de Greenwich. Y es allí donde se quedó definitivamente. Hoy en día, aún puede visitarse en el muelle seco que ocupa frente a las dependencias del museo en Londres, tal y como ya han hecho cerca de 15 millones de personas de todo el mundo.

Los amantes de los licores sin duda reconocerán a "Cutty Sark" como una de las marcas de whisky más famosas del mundo. De hecho, la coincidencia entre el nombre de este whisky y el barco no es casual. Y es que los productores tomaron el nombre de la embarcación como marca para su licor a principios del siglo XX.

Fue en marzo de 1923 que los asociados de Berry Bros & Rudd, comerciantes de vino y bebidas espirituosas, invitaron a un almuerzo al famoso artista de la época James Mc Bey. Al comentarle que estaban buscando un nombre para su nuevo whisky, Mc Bey les sugirió el Cutty Sark, que por aquel entonces había vuelto a Inglaterra. De hecho, fue el propio artista quien diseñaría el logo de la marca, la ya famosa silueta del barco a contraluz.

Tan sólo cenizas - El 21 de mayo de este año, mientras se encontraba cerrado al público en plenas reparaciones de rutina, la leyenda -retirada pero aún viviente- sufrió un incendio de devastadoras proporciones. No hubo medios suficiente para evitar el desastre…
Siempre es lamentable perder el ícono de una ciudad. Y ésto ha ocurrido con uno de los monumentos más queridos de los británicos; quizás uno de los últimos supervivientes de la clase clipper de los veleros.

Desde 1954 su hogar había sido Greenwich y su figura, un símbolo que inspiró novelas, películas y el sentido de aventura de muchas generaciones.  El fuego que destruyó la cubierta del tradicional velero inglés agrega 10 millones de libras esterlinas al presupuesto de su restauración. De cualquier manera el esfuerzo económico será llevado a cabo y la joya restaurada. Una novedad que pone muy contentos a los históricos de los grandes veleros del mundo. FUENTE - NUESTROMAR - BARCOS MAGAZINE

20/04/2008 14:27 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PIZZA.COM

PABLO PARDO - ELMUNDO.ES

WASHINGTON.- "Una locura, una locura". Así explicaba Chris Clark en las páginas del diario Baltimore Sun el jueves pasado la inesperada lluvia de millones de dólares que le había caído encima gracias a un golpe de suerte. Concretamente, acababa de ganar 2,6 millones de dólares (1,65 millones de euros) al subastar en internet el dominio pizza.com, que él mismo había registrado en 1994.

Clark había pagado 20 dólares (12,7 euros al cambio actual) por el dominio, una cifra a la que hay que añadir una cifra similar cada año para mantener sus derechos de propiedad. Es difícil saber la rentabilidad de la operación, pero un cálculo aproximado, teniendo en cuenta el coste de renovar la propiedad sobre los dominios de internet, permite aventurar que, sin descontar la inflación, Clark ha obtenido una rentabilidad de alrededor del 7.000%. Ni George Soros ni Warren Buffett pueden pretender tanto.

Y, lo que es aún más sorprendente: Clark ha logrado esa suma gracias a un fracaso empresarial en toda regla. Porque, cuando registró pizza.com acababa de fundar una consultora especializada en internet. Su idea de apropiarse del dominio del conocido alimento italiano se debió a una estrategia de marketing desastrosa: pensó que, con ese nombre, pronto alguna empresa de comida rápida contrataría sus servicios. Seis años después, en pleno boom de las puntocom, Clark vendió su empresa. Ninguna compañía de pizzas le había contactado.

Pero el empresario retuvo sus derechos sobre pizza.com. Hace un año invirtió 5.000 dólares (3.170 euros al cambio actual) en la web para convertirla en un directorio de empresas que producen pizza y empezó a ganar dinero. Hasta que un día vio una noticia que explicaba que una empresa rusa de exportación de vodka había vendido su dominio vodka.com por tres millones de dólares, o 1,9 millones de euros. El precio de salida de pizza.com fue de dos millones de dólares.

Clark no se tomó muy en serio su iniciativa. En enero anunció que su sitio web estaba en venta. La primera oferta fue de apenas 100 dólares. Pero entonces Sedo, una empresa especializada en intermediar ventas por internet, se puso en contacto con él. A cambio del 10% del precio de venta, Sedo se comprometía a publicitar la venta de pizza.com. Sin muchas esperanzas, Clark accedió, y a continuación se fue de vacaciones a Disney World, en Florida, con su familia. El 27 de marzo, pizza.com entraba en la red de Sedo. Un día después, ya ofrecían por el nombre medio millón de dólares. El 29, la cifra ascendía a dos millones.

Pero pizza.com no es, ni de lejos, el dominio con un nombre genérico más caro de internet. Business.com (Negocios.com) se vendió por 7,5 millones de dólares en 1999 y de nuevo por 380 millones en 2007. Diamond.com también tuvo un precio de 7,5 millones de dólares en 2006. El mes pasado, Fund.com (fondo.com) costó 10 millones de dólares, dos menos que el precio de Sex.com en 2006.

09/04/2008 14:27 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

ECOLOGIA - PELIGRAN LOS TIGRES

"Apenas quedan 3.500 tigres en libertad en el mundo. Hace cinco años había aproximadamente entre 5.500 y 6.000 ejemplares", concluye WWF/Adena en un seminario internacional sobre la especie celebrado en Estocolmo esta semana. Las últimas cifras son alarmantes, pues muestran que sólo hay 1.400 tigres en la India, un 60 por cierto menos que hace tres años. El furtivismo y la pérdida de hábitat son las principales razones para este dramático descenso poblacional.

"La demanda de la población china de partes del cuerpo del tigre, usadas en la medicina oriental tradicional, es la principal causa de este declive, tras el furtivismo", indica Bivash Pandav, Director del Programa de WWF/Adena para el tigre y otros felinos asiáticos.

Hay nueve subespecies de tigres, de las que cuatro ya se han extinguido. Además de la estimación de 1.400 tigres en la India hay unos 150 ejemplares en Nepal, 100 en Bután y 100 en Bangladés. La poblacion de tigre malayo (Panthera tigris jacksoni) es de 500 ejemplares, la de tigre de Indochina (P. t. corbetti), se calcula en 500 repartidos entre Camboya, Birmania, Tailandia, Vietnam y Laos. El tigre de Amur en Siberia (P. t. altaica) parece ser más estable con 500 ejemplares. Por otra parte, el tigre de Sumatra (P. t. sumatrae) es una de las subespecies más amenazadas, con alrededor de 400.

"Los animales necesitan acceder a bosques naturales, alimentos y hábitats no alterados", subraya Sujoy Banerjee, Director del programa de especies de WWF/Adena en la India.

"Sin embargo, todavía hay esperanza", apunta Bivash Pandav, haciendo referencia a que los grandes felinos se reproducen rápidamente y pueden tener un gran número de crías si no son molestados. agroinformacion.com

24/03/2008 15:09 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL CHAMPAGNE MAS CARO DEL MUNDO

 

PARÍS (AFP) - La empresa Pernod-Ricard lanzará el próximo jueves el champán más caro del mundo, un Perrier-Jouet vendido por cajas de doce botellas a 50.000 euros (77.000 dólares), signo del éxito creciente que cosechan estas burbujas de lujo en el mercado internacional.

La botella, de 75 cl, sale pues a 4.166 euros (unos 6.420 dólares) y supera el récord precedente de una serie limitada de 10 Jeroboamas de Dom Perignon (grupo LVMH), que se vendieron a 4.000 euros el litro (unos 6.160 dólares) durante el Festival de Cine de Cannes de 2005.

"Vamos a vender estas cajas a 100 personas en el mundo para que puedan confeccionar ellas mismas su propio champán, el último lujo", explicó a la AFP Olivier Cavil, director de comunicación de Perrier-Jouet. Esta serie especial, destinada a una "comunidad de super-ricos", se distribuirá únicamente en siete países: Estados Unidos, Gran Bretaña, Japón, China, Rusia, Suiza y Francia, a razón de una quincena de cajas por país.

"Todos los compradores vendrán a Epernay (este de Francia) para reunirse directamente con nuestro jefe de bodega, Hervé Deschamps", explica Cavil. De esta forma podrán añadir por sí mismos el 'licor' (azúcar y vinos de diferentes años) de su gusto y personalizar así las botellas de blanco de la cosecha Belle Epoque, de 2000. Además de estampar su firma en la etiqueta, el cliente podrá almacenar su pedido en las cavas de Perrier-Jouet, donde las botellas serán conservadas durante ocho meses.

Algunas celebridades podrán beneficiarse de forma gratuita o a precio reducido de esta cosecha bautizada 'By and For', entre ellas la actriz española Victoria Abril o la cantante Marianne Faithfull.

Pernod-Ricard, segundo grupo mundial en vinos y licores, regresó en 2005 al sector del champán al pasar a controlar las marcas Mumm y Perrier-Jouet tras adquirir la británica Allied Domecq. Ocupa la cuarta plaza en este mercado mundial floreciente, con 338,7 millones de botellas vendidas en 2007, es decir, un alza del 7,3% respecto a 2006.

18/03/2008 14:14 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PROGRAMA DE ENOLOGÍA

 

El Instituto de los Andes Presenta el Mejor Programa de Enología  
Un completo programa profesional, de nivel internacional, que les permitirá en forma inteligente dominar el fascinante universo del vino. Cuatro cursos, Enología I, II, III, IV, especialmente diseñados mediante un moderno sistema modular y en solo un año de estudios, podrán obtener una certificación de suficiencia profesional en una carrera de gran demanda en la hotelería, restauración y en general en el mundo gourmet. Podrás desenvolverte como Sommelier, Administrar la bodega de un Hotel o Restaurante. Organizar bodegas profesionales o familiares y Diseñar cartas de vinos. Asesorar a Tiendas y Autoservicios en el comercio del vino.
Modalidades: Presencial ó Virtual (Capacitación a Distancia)
Syllabus - Módulos: 01. Bebidas Alcohólicas. - 02. ¿Qué es el Vino?. - 03. Composición del Vino. - 04. Clasificación del Vino. - 05. Terminología. - 06. Historia del Vino - Mitología. - 07. Historia del Vino - Cronología. - 08. Las Cepas - Agricultura - 09. Las Cepas - Variedades - 10. Vinos Varietales. - 11. Vinos Coupages. - 12. El Origen, Países, Regiones, Bodegas. - 13. Enografía, Grandes Vinos del Mundo. - 14. La Certificación. - 15. El Color. - 16. El Aroma. - 17. El Sabor. - 18. La Textura. - 19. El Carácter. - 20. La Producción. - 21. Los Insumos. - 22. Los Procesos. - 23. La Fermentación. - 24. El Azúcar. - 25. La Acidez.  - 26. Los Taninos. - 27. Vinos Especiales. - 28. La Calidad. - 29. La Edad. - 30. Botellas, Corchos y Etiquetas. - 31. Enfermedades y Defectos. - 32. El Servicio, Carta, Copas, Temperatura. - 33. La Cata. - 34. Afinidades y Maridaje.
Matricula Abierta - Inicio de Clases - Lunes 7 de Abril
Calle el Sauce 235 - Rinconada - La Molina
Teléfonos: 368-2537     368-0441     368-0448
http://www.institutodelosandes.com/
http://enologia.blogia.com/
http://groups.msn.com/TEnología
05/03/2008 16:44 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

DUFF, LA CERVEZA DE LOS SIMPSON

Oviedo, España - J. L. SALINAS

En la nevera de la casa de la familia televisiva de los Simpson nunca falta una lata de cerveza, ni en el badulaque del indio Apu, ni en la taberna de Moe. La serie hizo popular esta marca hasta ahora ficticia, Duff, que una compañía mexicana se ha decidido a comercializar. La inseparable cerveza que siempre acompaña a Homer comenzará a ser distribuida este mes en Asturias. La compañía asturiana Disprinsa se encargará de llevar a cabo la distribución del caldo que vuelve loco a Homer. De hecho, una de las frases que ha hecho famoso a este personaje de dibujos, creado por Matt Groening, es «¡Mmm, cerveza!», que pronuncia cada vez que abre la nevera.

Hasta el momento era una de las marcas de cerveza más conocidas del mundo, pero nadie la había probado nunca, hasta ahora. El joven empresario Rodrigo Contreras decidió registrar la patente de la marca en México hace varios meses para comenzar unas semanas más tarde con su expansión internacional. Duff sólo era una marca patentada para Estados Unidos y Australia. Las primeras remesas salieron a la venta en Guadalajara, ciudad natal del empresario. Se agotaron en unas horas.

La idea de introducirla en Asturias fue de uno de los responsables de Disprinsa, Luis Miguel Rivas, tras enterarse por internet de que existía en realidad la marca. «Nos pusimos en contacto con la empresa para traerla a Asturias, ya que es un producto que seguro que se vende solo», apunta. En España las primeras cervezas ya se han vendido en muchos establecimientos de la zona del Levante, y en las Baleares.

El empresario mexicano Rodrigo Contreras, que no llega a los treinta años de edad, acaba de abrir una fábrica para producir la bebida en Bélgica y desde ahí poder distribuirla por toda Europa. Contreras no sólo registró la marca, sino también los colores y la tipografía de la misma. Es casi idéntica a la que bebe Homer. Pero ¿cómo sabe la cerveza del padre de los Simpson? Luis Miguel Rivas responde: «Tiene un sabor muy similar al de algunas marcas españolas, y no tan fuerte como algunas extranjeras».

04/03/2008 07:52 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LAS ESTADISTICAS Y EL OSCAR

 

- Cientos de millones es el número de personas que la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas espera que el domingo siga la ceremonia en el mundo entero por televisión.

- 38,8 millones: fue el promedio de audiencia de la gala del cine en 2006 sólo en Estados Unidos, marcando una bajada del 7,8% respecto al año 2005.

- 5.830: es el número actual de miembros del colegio electoral de la Academia, que deciden los ganadores de la estatuilla.

- 3.400: es el número de asientos en el Teatro Kodak, donde se entregan los Oscar desde 2002.

- 1929: fue el año de la primera edición de los Oscar, dos años después de la creación de la Academia.

- 300: es el número de los felices ganadores de un puesto en las gradas que disponen a los lados de la alfombra roja por donde desfilan las estrellas antes de ingresar al teatro Kodak.

- 80: tenía Jessica Tandy cuando ganó el Oscar a Mejor Actriz en 1990 por 'Paseando a Miss Daisy'.

- 50: el número de estatuillas doradas previstas para la ceremonia donde premian 24 categorías. Los organizadores previenen que algunas de las lizas son ganadas por más de una persona.

- 34: es el récord de seleccionados al Oscar a Mejor Película Extranjera, el cual ostenta Francia.

- 26: el récord absoluto de Oscar recibidos es para Walt Disney. El creador de Mickey obtuvo 22 galardones por sus obras y cuatro Oscar honoríficos. Cuenta también con el récord de haber sido hasta ahora el más nominado.

- 18: es el número de hispanoamericanos nominados el año pasado. Un récord que recayó en nueve mexicanos, ocho españoles y un argentino, que marcaron también un hito al estar nominados en categorías mayores como Mejor Director, Mejor Película y Mejor Actriz Principal y de Reparto.

- 19: es el récord nada envidiable de nominaciones a los Oscar que nunca ganó el ingeniero de sonido Kevin O'Connell, en competencia por vigésima vez este año.

- 14: el récord de nominaciones en la categoría de actores, que recae sobre Meryl Streep. Jack Nicholson y Katharine Hepburn son quienes le siguen con 12 postulaciones en su haber.

- 14: el récord de nominaciones para una sola película, detentado en 'All about Eve' en 1951 y 'Titanic' en 1998.

- 12: el récord de nominaciones en la categoría de Mejor Director detentado por William Wyler.

- 11: el récord de Oscar obtenidos por una película, en el cual empatan 'Ben-Hur', 'Titanic' y 'El señor de los anillos: el regreso del rey'.

- 10: la edad de Tatum O'Neal cuando recibió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto en 1974.

- 10: el récord de victorias en la categoría de Mejor Película Extranjera, detentado por Italia.

- 6: la edad que tenía Shirley Temple cuando recibió el Oscar honorífico en en 1935.

- 5: el número de actores negros que compitieron en 2007 por el Oscar a Mejor Actor, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz, un récord para la Academia.

- 4: el número de Oscar ganados por Katharine Hepburn. Tres actores han obtenido tres estatuillas: Ingrid Bergman, Walter Brennan y Jack Nicholson.

- 4: es el récord de Oscar recibidos por un director en su carrera, detentado por John Ford.

- 3,85: es el peso en kilogramos de un Oscar.

- 3: el número de veces que la ceremonia tuvo que ser retrasada: una semana en 1938 tras las inundaciones en Los Ángeles, dos días en 1968 en respeto de Martin Luther King, asesinado pocos días antes y en 1981, 24 horas después de un intento de asesinato del presidente Ronald Reagan.

24/02/2008 01:37 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CHARLES DARWIN

Charles Robert Darwin (12 de febrero de 1809, Shrewsbury, Inglaterra - 19 de abril de 1882)

Charles Darwin, padre de la teoría de la evolución por selección natural - Después de graduarse en Cambridge en 1831, Darwin se embarcó como naturalista sin paga, a los 22 años, en el barco de reconocimiento HMS Beagle, merced a la recomendación del también naturalista John Stevens Henslow que había conocido en Cambridge, para emprender una expedición científica alrededor del mundo que duraría 5 años.

Durante el viaje Darwin estudió las aguas costeras, midió profundidades e indicó las grandes corrientes oceánicas. Abandonó el barco frecuentemente para realizar largas expediciones por tierra, durante las cuales pudo reunir gran cantidad de especímenes.

Además, contempló con asombro la diversidad de la fauna y la flora en función de los distintos lugares. Así, pudo comprender que era la separación geográfica y las distintas condiciones de vida la causa de que las poblaciones variaran independiente unas de otras.

A su vuelta al Reino Unido publicó su obra Diario del viaje del Beagle. Poco después, Darwin se había convertido en una celebridad científica. Fue elegido secretario de la Sociedad Geológica de Londres y se ganó el respeto y amistad de la élite intelectual británica: Charles Lyell, Thomas Henry Huxley y Joseph Dalton Hooker.

 

La selección natural y el origen de las especies - El origen de las especiesLa lectura del libro Ensayo sobre el principio de la población, del economista británico Thomas Malthus, permitió a Darwin completar su teoría. Según Malthus, el constante aumento de la población mundial que se estaba dando provocaría el agotamiento de los recursos naturales y una lucha por la supervivencia, que acabaría con el triunfo del más fuerte.

Para Darwin, ya no había duda. Inmediatamente desarrolló su teoría: La selección natural, en biología, es un proceso por el cual los efectos ambientales (falta de recursos, cambios geológicos, llegada de nuevas especies...) conducen a un grado variable de éxito reproductivo entre los individuos de una población de organismos con características, o rasgos, diferentes y heredables.

Esta era la causa de la variación de las especies en función de los climas y los recursos de cada lugar. Darwin argumenta que todos los seres vivos tienen una ascendencia común y las diferentes variedades y especies que se observan en la naturaleza son el resultado de la acción de la selección natural en el tiempo. La explicación propuesta por Darwin del origen de las especies y del mecanismo de la selección natural a la luz de los conocimientos científicos de la época, constituye un gran paso en la coherencia del conocimiento del mundo vivo y de las ideas evolucionistas presentes con anterioridad. Integra armoniosamente los avances contemporaneos en paleontología y geología; y sienta las bases que cerrarán el debate frente a las tesis alternativas de tipo fijista/creacionista como el catastrofismo de Georges Cuvier.

Darwin dedicó los siguientes años al desarrollo de su teoría evolucionista. Hubiera podido publicar antes, pero las dudas, el miedo a la polémica y su mala salud retrasaron la publicación, a pesar del apoyo constante que recibió de Huxley, Lyell, Hooker y su esposa Emma Wedgwood, con la cual había contraído matrimonio en 1839.

En 1858 recibió una carta de su compatriota Alfred Russel Wallace, el cual había desarrollado de un modo independiente la misma teoría que Darwin. Para evitar la polémica, decidieron publicar conjuntamente un artículo en la Sociedad Linneana titulado Sobre la tendencia de las especies a crear variedades; y sobre la perpetuación de las variedades y de las especies por medio de la selección natural.

El trabajo de Darwin tuvo una influencia decisiva sobre las diferentes disciplinas científicas, y sobre el pensamiento moderno en general. Recogió su teoría en su libro El origen de las especies, publicado el 24 de noviembre de 1859 y que se agotó el primer día en que salió a la venta. En 1871 publicó El origen del hombre, donde defendía la teoría de la evolución del hombre desde un animal similar al mono, lo que provocó gran controversia religiosa.

Otras de sus obras fueron: La variación de los animales y de las plantas bajo la acción de la domesticación (1868), La descendencia humana y la selección sexual (1871), y La expresión de las emociones en el hombre y en los animales (1872). Eran exposiciones detalladas sobre temas que sólo disfrutaban de un pequeño espacio en el Origen de las especies.

Darwin fue escogido miembro de la Royal Society (1839) y de la Academia Francesa de las Ciencias (1878). Cuando estuve a bordo del Beagle, como naturalista, me llamó mucho la atención la distribución de los habitantes de sudámerica y las relaciones geológicas del presente con los habitantes del pasado en esa parte del continente. Me dio la impresión de que estos hechos aclaraban el origen de las especies, ese misterio de misterios, como lo llamó uno de nuestros más grandes filósofos.

 

Críticas en los inicios de la teoría de la evolución - Se puede observar que lo representaban con características propias de la rama de los simios como el mentón, las cejas y la forma de su cabeza, como forma de burla a su observación de la evolución del simio al hombre actual.En sus inicios, poco después de la publicación del libro de Darwin, la evolución y la selección natural fueron ampliamente discutidas por las comunidades científicas y religiosas. Aún así, en esa época, las ideas de Darwin ya eran apoyadas por la mayoría de los científicos, siendo su mayor defensor Thomas Henry Huxley, "el Bulldog de Darwin". 

Los otros científicos que en esa época consideraban la teoría como incompleta, criticaban que esta no presentar ningún mecanismo capaz de transmitir la herencia en los seres vivos; esto ya que desconocían que Gregor Mendel había estudiado las leyes de la herencia en 1865 (teorías de Mendel que permanecieron desconocidas -incluso por Darwin- hasta el siglo XX).

Otro de los problemas a los que se enfrentó la teoría de Darwin en esa época, era la imposibilidad que tenían de conocer la edad correcta de la Tierra. Por ejemplo, según los estudios de Lord Kelvin, que posteriormente resultaron equivocados, postulaban erroneamente que la edad de la Tierra era demasiado pequeña para albergar en su historia el largo proceso evolutivo necesario por las especies naturales. Así, Kelvin afirmó que sólo mediante el diseño inteligente se podía haber alcanzado la gran diversidad biológica actual. Sin embargo, las ideas de Kelvin chocaban con la datación de la Tierra propuesta por los geólogos con base en los primeros estudios sobre la edad de diferentes tipos de rocas, y la cuestión de la edad de la Tierra era un tema de actualidad científica que sólo sería resuelto a favor de Darwin, solo tras el descubrimiento de la radiactividad por Becquerel.

En 1875 el teólogo Charles Hodge acusó a Darwin de negar la existencia de Dios al definir a los humanos como el resultado de un proceso natural en lugar de una creación diseñada por Dios.

Hoy en día, aunque en biología se consideran como correctas las ideas básicas de Darwin, las cuales conforman parte de la Síntesis evolutiva moderna (actual teoría de la evolución); aún siguen existiendo algunos lugares en los que el debate religioso-científico se mantiene, como en Estados Unidos y en algunos lugares de Australia. El creacionismo ha cambiado de estrategia y su versión más moderna ahora se llama diseño inteligente. Aunque carece de la objetividad de la ciencia, está dando una dura batalla en los sectores conservadores de los Estados Unidos para tratar de ser aceptado en la curricula escolar.

 

Los últimos años de Darwin - Darwin pasó el resto de su vida desarrollando diferentes aspectos de problemas surgidos por el Origen. Sus libros posteriores, incluyendo La variación de los animales y las plantas bajo condiciones de domesticación (1868), El origen del hombre (1871), y La expresión de las emociones en los animales y en el hombre (1872), fueron exposiciones detalladas de temas que se habían limitado a pequeñas secciones del Origen. La importancia de su trabajo fue reconocida por sus contemporáneos; Darwin fue elegido por la Royal Society (1839) y por la Academia Francesa de Ciencias (1878).

Después de su muerte en Down, se le rindió homenaje con el honor de ser sepultado en la abadía de Westminster. Y hasta nuestros días se sigue discutiendo sus grandes descubrimientos. Fuente: Universia

WIKI

Posibilidades de «wiki»

Posibilidades de «wiki»

NO, no son muchos los hawaianismos incrustados en los romances peninsulares. Alguno hay, por supuesto, y del todo asimilado. Recuerdo «tatuaje», que del polinesio «tátau» pasó al inglés «tattoo», del inglés al francés -otro gran vocero de la lengua de Shakespeare-y del francés al castellano, al catalán, sin duda al gallego. Algún otro habrá, del que ahora no me acuerdo, entre otras razones -aparte mi desmemoria-porque no se han pegado intensamente a nuestras lenguas. Pero he aquí cómo estamos adoptando uno nuevo.

Término proveniente de Hawai, sí, y que en muy poco tiempo ha devenido nada menos que planetario. Acertó usted: «wiki», que ha permitido alianza nada menos que con el griego. Esto de «Wikipedia» que por ahora reclama mayúscula inicial. No hemos tardado mucho en saber que este ya nombre propio se basa en «wiki» que en el hawaiano significa «rápido», y que en tal lengua hay que decirlo dos veces. A los occidentales nos basta con una sola. Muy afectado sonaría un «Wiki, Wikipedia». Ya enterados del significado de «wiki», tampoco era cuestión de forzar palabros como «Rápidopedia» o «Raudopedia». Por lo tanto, adopción de la alianza verbal que, además, hay que reconocerlo, suena bien y, valor añadido..., tiene el encanto de la doble «v» y de la consiguiente pronunciación a la inglesa, lo que tanto nos gusta. No, nada que oponer, nada. Sólo una pequeña consideración. Una suerte de prospectiva o futurología terminológicas basadas en no muy arriesgado cálculo de probabilidades, como está mandado.

Si ya hemos hecho cargo cabal de que «wiki» significa «rápido», ¿llegará un momento, tal vez pronto, muy muy cercano, en que «wiki» pase a lengua hablada, y quién sabe si a la escrita? «Wiki, haz esto», «Ven wiki», «¿Llegarán wiki?» No, no es tontería lo que digo. La creatividad del papanatismo lingüístico puede llegar a esto y mucho más. Pruebas no faltan. Tampoco sería de extrañar que «wiki» -adverbio- pasara también pronto -digo, «wiki»- a ser nada menos que nombre propio, máximo de mujer. Por aquello del «Vicky» ya bastante extendido por estos pagos lingüísticos, y no siempre adoptado por señoritas admiradoras de la novelista Vicky Baum. Escritora que hoy se halla en el purgatorio de los literatos, y cuya obra bien merecería un nuevo cielo en la tierra del indudable lector.

La semejanza fonética entre adverbio y nombre propio no será raro que -«wiki, wiki»- favorezca la adopción del término en el santoral profano de la modernidad. Está por ver, desde luego. Sin embargo, lo muy probable -y también «wiki, wiki»- es que los perritos y las perritas comiencen a ser «bautizados» con tal posible nombre ya propio. Sí, sí: cosas de la relinchante, piafante, galopante, trotante globalización, poco menos que casi desbocada. Globalización planetaria a la cual lo de «wiki, wiki» le va como anillo al dedo de las prisas que todos tenemos para a menudo «Ir de Ningún Sitio a Ningún Sitio», como escribió J. V. Foix en un gran poema en prosa. Enrique Badosa VOZ Y VOTO

04/02/2008 13:35 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

Maradona pidió perdón por la mano de Dios

LONDRES, Inglaterra - Diego Armando Maradona ha pedido perdón por el famoso gol que marcó con "la mano de Dios" a Inglaterra en el Mundial de México (1986), según una entrevista que publica este jueves el diario "The Sun".

"No puedo cambiar la historia", dijo el "Diez". (Bongarts / Getty Images)

"Si pudiera disculparme, viajar atrás y cambiar la historia, lo haría", admitió Maradona, quien ha visitado esta semana el Reino Unido, donde se ha sentido "muy feliz" porque los aficionados británicos le han llamado "leyenda" al pedirle autógrafos.

Hasta ahora, el astro argentino, de 47 años, nunca se había disculpado por aquel tanto, que dio por válido y sin titubear el árbitro tunecino Alí Bennaceur.

En su momento, el mítico "numero diez" explicó que consiguió el gol "un poquito con la cabeza de Maradona y un poquito con la mano de Dios".

Pese a todo, precisó el otrora delantero al periódico británico, "el gol sigue siendo un gol, Argentina se proclamó campeona del Mundial y yo fui el mejor jugador del mundo".

"No puedo cambiar la historia. Todo lo que puedo hacer es seguir adelante", zanjó el "Pelusa".

Veintidós años después de aquel partido de cuartos de final, en el que Argentina eliminó a Inglaterra por dos goles (los dos de Maradona) a uno, el fútbol inglés aún recuerda -y debate- con escozor e indignación la "diablura" del argentino.

De hecho, la enorme polémica que rodeó al "gol de la mano de Dios" ha ensombrecido en Inglaterra el soberbio tanto que Maradona marcó -esta vez "por lo legal"- en aquel inolvidable choque.

Cuatro minutos después del gol "divino", el "pibe de Fiorito" enseñaba al mundo su gran obra maestra: el tanto más bello en la historia de los Mundiales.

La jugada duró escasamente diez segundos, en los que "El Diego" recorrió sesenta metros con el balón controlado, esquivó nada menos que a seis jugadores ingleses y tocó suavemente el balón ante la salida del guardameta Peter Shilton.

EFE / Fox Sports

31/01/2008 15:55 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

Parroquianos protestan por cierre de primera cantina mexicana

¡Qué Nivel!

Por Anahí Rama MEXICO DF (Reuters)
Con cervezas en la mano, cientos de parroquianos de México protestaron el martes por el cierre de la cantina más antigua de la capital frente a la puerta cerrada del local, en pleno corazón de la ciudad.
La cantina "El Nivel," que en 1855 obtuvo el primer permiso del Gobierno para vender alcohol, fue cerrada el 2 de enero luego de que su propietario perdiera un litigio con la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), que es dueña del histórico edificio donde se alojaba la cantina.
Por sus mesas pasaron durante un siglo docenas de ex presidentes, intelectuales, bohemios mexicanos, y hasta el líder cubano Fidel Castro y el argentino Ernesto "Che" Guevara. Castro lanzó su revolución cubana desde México.
"Hoy declaramos a 'El Nivel' patrimonio cultural y etílico de los mexicanos," rezaba un cartel que los manifestantes colocaron en la puerta de la cantina, que se ubica a pocos metros de las ruinas aztecas del Templo Mayor y de la imponente catedral metropolitana.
La cantina fue bautizada El Nivel porque las autoridades solían medir en el siglo XVII la altura de las aguas de inundación de la ciudad en el edificio. Hoy un letrero cuelga sobre la persiana de metal del local que dice: "Cerrado por remodelación hasta nuevo aviso."
El propietario dijo días atrás que se encuentra buscando nuevos lugares para instalar la cantina, en donde en medio de una ecléctica decoración, viejos mapas, dibujos y borrosas fotos, los parroquianos podían disfrutar del trago de la casa: una mezcla de vodka, anís y licor de naranja.
"UNIVERSIDAD DE LA VIDA"
Habitués del lugar, muchos de ellos veteranos pero también algunos jóvenes, dijeron que la cantina es patrimonio de la ciudad y exigieron que la UNAM permita su reapertura.
"Lo consideramos recinto del saber en la universidad de la vida. ¡Mantengamos El nivel! En su barra, codo a codo, somos mucho más que dos," dijo Marco Rascón, parafraseando un poema de Mario Benedetti, al leer un manifiesto en defensa de la cantina que luego fue firmado por decenas de los presentes.
La inusual protesta fue organizada por un grupo de dueños de pequeños restaurantes que se definen como defensores con el patrimonio cultural y se autodenominan Gastrónomos Unidos por la Libertad y el Arte (GULA).
"Yo tengo 80 años y venía acá desde los 18. Ha pasado lo mismo que pasa con toda la ciudad, la van destruyendo, desapareciendo edificios históricos," se lamentó Ricardo Ruiz, un artista plástico de la zona.
Los manifestantes han pedido que, en caso de que no haya un arreglo entre la universidad y el actual propietario u otro empresario privado para reabrir la cantina, el gobierno de la Ciudad de México expropie el bar para que vuelva a funcionar.
(Editado por Pablo Garibian)
31/01/2008 15:47 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA CERVEZA MAS CARA DEL MUNDO

"Probablemente, la mejor cerveza del mundo". Seguro que todo el mundo ha oído alguna vez este pegadizo slogan de Carlsberg. Ahora, se le puede añadir este otro: "Probablemente, la cerveza más cara del mundo". Sólo que este vez no es probablemente, si no es seguro. La cervecera danesa ha creado una cerveza que cuesta 2008 coronas danesas, casi 400 dólares, en una referencia al año actual.

Si quiere degustarla, sólo se sirve en tres restaurantes de Copenague, capital de Dinamarca, y busca competir con los vinos de lujo en los restaurantes (también de lujo, por supuesto). De tan selecta cerveza se han producido tan sólo 600 botellas de 37,5 centilitros, con 10,5 grados. Carlsberg ha anunciado que en 2009 y 2010 lanzará otras botellas exclusivas, por supuesto a 2009 y 2010 coronas danesas...

EL GRAN MUSEO EGIPCIO

¿Sabías que un gran museo egipcio abrirá sus puertas en 2011?



Será un colosal edificio justo al lado de las Pirámides de Guiza, una de las principales atracciones turística de todo el mundo. Un museo que hará las delicias de los amantes del arte faraónico. Y es que se expondrán más de 100.000 piezas arqueológicas del patrimonio de Egipto. Su fecha de inauguración siempre había estado rodeada de un halo de misterio, hasta ahora.

Secretismo egipcio -
La fecha de inauguración del espacio siempre había parecido un secretismo, nunca estuvo del todo clara. En un principio, se anunció para 2010 y luego para 2012. Lo que está claro des del principio, es que promete ser uno de los museos de referencia en el mundo.

Un gran coste - El Gran Museo Egipcio es un colosal proyecto junto a la meseta de las Pirámides de Guiza. Se trata pues, de una gran inversión económica.

El Gobierno japonés concedió un préstamo de 300 millones de dólares para el nuevo museo, mientras que los 150 millones restantes deben ser cubiertos por las autoridades egipcias. Para ellas no está siendo nada fácil, pero han contado con una gran recaudación de dinero gracias a su prestación de piezas para exposiciones temporales en varios museos del mundo. Por ejemplo, han prestado partes del Tesoro de Tutankamón.

Para saciar el apetito - Para aquellos que deseen saciar su apetito de arte egipcio antes del 2011, el Gobierno egipcio inaugurará el próximo año en la zona de Fustat, al sureste de El Cairo, otro centro llamado "Museo de las Civilizaciones Egipcias". En él se expondrán un total de 50.000 piezas que relatarán la historia de los diferentes pueblos que se asentaron en Egipto: faraónicos, grecorromanos, cristianos y musulmanes, principalmente. artelista.com

23/01/2008 04:20 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

GATO HABLA EN CHINA

 

China. Lv, una señora de 70 años, oriunda de la ciudad de Changchun, afirma que Mimi, su gato, se ha transformado en una celebridad gracias a su habilidad para hablar.

"Estaba jugando mahjong en casa con mis amigas, cuando de pronto escuché que alguien me llamaba 'Laolao' (abuelita)", comentó.

"Primero pensé que era mi nieta, pero ella no estaba en casa".

Ahí fue cuando se dio cuenta que la voz no era de un ser humano sino de su adorable gato.

"Creo que Mimi aprendió a decir 'Laolao' ya que mi nieta me lo dice todo el tiempo", explicó Lv, agregando que desde esa primera palabra, Mini ha ampliado su vocabulario.

"Cuando se despierta y no ve a nadie alrededor, él suele preguntar: '¿ren ne?' (¿no hay nadie?). Mientras que, cuando estoy con mis amigas jugando mahjong, él se acerca y dice: '¿gan sha ne?' (¿Qué están haciendo?)".

La señora Wang, vecina de Lv, asegura que la pronunciación de Mimi es muy buena aunque "suena como una niña, y él es niño".

18/01/2008 12:29 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CIEN AÑOS DE TOBLERONE

La famosa tableta de chocolate Toblerone, con su característica forma triangular, celebra su centenario este mes de enero del año 2008. En 1908 se fabricó esta tableta por primera vez en Berna y aún continúa fabricándose exclusivamente en Berna-Bruennen. Esta foto de archivo,  muestra la imagen de una tableta gigante de chocolate de la marca Toblerone en la fábrica que tiene la empresa Kraft Jacobs Suchard AG (hoy Kraft Foods) en Berna (Suiza). Toblerone se vende hoy en día en 122 países del mundo. La chocolatina lleva junto con el chocolate, miel, almendras y nueces. El envoltorio es muy característico: Con forma triangular, y de diferentes tamaños. Existen tres variantes: Con chocolate con leche, con chocolate negro y con chocolate blanco. EFE

18/01/2008 12:18 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

Cacao, la semilla que cambió el color del mundo

Oriundo de América, fue en Europa sin embargo que, en sociedad con el azúcar y posteriormente con la leche, este fruto se convirtió en uno de los manjares más apetecidos por el paladar humano. Aquí en el Perú, es de excelente calidad, aromático y suave, y por eso la chocolatería peruana ya empieza a distinguirse de sus pares.

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Escribe Manuel Cadenas Mujica / Fotos de Eric Dañino / Aparecido en el #62 (Diciembre 2004) de la revista "Dionisos"

Se dice que Quetzalcoatl, protector de los aztecas y dios del aire, la luz y la vida, vio un día que faltaba alimento entre los hombres. Dispuesto a mitigarlo, viajó al país del hijo del Sol y robó una planta que ofreció a su pueblo. Esa es, por supuesto, la leyenda. Y cabe preguntarse, a la luz de ese relato, cuál sería este país del hijo del Sol. Lo cierto es que los investigadores no se ponen de acuerdo aún sobre la zona exacta de la cual es oriunda la planta de cacao, aunque no quepa duda alguna de que es una planta autóctona del Nuevo Mundo. La tesis que mayor fuerza ha cobrado indica una vasta región amazónica como la zona donde hace aproximadamente 4 mil años surgió el primer espécimen de la planta que hoy conocemos como Theobroma. Otras teorías mantienen que es originaria de Mesoamérica e incluso hay quien asegura que la zona que dio origen a esta planta se encuentra entre la parte sur del lago de Maracaibo y el río Magdalena. Fue Cristóbal Colón el primer europeo que descubrió el chocolate... ¡y nunca lo supo! El 30 de julio de 1502, Cristóbal Colón echó anclas frente a la isla de Guanajo, en las cercanías de América Central. Se le acercó una majestuosa piragua con un jefe azteca que ofreció a los blancos hermosas armas, tejidos y también unas curiosas almendras. Le explicó a Colón que eran muy importantes para ellos, ya que constituían la moneda del país y, además, permitían preparar una bebida muy apreciada por los indígenas. Días después, la pequeña escuadra de cuatro carabelas alzó la vela nuevamente hacia Europa. Cristóbal Colón y sus marineros no sospecharon que habían tenido entre sus manos “habas de cacao” y que éstas serían un día muy apreciadas en el mundo entero. Diecisiete años más tarde, Hernán Cortés emprendió la conquista de México. Apenas desembarcaron, alistándose para el combate, con gran sorpresa vio que el emperador Moctezuma y sus vasallos lo recibían cordialmente. Víctimas de la leyenda, creyeron ver en Cortés la reencarnación del bondadoso dios Quetzacoatl, que de acuerdo con la tradición, había abandonado ese país anunciando que volvería algún día. Lo propio le sucedería a los seguidores de Atahualpa con Pizarro. El acogedor emperador cubrió de riquezas al conquistador y le ofreció la plantación real de cacaoteros, cuyas habas se utilizaban como monedas. Con buen sentido de los negocios, Cortés consiguió que le cambiaran los granos de cacao por oro, metal que era indiferente para los indígenas, en tanto que los frutos del cacao eran objeto de una verdadera devoción. Los nobles indígenas lo consumían en forma de bebida a la que llamaban “tchcolatl”, nombre que evocaba el ruido del molino que sirve para hacer la mezcla, y de “atl”, agua. La bebida se condimentaba con ají, pimienta y otras especies. A falta de buen vino de España, los soldados trataron de acostumbrarse al cacao; pero la bebida azteca no tenía más que un lejano parecido con los sabrosos chocolates de hoy.

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Azúcar y chocolate, secreto de convento

Los europeos que llegaban a buscar fortuna en México se dieron cuenta rápido de la riqueza que podía ofrecerles el cacao y desarrollaron plantaciones, paralelamente a la introducción en las Islas Canarias del cultivo de la caña de azúcar. Estos dos productos se unieron luego para formar una deliciosa bebida: el chocolate. Unas religiosas de Oaxaca mejoraron la receta. Preparaban una sabia mezcla de jugo blanco de maíz tierno, cacao y azúcar, que perfumaban con plantas aromáticas, vainilla, almizcle o ámbar gris. Caliente o frío, el chocolate gustaba cada vez más. La corte española mantuvo la preparación de esta bebida a nivel de secreto de estado, y sólo los monjes conocían el procedimiento para convertir el fruto del cacao en chocolate. Esta bebida era ampliamente usada por ellos, ya que la iglesia consideraba que no rompía el ayuno, además de volverse sumamente popular en España. La corona española logró mantener este secreto durante aproximadamente un siglo. Ciertos historiadores indican que el viajero italiano Antonio Carletti descubrió el secreto y lo llevó a otras naciones europeas, mientras que otros dicen que dicha popularidad se debe a que la infanta María Teresa de España, al casarse con Luis XIV de Francia, el Rey Sol, le entregó a éste el secreto de la preparación del chocolate como regalo de bodas. La pareja real instauraría entonces en la corte francesa la costumbre de tomar chocolate. Una tercera versión, coincide en que Francia fue el segundo país en recibir el chocolate, pero difiere en la manera, pues asegura que sólo cuando la Facultad de Medicina de París le otorgó el visto bueno y que la reina Ana de Austria, esposa del rey Luis XIII la nombrara “la bebida oficial de la corte francesa”, en el año de 1615, ésta se convirtió verdaderamente en un suceso.

Llega la leche y el chocolate en barra

En 1657 un ciudadano francés radicado en Londres abrió en Queen´s Head Alley una tienda llamada “The Coffee Mill and Tobacco Roll”, en la cual se comenzaron a vender las pastillas sólidas de chocolate para preparar la bebida en Inglaterra y se considera históricamente como el verdadero punto de partida de su popularidad en Europa. Como consecuencia de esta popularidad, el gobierno británico estableció un impuesto que le daba al chocolate un precio equivalente a 3/4 de su peso en oro. Por esta razón, el chocolate era una bebida que sólo podía ser costeada por la alta sociedad. Los suizos comenzaron a fabricar chocolate a mediados del siglo diecinueve cuando Daniel Peter, al tratar de mezclarlo con leche para hacerlo más cremoso, tuvo problemas, ya que el agua contenida en el chocolate no permitía una emulsión uniforme. Luego de 8 años de experimentos infructuosos, le presentó la idea a un fabricante de leche evaporada de nombre Henry Nestlé, quién tuvo la idea de mezclar leche condensada azucarada con cacao, iniciando así la fama del chocolate suizo. En el año de 1828, C. J. Van Houten, un maestro chocolatero holandés, inventó la prensa de cacao, instrumento que se utilizaría para obtener la manteca de cacao, quitándole a éste su acidez y amargura tradicional. El chocolate sólo se consumió en forma líquida en Europa hasta 1879. Rodolphe Lindt tuvo la idea de agregar de nuevo la manteca de cacao procesada a la mezcla, permitiendo así que el chocolate pudiera ofrecer una textura sólida y cremosa a la vez, que fuera crocante al morderlo para que luego, se derritiera en la boca. Esta presentación tuvo su auge durante la Segunda Guerra Mundial, ya que proporcionaba a las tropas aliadas un excelente alimento, a la vez que ocupaba muy poco espacio al transportarlo. Terminada la segunda guerra, se afianzó el mercado para el chocolate en barra, ya que las tropas, de vuelta en casa, deseaban seguir consumiéndolo.

El chocolate vino a Perú para quedarse

¿Y aquí, en el Perú, hubo chocolate? Aunque se sabe que el origen del cacao es amazónico, no se conoce dónde fue domesticado. Algunos defienden su domesticación en Sudamérica, pero otros estudiosos no encuentra evidencia de esto, porque los ancestros salvajes del cacao de Centro América son diferentes genéticamente a los sudamericanos, cuya subespecie T. cacao spaerocarpum tiene forma de un melón liso en contraste a la mesoamericana, alargada y acanalada. Sin embargo, hay quienes también aseguran que en el Perú antiguo existía el cacao, que los incas lo conocían muy bien, pero que al haber llegado los españoles primero a México, se impuso el origen mesoamericano e incluso el término con el que se le conoce, como ocurrió con otros centroamericanismos tales como camote o cacique. La razón por la cual no se popularizó ninguna bebida con el cacao, a entender de Rafael Ariansen, es que al ser una bebida amarga (ya hemos visto que recién cuando llega a Europa se asocia con el azúcar), se prefirió en el antiguo Perú la sabrosa chicha en sus múltiples variedades (léase el artículo dedicado a la famosa bebida nacional en Dionisos N° 60, setiembre de 2007). Como fuere, lo cierto es que muy temprano el cacao llega al Perú y el chocolate alcanzó gran popularidad en nuestro país gracias a que la iglesia consideró que su consumo no rompía el ayuno y a su adaptación como bebida oficial de los reyes y de la corte española. Desde entonces, se ha convertido en un importante productor de cacao. Si bien no en cantidad (los principales países productores de cacao son: Costa de Marfil con 39%, Ghana e Indonesia con 13% y Brasil con 10%; le siguen, Nigeria con 5%, Camerún y Malasia con 4%, República Dominicana y Colombia con 2%, Nueva Guinea, México y Ecuador con 1%; después está Perú con 0.9%), sí en calidad: el cacao peruano es del tipo aromático, caracterizado por su alto contenido de grasa, que le confiere un alto valor comercial en el mercado internacional. Además, es actualmente el segundo productor mundial de cacao orgánico, después de República Dominicana. Las zonas productoras de cacao más importantes del país se encuentran en las regiones de Cusco y Ayacucho, que producen el 65.9% del total nacional, seguido por las regiones de Junín, Huánuco y Cajamarca que en conjunto producen el 27% del total. Por lo demás, sabemos bien que en el Perú la chocolatería se ha desarrollado industrialmente con mucho vigor desde hace más de un siglo, pero sobre todo en los últimos años en que, aprovechando la calidad del insumo nacional, importantes empresas de Lima y el interior del país han desarrollado líneas de chocolates con carácter y calidad gourmet, a tono con la demanda mundial.

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El potencial del chocolate peruano

La profesora Ivette Aliaga, del Instituto de los Andes, con veinte años de experiencia con los chocolates, se ha especializado tanto que en enero del 2008 lanzará al mercado europeo su propio chocolate, llamado Chocotuntas. Ella tiene puesta su confianza en la calidad del cacao y el chocolate peruano. “El cacao peruano es muy bueno, suave y aromático, que está siendo usado mucho en Europa como insumo. Imagínate que nosotros estamos utilizando acá el chocolate belga con su sello de cacao peruano. Nos están devolviendo el chocolate con nuestros insumos”. Entre las distintas calidades de cacao que existen en el Perú, ella prefiere el cusqueño. “Es un cacao criollo de ceja de selva, más aromático. Hay otros pero tienen mucho tanino, entonces no son aptos para hacer el chocolate que nosotros necesitamos. Igual, el cacao peruano en general es muy aromático y ligeramente más suave. El cacao es una semilla que cuando la tuestas es amarga, pero tiene el encanto del café. El chocolate no solamente tiene el poder de hacerte evocar momentos felices, sino que científicamente está probado que tiene el poder de hacer que las personas se sientan contentas”. Otro aspecto que enriquece la perspectiva del chocolate en el Perú es la gama de insumos con los que se le puede acompañar. “En Europa van mucho a lo exótico, a los nuevos sabores y texturas. Y acá tenemos un paraíso, una gama de insumos de lo más variados. Estamos haciendo rellenos en base a una mermelada de ají, que se acompaña con un poquito de pimienta. Por otro lado, tenemos una variedad tremenda de frutas, como el aguaymanto, la carambola, toda clase de cítricos, incluido el maracuyá, el tumbo, que le dan sabores muy ricos y especiales”. Y, por supuesto, está la creatividad en la presentación. “Los bombones no sólo se hacen cerrados y tapaditos, también se hacen abiertos o directamente las frutas bañadas en chocolates. Aquí verás algunas frutas bañadas en chocolate en un recipiente que también está hecho en chocolate, unas canastitas para que vean cómo ha sido moldeado el chocolate a mano. Todos son trabajos hechos a mano. El chocolate se puede trabajar, se puede moldear”.

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Chocolatería, una ciencia muy exacta

Uno se pregunta, ¿y cómo se hace para llegar a tal destreza en el manejo de un alimento, al punto de poder crear verdaderas filigranas? Es un proceso muy delicado y exacto que empieza, primero, escogiendo el chocolate apropiado, elaborado en base a un buen cacao. “Ante todo, hay que ver la textura. Cuando muerdes un chocolate tiene que partirse con un ligero sonido, hacer un ‘crack’, tener un crocante. Te ofrece una pequeña resistencia, pero inmediatamente se rompe. Hablamos de un chocolate en pasta, ya preparado. Si estoy degustando un bombón, primero debo ver cómo se parte. No tiene que ser duro, pero tiene que partirse haciendo un ‘crack’. Otra cosa importantísima en un buen chocolate es que en cuanto lo tengas en la boca se disuelva. No se necesita masticar, inmediatamente se debe disolver. El chocolate se disuelve a 26° grados de temperatura”. Para trabajarlo, lo primero que se debe aprender es a derretirlo. Parece cosa simple, meter fuego y ya, pero no lo es. “Derretir el chocolate y poder moldearlo, pero en cosas básicas. Lo básico es trabajar con moldes, hacer trabajos con figuras huecas como los huevitos de chocolates. Conforme se avanza, se aprende a pintar el chocolate. Una vez que se sabe moldear se empiezan a hacer trabajos a mano. Ahí, el único límite del chocolate es la imaginación. Puedes hacer lo que quieras”. Igual sigue sin resolver el misterio del derretido. “Para derretir el chocolate sólo se puede llegar hasta los 50 grados, después se puede quemar. Usamos el baño María, una tacita con agua debajo. Para trabajar, la temperatura del chocolate tiene que estar siempre en 33 grados. Es algo muy exacto, se debe usar termómetro, si está a la temperatura adecuada puedes estar una hora y no se pone duro. Pero también te das cuenta por la temperatura de tu piel, el chocolate tiene que estar más o menos a la temperatura corporal”. Eso es válido para los chocolates bitter, mas no para los de leche o blancos. “El chocolate de leche necesita uno o dos grados menos, a 31 grados. Y a 30 el chocolate blanco. Si quieres un buen resultado, se necesita gran precisión, porque si se te pasa la temperatura, inmediatamente reacciona y vas a tener manchas, brillos, y no es que el chocolate esté brillando bonito, sino que la grasa sale a la superficie. Queda disparejo, aunque no afecta el sabor”. ¿Y en verano? “Eso es lo bueno de ser peruanos, trabajamos con todos los climas. Una vez vi a un chocolatero que no quiso trabajar porque era verano. Lo ideal es tener un lugar con aire acondicionado, claro. Acá en el Instituto tenemos lugares especiales, pero nosotros no le tenemos miedo a nada, eso es lo bueno de los peruanos”.

Tipos de chocolate

Chocolate Bitter: Chocolate puro, amargo porque no debe tener azúcar, deja sentir el verdadero sabor del cacao y conocer su calidad. Se compone de pasta de cacao y manteca de cacao.

Chocolate de Leche: Tiene pasta de cacao, manteca de cacao, leche y un poco de azúcar.

Chocolate Blanco: Tiene manteca de cacao, leche y azúcar, pero no tiene pasta de cacao. En realidad, es más nombre “chocolate” que chocolate mismo, porque no tiene pasta de cacao.

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NOCHE BUENA MAS BUENA

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He aquí una propuesta para cenar la víspera de Navidad sin recurrir al eterno expediente del pavo y el puré de manzana.

Escribe Manuel Cadenas Mujica / Fotos de Eric Dañino / Aparecido en el # 62 de la Revista "Dionisos", Diciembre 2007

Según se le mire, preparar la cena navideña puede ser un acto celebratorio o una tediosa tarea. Trabajosa siempre será, porque amén de que no ha de ser jamás un menú cualquiera, de entrecasa, son también muchos los detalles que han de conjugarse perfectos a medianoche del 24 de diciembre. Pero si a esa laboriosidad se le suma, además, la rutina insustancial, se perderá sin duda parte del encanto que tiene de por sí la Noche Buena. Por eso, en el Instituto de los Andes, nuestros aliados a la hora de imaginar nuevos horizontes para el paladar de los lectores de Dionisos, el chef y profesor Carlos Otero dispuso sobre la mesa una alternativa para la Navidad del 2007. No se dejó arrastrar por las corrientes novoandinas ni tampoco optó por sofisticaciones de la noveau cuisine, sino que más bien se remitió a los recuerdos de infancia, a los sabores de siempre, pero con ímpetus renovadores.

Tentación incomparable

“Hay que salir de lo tradicional, o dejar utilizarlo como un toque adicional. Hemos trabajado para esta ocasión el cerdo, que es delicioso, y postres diferentes: no el tradicional “cielo” o el panetón, porque podemos hacer un bizcocho de frutas o también un turrón navideño helado. Como acompañamiento haremos una especie de Charlotte salada en la que en vez de bizcotelas habrá unos cilindros de jamón rellenos. Al centro una ensalada tipo rusa pero con manzana y coco rallado. Son alternativas diferentes para no estar en lo mismo de siempre: el eterno puré de camote o manzana y el pavo”. No es que el pavo resulte algo demasiado complicado. “El problema del pavo se puede solucionar porque aunque la carne es muy seca hay formas de ablandarla y de que sea jugosa. Yo, por ejemplo, le inyecto jugo de naranja con limón y un poco de pisco, cosa que cuando salga del horno esté jugoso, sobre todo en la pechuga, que a veces no sabe a nada”. Pero el lechón resulta una tentación difícil de comparar. “El cerdo es mucho más rico, más sabroso, lo podemos hacer de mil maneras y en esta ocasión lo prepararemos medio dulce, con guindones”.

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No es una fórmula de origen definido la que propone, por si alguien está rebuscando recetarios. “Cada uno crea sus propias recetas y va adaptando recetas conocidas”. Pero se busca siempre en Navidad un toque dulzón. “En esta fiesta buscamos ese toque de la fruta unida a sabores especiados, básicamente frutas secas, por ejemplo el chanchito con guindones, la Charlotte con toque de pecanas, algo de coco rallado, manzanita, siempre el toque medio dulce”. En este caso, el trabajo no se hará sobre un lechón completo, sino con un lomo de cerdo, “¿Por qué? Porque lo voy a abrir para rellenarlo. Lo ideal es un pedazo grande para abrirlo. Normalmente el lomo de cerdo es pequeñito, así que puede ser también el corte conocido como ‘chuleta deshuesada’. Se abre y se rellena, cosa que una vez preparado, a la hora de cortarlo queda adentro lo oscuro del guindón, que es tan rico”. Debe ser, por supuesto, cerdo fresco y desgrasado con mucho cuidado.

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Los acompañantes

Cuando hablamos de un Charlotte nos referimos al clásico postre de origen francés llamado paradójicamente Charlotte Rusa. “Su característica es estar rodeado de bizcotelas. En este caso he hecho una variación salada, y en vez de bizcotelas haré unos rollitos de jamón rellenos con palmitos. Todo va cubierto con colapez, cosa que el rollito va teniendo consistencia. Formaré mi Charlotte poniendo todo al borde. A la hora de armar el plato, veremos por afuera los filitos paraditos brillantes de jamón. Al centro estará la ensalada de papa con verduritas, manzana, pecanas, coco rallado”.

Sin mirar la mesa, uno puede ver desde ya los típicos colores navideños. Ese detalle no podía escaparse. “Incluso a la hora de armar y decorar, me gusta ponerle en la punta de cada jamón un marrasquino, como si fueran velitas o algo así. Se ve muy bonito y es muy rico”. Como decíamos, trabajosa siempre será la cena navideña y la espera desespera. Por eso, la propuesta es mitigar tanta antesala con algunos piqueitos. “A veces nos pasa  que estamos con hambre y no sabemos qué picar. Entramos a la cocina y nadie se preocupa de hacer un piqueito, algo rico. Así que voy a preparar unas bolitas de almendras con queso fritas que nos ayuden a llegar a las doce. Claro, nada muy fuerte porque sabemos que nos espera una cena contundente. Son unas bolitas de queso tipo edam con almendras claras, se fríen y nos queda algo esponjoso, ligero, rico a la vez, que nos va ayudando a esperar la Noche Buena”. Sorteado este inconveniente, se pasa a la elaboración del postre. “Propongo como postre un turrón con reminiscencias más bien al turrón español tradicional de almendras, con miel de abeja y demás, pero convertido en una especie de mousse adicionado de guindones, pecanas, higos y pasas. En España se sigue comiendo el tradicional turrón navideño. Con esa idea es que creé este postre”.

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Consejos finales

¿Cómo acompañar esta cena, en qué virtuosos vinos remojar tales manjares? “Generalmente en las cenas navideñas lo más recomendable es un vino blanco. Y si fuera tinto, un vino ligero, porque generalmente tenemos mucha comida, pavo o chancho y además arroz, puré, etcétera. Se come en exceso”.

(Paréntesis aquí para seguir con las bebidas: las guarniciones clásicas no están ajenas a la preparación propuesta, asegura Carlos, “porque al peruano si no le das arroz, pierdes. Deberá ser un arrocito tipo navideño: arroz árabe, arroz con frutas, hay un sinfín de formas de prepararlo. Yo incluso tengo un arroz gracioso, muy sencillo: un arroz graneado que después lo pongo en un molde con forma de árbol navideño, pongo una capa de arroz recién preparado con un poquito de mantequilla y crema de leche, que quede más o menos blanco, luego una capa de arvejas cocidas, otra de jamón, mozarella, y cubro con otra capa de arroz; lo prenso bien y lo volteo inmediatamente. Se convierte en una especie de pastel donde el arroz no está seco; además tienes el blanco, el verde y el rojo de Navidad”). Vuelta a los vinos, Sauvignon es lo recomendable. “Y por supuesto seco, nada de vinos dulces. Si a alguien le gusta los tintos que se tome un Merlot, algo suave, no puede ser uno fuerte. Puede ser un rosado también, ahora hay mucha más libertad para la elección del vino. Además, siempre tomamos Champagne antes y después de la cena, eso ya es una tradición. Y el champancito es rico con el postre”. Sobre la alucinante tradición del chocolate caliente, Carlos no le encuentra sentido a tomarlo caliente un 24 de diciembre, con 24 ó 25 grados de temperatura ambiente. ¿Alguna opción más refrescante? “Claro, se puede perfectamente tomar un Ice Chocolate o algo así. De chico siempre me gustaba desayunar el 25 con chocolate, pero helado, lo que quedaba en la jarra en la refrigeradora, de frente a mi vaso y qué rico era. Pero yo particularmente eliminaría el chocolate: tenemos más que suficiente comida”. Las recomendaciones finales son “una bonita presentación, que sea un mantel rojo, verde, floreado, con un tema navideño. Lo importante es tener todo en orden y todo a la vez. No hay cosa peor que la persona encargada de la cena esté metida en la cocina y espere hasta la última hora para cenar. Si se tienen listas las cosas, uno se va tranquilo a festejar con los suyos. Porque esa es la parte más importante: estar con los seres queridos, pensar en el Dios que nace, algo que a veces dejamos de lado. Demos gracias a Dios por habernos dado a su Hijo y por estar con los nuestros disfrutando una cena que nos ha costado trabajo pero también una gran alegría prepararla”.

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07/01/2008 19:44 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL BUS DEL ARTE

¿Sabías que hasta un autobús puede convertirse en galería de arte?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La idea fue planteada por las historiadoras del arte Ariadna Ramonetti y María Fernando Sales con la intención de crear un espacio artístico no convencional. Galería Trolebús ha contado con la presencia de 15 artistas.

Regalo de Japón - En el año 2000, el Gobierno japonés regaló al mexicano 15 viejos autobuses para que fueran utilizados como espacios culturales. El proyecto no tuvo mucho éxito, pero gracias a la ilusión de Ariadna Ramonetti, tres años después, uno de estos buses se convertía en un espacio de arte sin ánimo de lucro.

Experimentación artística - El objetivo de esta iniciativa es que Galería Trolebús se constituya como un lugar para la experimentación artística que estimule el diálogo entre productos y receptores, fomentando el consumo intelectual y adquisitivo del arte actual.

Los que suben al bus - Los invitados a subirse al bus como artistas son pertenecientes a la escena contemporánea mexicana. Participan exponiendo de manera individual dentro del Trolebús o interviniendo en su fachada.

Envuelto de algodón de azúcar - Uno de los proyectos que se realiza corre a cargo del artista Visual Mauricio Limón. Consiste en transformar el espacio galerístico a través de saturado de algodón de azúcar. La acción se titula "A Big Fellow too". La intervención intenta recrear un ambiente azucarado, explotando así las posibilidades escultóricas de un dulce placero. Una serie de luces amplia en el Trolebús el espectro cromático. Además, diversas fotografías se exponen dentro de este bus envuelto en azúcar.

Arte hasta en el retrete - El caso del Trolebús no es único, el arte ya no se encuentra solo en los museos o galerías. Pablo León, un comisario y artista mexicano, fundó un galería de arte en el baño de un bar londinense dónde trabajaba como camarero, "George & Dragon". Por las cuatro paredes de "White Cubicle Toilet Gallery" han pasado artistas como Federico Herrerro y Deborah Castillo. Fuente: artelista.com

03/01/2008 20:51 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PUTIN, EL PERSONAJE 2007 SEGUN TIME

 

WASHINGTON (Reuters) - El presidente ruso, Vladimir Putin, fue nombrado el miércoles "Personaje del Año" del 2007 por la revista Time, por llevar estabilidad y un renovado estatus a su país, aunque a un costo para los principios democráticos.

Putin, ex agente de la KGB que fue sacado del anonimato en 1999 por el entonces presidente Boris Yeltsin, aparecerá en la portada de una edición especial de Time como la persona que los editores de la revista creen que ha tenido mayor impacto en los acontecimientos de este año, para mejor o para peor.

"No es un buen chico, pero ha hecho cosas extraordinarias," dijo el editor jefe de Time, Richard Stengel, quien anunció la elección de Putin en el programa "Today Show" de la NBC. "Es el nuevo zar de Rusia y es peligroso en el sentido de que no le preocupan las libertades civiles, no le preocupa la libertad de expresión, se preocupa por la estabilidad.

Pero es estabilidad lo que Rusia necesita y es por eso por lo que Rusia lo adora," añadió. La elección llega días después de que Putin anunciara un plan para seguir aferrado al poder al término de su mandato. Putin dijo el lunes que si su aliado Dmitry Medvedev gana las elecciones presidenciales, él sería primer ministro.

Putin derrotó a varios rivales, incluyendo el ex vicepresidente estadounidense Al Gore, quien era la segunda opción de Time, a la autora británica J.K. Rowling, al presidente chino Hu Jintao y al comandante de Estados Unidos en Irak David Petraeus. (Reporte de David Morgan, editado en español por Gabriela Donoso)

24/12/2007 13:01 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS ZURDOS

¿Sabías que muchos de los grandes artistas de toda la historia son zurdos?

 

 

 

 

 

 

Miguel Ángel, Raphael, Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Hans Holbein, Paul Klee, Henri de Tolouse-Latrec, Paul Rubens, Pablo Picasso...Todos ellos eran zurdos. ¿Casualidad? No, los científicos afirman que tienen más facultades artísticas que los diestros.   El hemisferio cerebral derecho está especializado en el dibujo, y es esta parte la que controla la mano izquierda. Se considera que la razón de ser zurdo es que las conexiones cerebrales están cruzadas: el hemisferio derecho controla la parte izquierda del cuerpo, y el otro, la parte derecha.  

Más habilidades artísticas - Al hemisferio derecho, se le atribuyen las cualidades espaciales y visuales ( la facultad de imaginar en el interior figuras y formas ), la creatividad, las emociones y el talento artístico. Así que se dice que los zurdos tienen más facultades artísticas. Y si nos fijamos en algunos ejemplos vemos que es una teoría que se lleva a la práctica; muchos grandes artistas coinciden en el hecho de ser zurdos: Albrecht Dürer, M.C. Escher, Hans Holbein, Paul Klee, Michelangelo, LeRoy Neiman, Raphael y Leonardo da Vinci, entre otros.  

No lo han tenido nada fácil - Se calcula que el 10% de la población es zurda. Pero hasta hace algunos años la zurdera se consideraba una enfermedad, un problema de salud. Incluso los zurdos eran severamente discriminados y golpeados durante los siglos XVIII y XIX, y en su edad adulta tenían menos posibilidades de casarse y de reproducirse, fenómeno que declinó en el siglo XX, lo que permitió que los zurdos no tuvieran que convertirse en ambidiestros.  

Y no sólo se les ha perseguido sino que hay sugerencias de la relación entre la zurdera y la dislexia, tardamudeo, y autismo del niño, entre otras discapacidades. Muchas de estas causadas por tratar de convertirlos en diestros.   Muchos quieren ser como ellos - La doctora Edwards, quien sostiene la teoría que el hemisferio cerebral derecho está especializado en el dibuo, ha escrito un best-seller " Nuevo aprender a dibujar con el lado derecho". En él explica cuáles son los métodos para aprender a dibujar con el hemisferio derecho. Millones de personas ya han aprendido a dibujar siguiendo los consejos de la doctora. fuente: artelista.com 

Autoretratos de Albrecht Dürer, Pablo Picasso y Henri de Toluse-Lautrec.

WHISKY ULTRA PREMIUM

 

DOS LICORES NOBLES SE UNEN PARA DAR VIDA A CROWN ROYAL CASK No. 16 El Resultado: Un Whisky Ultra Premiun Con Acabado Coñac

Crown Royal presenta la más nueva adición a su renombrado portafolio con la llegada del ultra-premium Crown Royal® Cask No. 16.TM. Resultado de la combinación de dos nobles y grandes tradiciones, el Cask No. 16 ofrece una mezcla de whisky artesanal madurado en raros barriles de Coñac.

Poniendo meticulosa atención en cada aspecto de la elaboración del nuevo licor, incluida la exquisita selección de los barriles de Cognac, el Maestro Catador de Crown Royal, Andrew MacKay, suma la refinada esencia de fino Cognac a la rica tradición y sabor único de Crown Royal que ofrece balance perfecto del carácter del whisky y la delicadeza roble frutal del Cognac".

La creación de Crown Royal Cask No. 16 empieza con una mezcla única de más de 50 whiskies individualmente añejados. Una vez mezclados, el nuevo whisky es colocado en barriles franceses auténticos, hechos con maderas de los bosques Limousin en Francia. Cada uno de estos barriles es excesivamente raro y es marcado con el número "16" que representa su lugar de origen. El acabado Cognac se combina con la mezcla de Crown Royal para formar un exquisito y persistente licor que tiene un complejo pero balanceado sabor y aroma inicial ahumado con notas sutiles de rica fruta seca.

Ideal para un regalo especial que quiera causar una buena impresión, Crown Royal Cask No. 16 estará disponible por 0.00 (precio sugerido de menudeo).

15/12/2007 23:28 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL ARTE DEL TELEFONO

 ¿Sabías que con el teléfono móvil también se puede hacer arte?

El móvil se ha convertido en la gran estrella del siglo XXI, en ese pequeño aparato que siempre nos acompaña allá donde vayamos. Antes sólo lo usábamos para hablar, ahora sirve para infinidad de cosas. Tiene utilidades que ni siquiera nos podíamos imaginar. Allan Paris, un profesor de arte escocés, lo utiliza para pintar. No necesita lienzos, dibuja sus obras en un móvil multimedia de pantalla táctil.

Nuevas formas de arte - Antes lo normal era pintar sobre lienzos. Pera ahora, para algunos, este soporte ya ha quedado anticuado. Para Allan Paris, por ejemplo. Seguro que muchos se preguntarán cómo es posible pintar un cuadro en un móvil.

¿Cómo? - Primero, hay que contar con un programa de diseño. Los equipos más avanzados lo permiten, como por ejemplo, Palm Treo, o Ipack, que tienen pantalla táctil y un pequeño lápiz. Luego, la obra de arte puede enviarse por correo electrónico para poder imprimirla, tanto en su propia impresora, o en las casas de fotografía, en el papel que uno desee. Paris acumula colores y alcanza una gran variedad de efectos seleccionando el tamaño más pequeño de puntero y cuando su dibujo está completo, se lo manda a sí mismo por correo electrónico o lo imprime en papel.   Y... con éxito -

Las pinturas del profesor de 49 años del artista ya han causado sensación entre sus seguidores. Ha expuesto sus piezas en una galería escocesa y ya ha recibido encargos para pintar piezas de un lujoso hotel. Allan Paris tiene claras las ventajas que supone pintar con un teléfono móvil: "Me encanta la idea de ser capaz de pintar en mi teléfono móvil mientras estoy de vacaciones y tener recuerdos", señala el pintor. Afirma que "Todo comenzó pintando en mi teléfono y me entusiasmaron los efectos que podía conseguir". Fuente: http://www.artelista.com/ http://gerencia.blogia.com/

04/12/2007 21:32 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

BOB DYLAN, EL PINTOR

 

 

 

 

 

 

 

 

"The answer, my friend, is blowing in the wind". Y la respuesta es que sí, es cierto. Conocido mundialmente como uno de los grandes genios de la música rock del siglo XX, Bob Dylan nos sorprende ahora con otra faceta artística: la pintura. Un museo alemán acaba de inaugurar la primera exposición de la estrella de Minessota.  

La muestra - "No puedo recordar haber estado jamás sin pintar desde mi época de escuela", señaló Bob Dylan en una reciente entrevista a la revista alemana Art. Sin embargo, jamás se había realizado una exposición de sus obras. Se trata de 140 acuarelas inéditas que se exponen en el Museo de Colecciones de Arte de Chemnitz, ciudad de Alemania hasta el 3 de febrero. En este recinto también se han mostrado obras de artistas tan consagrados como Picasso o Tolouse-Latrec.  

Bajo el título "The drawn blank series", Bob Dylan expone retratos, bodegones, interiores, paisajes, desnudos... Para esta exposición, Dylan imprimió digitalmente sus dibujos, coloreándolos luego con acuarela y témpera. A lo largo de 8 meses de trabajo surgieron así 320 pinturas que cubren una amplia gama temática, 175 de las cuales se pueden ver en la exposición.  

Su afición no era un secreto - El interés de Bob Dylan por las artes gráficas sorprende pero no era un secreto. La inclinación plástica del genio viene de lejos. Ya en los años 70, un dibujo suyo ilustró la carátula del álbum "Self Portrait", un autorretrato que como él dice, lo realizó en 5 minutos. En 1994 incluso se publicó un libro con dibujos realizados durante giras de conciertos entre 1989 y 1992. Se trata de bosquejos a carbón y lápiz, de trazo claro y preciso.  

Ya lo decía Cohen...  El poeta y cantante Leonard Cohen, sin conocer la faceta pictórica de Bob, afirmó en 1988 algo que ahora parece curioso: "Dylan es como Picasso, con esa exhuberancia, variedad, y asimilación de la historia de la música.  

Éxito en la sala - Bob Dylan no acudió a la inauguración de su exposición en Chemnitz, porque estava dando un concierto en Chicago. Su ausencia, sin embargo, no apagó el interés del público ni el de la prensa internacional. Y menos el de los seguidores que tienen ahora la ocasión de conocerlo desde otra perspectiva.   FOTO 1. Imagen de la portada del álbum "Self Portrait" dibujada por Bob Dylan. - FOTO 2. Otra de las pinturas de Dylan. - FOTO 3. "Man on a bridge", pintura de Dylan.

27/11/2007 07:27 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

¿Ya vieron la DIONISOS 61?

¡Sabrosa lectura!

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Ya decía yo que me olvidaba de comentarles cómo viene la "Dionisos" de noviembre, aquella revista dedicada al "placer de la buena vida" que tiene predilección por el Instituto de los Andes y sus talentosos estudiantes. Pues bien, su colorido número 61 trae una exploración periodística tras las huellas del Pisco Punch, un legendario coctel a base de Pisco que se volvió muy popular en la vieja San Francisco. En su sección "Entre Copas", dedicada a la gente y los eventos destacados, se puede ver una reseña ilustrada con dos fotografías captadas durante el 59 Festival de Gastronomía. ¿Saldrás en ellas? Pues, ¡corre a buscar tu ejemplar! También leímos con hambriento interés la crónica "El Lomo con el que todos soñamos", elaborada en base a una visita a la clase de Cocina Peruana en el Instituto reservada al Lomo Saltado y sus variantes, con imágenes captadas al momento. ¡Imperdible! Asimismo, encontramos la ahora famosa leyenda de "Achicay, la Bruja Cocinera", recopilada por el Ing. Jaime Ariansen, un artículo sobre el vino y sus sabores, la segunda parte de "La Historia del Té", ahora rumbo a Occidente. En su sección que marida el cine y la gastronomía encontramos un vistazo al caldero de dos brujas-cocineras de la pantalla, su esperada sección "Buena Mesa", con consejos dietético-nutricionales y finalmente la tercera entrega de su "Dionigrama", puro "alimento para la mente". Ahora... ¡a comer!

26/11/2007 22:17 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

TIZIANO Y SU SEPULTURA

 

La muerte es a menudo un tema tabú para muchos, impone respeto y no resulta agradable hablar de ella. Sin embargo hay gente que la afronta con serenidad. Este es el caso del famoso pintor italiano Tiziano Vecellio quien realizó la obra "La Piedad" para decorar su sepultura. Aunque finalmente la pieza no lo acompañó a la tumba, es sorprendente que alguien quiera decorar su propia muerte.  

Todo preparado - Tiziano había elegido como lugar de su enterramiento la capilla de la Crucifixión de la iglesia de Santa María dei Frari y como pago por la tumba, ofreció a la comunidad franciscana una pintura de la Piedad, que sería al final su última obra. En la Piedad se retrató a sí mismo y a su hijo Horacio ante el Salvador, acompañados de una sibila. Cuando el lienzo estaba a punto de ser terminado, surgieron algunas diferencias por la escena y Tiziano decidió ser enterrado en su pueblo natal.  

La Piedad no acompañó a Tiziano - Tiziano rondaba los noventa años cuando la peste negra asoló Venecia. Murió a consecuencia de la epidemia el 27 de agosto de 1576, las mismas fechas en las que realizaba la Piedad. El Senado veneciano derogó una severa medida que obligaba a incinerar los cadáveres de las víctimas que morían de esta enfermedad y permitió que sus restos recibieran sepultura en la iglesia de los Frari. El Senado pagó sus funerales que allí y en la Basílica de San Marcos se celebraron en su memoria. La Piedad fue terminada por Palma el Joven, pero paradójicamente no le acompañó en su sepulcro; otra obra suya, la Pala Pesaro, se encuentra cerca de éste. En principio nada en especial adornaba su tumba hasta que el gobierno austriaco que invadió Venecia a fines del siglo XVIII encargó a Antonio Canova un monumento conmemorativo que fue terminado en 1795.  

El genio de Tiziano - Tiziano Vecellio es el pintor italiano más importante maestro de la gran escuela pictórica veneciana y uno de los genios máximos de la pintura universal. Su obra fue admirada por los más grandes personajes de su época, y desde entonces, y por encima de todas las variaciones de gustos y estilos, ha sido siempre considerada como uno de los grandes logros de la cultura europea. Además, fue el creador del movimiento llamado "impresionismo mágico". artelista.com

24/11/2007 12:54 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL LOMO CON EL QUE TODOS SOÑAMOS

Los profesores del Instituto de los Andes y chefs Carlos Otero y Carmen Villar ponen al alcance de cualquier mortal todos los pasos para alistar correctamente este jugoso potaje nacional con origen chino.

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Escribe Manuel Cadenas Mujica / Fotos de Eric Dañino Costa

Aparecido en la sección "Bon Apetit" de la revista "Dionisos" de Noviembre 2007 (#61)

Si en el mar reina el ceviche, en tierra extiende sus dominios el lomo saltado. Si los pescados nadan a su antojo en la culinaria peruana, como soberanos de cuanta locura brote del genio de nuestros chefs, difícil resistirse a la lujuria que imponen en la mesa nacional los jugosos brillos de cebolludos cubículos de res trepados a todas las guarniciones imaginables.

Como muchos otros potajes de la gastronomía local, el lomo saltado no había sido ponderado en toda la magnitud que su fasto impone. También tuvo sus momentos de bajo perfil, aguardando la oportunidad de mostrarse en aquella versatilidad que ahora se celebra en las cocinas. Una vez que le llegó la ocasión, no se ha detenido hasta lograr que prácticamente no haya propuesta a la que no se sume, qué digo, ¡multiplique!

¿Y en qué sustenta tan amplia cintura, lista para el amague inesperado y la sorpresa humeante? En un elemento que caracteriza a las mayores delicias del paladar de todos los tiempos: una sabia armonía de simpleza y sofisticación en insumos y técnica.

Para ahondar en esos mares, o mejor pastar en esos campos, había que adosarse al conocimiento y experiencia de quienes legan a generaciones nuevas la tradición gastronómica peruana. En el Instituto de los Andes, los chefs Carlos Otero y Carmen Villar tienen ese delicado encargo y con ellos desmenuzamos cada uno de los secretos –a voces– del lomo saltado.

 

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Técnica china

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Cuando el salón de clase es una cocina, los alumnos no mueven lápices y cuadernos, sino cuchillos, cucharones y sartenes. La tabla de picar es la pizarra en la que se habrá que garabatear la lección una y otra vez hasta llegar el momento del examen en caliente, el aceite excitado que aguarda el crepitar del conocimiento adquirido. En la plaza se ven los toros, como decía mi abuela, y frente al fuego se ve al chef.

El palote círculo, en este caso, según reitera hasta el cansancio Carlos Otero es tener todos los ingredientes listos antes de empezar la preparación, esto es “las verduritas cortadas, el lomo picado, todo lo que implica el plato”. Y hay razones para tanto apremio: “El lomo es un plato muy rápido. La característica del salteado es la de siempre: fuego un poco alto, mínima cantidad de aceite y procedimiento muy rápido. Así se hace un salteado”.

Sobre los orígenes, Otero conviene en que “sí, definitivamente, el lomo saltado nace de los chinos”. Para ello, algunas referencias históricas. “Recuerda que los chinos vienen primero a trabajar en las haciendas, y estos como tienen buena sazón, hacen sus especies de fonditas en el centro de Lima y ahí es que nace, con la técnica de ellos, como un salteado”.

Entonces, aparentemente, habría existido un lomo saltado original con más o menos los mismos ingredientes, pero sin las características que aporta la técnica china. “Acuérdate que todos los platos chinos son muy rápidos, a fuego muy fuerte, muy violento, y con la mínima cantidad de aceite. Así, primero, no permiten que los ingredientes se sobre cocinen, y como es tan rápido, las carnes se fríen con sus jugos dentro. Igual, las verduras no botan su jugo, sino que al saltearlas, como el fuego es muy alto, se conserva todo su sabor y las texturas se mantienen”.

De la técnica del salteado al lomo saltado ha mediado, apenas, un par de siglos de permanente contacto con la cultura china. “El nombre ‘saltado’ es peruano. Y todo lo demás es peruano. Sino, a ver imagínatelo con una cebolla blanca marchita o con un lomo duro. Al toque te dirán que está mal preparado”.

Abecé de la cocina

Sin embargo, no es común que en las cocinas caseras se cuente con algunas condiciones sine qua non, como por ejemplo, el fuego altísimo que produce ese espectáculo con que los cocineros deslumbran al visitante de sus predios. “Es mucho más difícil hacerlo con una cocina eléctrica, claro, no te va salir, pero con una cocina de gas normal sí te puede salir, siempre que dejes el tiempo suficiente para que se caliente la sartén o el wok. Cuando eso ocurre, el lomo toma ese saborcito ahumado. Hay que flambearlo un poquito y con la mínima cantidad de aceite. Eso es lo característico. Claro, además del sillao y el toque de vinagre”.

Preparar un buen lomo saltado es, en verdad, el abecé de la gastronomía nacional. Por eso, forma parte del curso Cocina Peruana 1 en el Instituto de los Andes, que se dicta a los recién ingresantes. En cristiano, si no se aprende a preparar correctamente un lomo saltado, mejor es pensar en cualquier otra profesión u oficio. No se ha nacido para la cocina.

Sobre los ingredientes fundamentales del lomo saltado, explica Carlos Otero, el primero es, obviamente, una buena carne. Curiosamente, no tiene que ser un corte de lomo. “Si es lomo, es lo ideal, pero otras personas lo hacen con bola de lomo, con cadera, con un buen corte de tapa. Eso sí, no podemos hacerlo con bistec porque es muy duro”. Luego viene “cebolla, tomate, sal, pimienta, un poquito de sillao, vinagre, un poquito de perejil y paramos de contar. Hay gente que le pone culantro, es una costumbre, pero yo particularmente prefiero un poquito de perejil, porque el sabor es como más lento, el culantro mata mucho el sabor”.

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Buenas compañías

¡Quién no quiere acompañar un buen lomo! El acompañamiento de este manjar ha sido tradicionalmente una buena porción de papas fritas. El clásico, se diría, flanqueado por el montículo de arroz de rigor. Con la novelería de las presentaciones gourmet, hay quienes se resisten a revolver el lomo y las papas para que éstas se consubstancien con los jugos, y entonces las ubican modositas a su costado, mirándose de refilón muertas de las ganas de intimar con las carnes, tomates y cebollas aunque guardando la compostura lo mejor que pueden. Pero añádase una exquisitez que los peruanos disfrutamos cotidianamente: papas fritas de la variedad amarilla, para que tanta meticulosidad caiga por los suelos y se desaten las pasiones en el plato.

También de la mano con los últimos gritos de la culinaria peruana, el lomo saltado ha –valga, y muy bien, la redundancia– saltado hacia otros territorios. “Ahora los chicos van a presentar un lomo saltado con tacu tacu, también en los sanguchitos de lomo saltado, que no llevan papa porque con el pan ya sería mucho, pues”. Y me consta haber visto con estos ojitos lomos saltados que se encumbran sobre risottos y también sobre causas rellenas.

¿Hay límites acaso? “Yo creo que los límites los pone cada uno. Hay gente a la que le gusta meterle de todo un poco. A veces el resultado es agradable y a veces sólo es una mezcolanza de sabores. Algunos quieren ponerle un poquito de kión picadito, puede ser un detalle así, pero si le pones más de los ingredientes adecuados, al final, para mí ya no es un lomo saltado. Como creación, genial, maravilloso, como plato extraordinario, pero no me digas, pues, que es un lomo saltado. No te lo creo. Yo soy así, lo hago pegado a lo que debe ser; si no mejor le pongo otro nombre”.  

La profesora Carmen Villar nos recuerda otro acompañante tradicional del lomo saltado: los tallarines. “Es una variante de nuestro riquísimo tallarín saltado chino, el del chifa. El ingenio criollo crea cosas nuevas. Se prepara el lomo saltado y se mezcla con los tallarines al final, así de simple. Es el mismo que los chinos hacen con sus fideos, pero con otras verduras y con spaghettis”.

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Paso a paso

Una vez que tengo todos los ingredientes para el lomo saltado ya cortados, ¿cuál es el primer paso? Este humilde servidor empezaba antiguamente por el aceite y los ajos, luego la carne y el vinagre, más tarde las cebollas y el tomate, al final el sillao. A estas altura ya estaría reprobado en el curso y pensando en el suplicatorio, porque la profesora Villar pone los puntos sobre los ajíes para preparar un buen lomo saltado.

“El primer paso es tener un fuego alto, poner la sartén a calentar y calentamos bien sin grasa. Luego ponemos el aceite y sellamos la tapa. Es importante este paso, porque así no se escapa el humo y la carne queda tierna y jugosa a la vez. El sellado es un proceso por el cual atrasamos los jugos de la carne”. Ojo al tomate rojo, porque se trata del paso más importante. La experiencia dice que, caso contrario, habrá que acudir al odontólogo, porque la carne nos será muy dura de matar.

“Además, a muchos les gusta el lomo saltado porque tiene ese sabor ahumadito, como a parrilla. Si en la casa no hay una cocina adecuada, la salida es dejar la sartén más tiempo en el fuego al máximo y recién entonces agregar el aceite, dejándolo calentar también. Y hay que saltear la carne de a pocos para evitar que el aceite se enfríe. Así vamos a obtener una carne sellada, rica, jugosa”.

Prosigue la profesora esta lección inolvidable: “Luego, en el momento en que ya se selló la carne, empezamos a echar las cebollas y los ajos. Todo eso hace que la carne quede jugosa. Tiene que quedar bien cocida”.

A continuación llega recién la hora de la sal, la pimienta, el toquecito de sillao y el vinagre. Se están jugando los descuentos de este partido culinario cuando llega con sus aromas y sabores insólitos el ají amarillo cortado en julianas. “Salteamos un poquito, porque la cebolla no debe marchitarse, tiene que ser crujiente, luego echamos el tomate, entonces bajamos el fuego un poquito para que el tomate cocine y bote su jugo, pero que no se deshaga. Y al final, el toque de perejil picadito. Así queda el lomo saltado muy jugoso”.

Ese es el lomo que quiero yo, usted, nosotros, vosotros y ellos. El lomo saltado que –otra vez valga la redundancia– ha saltado a las grandes ligas por su simplicidad suculenta y su extraordinario don de gentes.

LEONARDO Y LA MONA LISA

¿Sabías que Leonardo da Vinci y la Mona Lisa fueron vecinos?


 

 

 

 

 

 

Las curiosidades del pintor y su famoso cuadro no acaban nunca. Cuando parece que ya se ha dicho todo acerca de ellos, ahora nos sorprende el descubrimiento que acaba de hacer un profesor italiano: Leonardo Da Vinci y la mujer que se representa en la Mona Lisa eran vecinos. Musa y pintor vivían en la misma calle, en la vía Sguazza, una calle de anticuarios de Florencia.

La vecindad es fuente de amistad

¡Quién lo diría! Después de las miles de curiosidades acerca de Leonardo y su obra, como el hallazgo de un investigador que asegura que el autor pintó a Mona Lisa con cejas, aquí viene otro descubrimiento que no os dejará indiferentes. Todo el mundo conoce a la modelo del pintor como "Mona Lisa", pero el verdadero nombre de la mujer que se representa en el cuadro es Lisa Gherardini. Un profesor italiano ha descubierto unos documentos que indican dónde estaba situado el domicilio de la musa de Leonardo da Vinci.

La casa estaba en la via Sguazza, una calle de anticuarios de la preciosa ciudad de Florencia ( Italia ). Pero no siempre vivió aquí. Gracias al hallazgo del maestro se sabe que la autora de la sonrisa más enigmática en el mundo del arte residió un tiempo frente a una casa que pertenecía a la familia de Leonardo en la calle florentina de Ghibellina.

¡El mundo es un pañuelo!

Pero es no es todo, incluso las familias estaban relacionadas. El marido de Lisa conocía al padre del pintor porque tenían negocios en común. Así que, seguiremos estando atentos al próximo descubrimiento en el mundo de Leonardo y su Mona Lisa para contároslo. Fuente: artelista.com

LA BATALLA DE CASCINA

¿Sabías que la mejor obra de Miguel Ángel está perdida?



Es reconocido mundialmente por obras como el David o La Piedad, pero según maestros y críticos del Renacimiento no son estas las mejores piezas de Miguel Ángel. Ellos afirman que la mejor creación del artista es un cartón preparatorio para un fresco: "La batalla de Cascina", una obra hoy desaparecida.

En realidad el fresco nunca se llegó a pintar, pero fue durante mucho tiempo el modelo con el que aprendieron a dibujar generaciones posteriores.   Las obras divinas de Miguel Ángel - "Más divinas que humanas", así han sido calificadas muchas de las obras de Miguel Ángel. Pero hay una que se considera "la mejor", "La batalla de Cascina". Refiriéndose a esta pieza, Benevuto Cellini apuntaba en el siglo XVI que el talento del italiano nunca volvió a alcanzar ni siquiera la mitad del nivel de perfección que logró con este cuadro.  

Cartones preparatorios - En realidad, el fresco nunca se empezó a pintar, pero Miguel Ángel sí terminó los cartones preparatorios que tanta admiración causaron. En la segunda mitad del siglo XVI los cartones fueron divididos en varios fragmentos que terminaron perdiéndose. Solo se conservan copias parciales, una de ellas, espléndida, en la colección privada de Holkham Hall, Inglaterra, la antigua residencia de los condes de Leicester.  

Según Vasari, que recogió la impresión que causó la realización de este cartón preparatorio en su obra Vidas ejemplares, "todos los artistas que vieron el cartón quedaron subyugados y admirados".  

El duelo de titanes - El fresco de Miguel Ángel iba a competir con otro encargado a Leonardo da Vinci para adornar la misma sala del Palazzo Vecchio de Florencia. El primero en recibir el encargo fue Leonardo en 1503. Consistía en un enorme cuadro que iba a decorar una de las salas del Gran Consejo que se encontraba en la primera planta del Palazzo Vecchio de Florencia. El tema, la batalla de Anghiari, en las que las tropas florentinas se alzaron con la victoria en la guerra contra Pisa. Por otra parte, Miguel Ángel recibió el encargo en 1504. Su asunto era la batalla de Cascina, otra famosa victoria de las tropas de Florencia; su ubicación: la pared de enfrente del fresco encargado a Leonardo da Vinci. No hay testimonios que indiquen cómo acabó el desafío. En septiembre o a primeros de octubre de 1504 se sabe que Leonardo dejó Florencia y, por supuesto, el proyecto del fresco que nunca llegó a realizarse. fuente: artelista.com

08/11/2007 04:48 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

TUTANKAMÓN

Luxor, Egipto (EFE).- La momia del faraón Tutankamón fue sacada de su sarcófago y desvelada al gran público por vez primera en la historia, en medio de un gran revuelo mediático. Desde hoy, la momia descansará en una urna de plexiglás transparente, al abrigo del polvo, la humedad y las temperaturas.

 

"Con la colocación de la momia en la vitrina, mandamos al rey dorado a la vida eterna", dijo exultante Zahi Hawas, secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades e impulsor de este proyecto.

La momia del "faraón niño" tiene la nariz chata, los dientes pronunciados y la cabeza redonda, según pudieron constatar los numerosos medios internacionales congregados para asistir a este traslado histórico. Precisamente hoy se cumplen 85 años del descubrimiento de la momia por parte del arqueólogo británico Howard Carter.

Varias televisiones, encabezadas por National Geographic y Discovery Channel, grabaron el momento del traslado y lo transmitieron en directo en una pantalla situada fuera de la cámara mortuoria. La ceremonia de hoy estuvo reservada a la prensa, y el gran público y los turistas deberán esperar hasta mañana para ver la cara del faraón más famoso de la historia.

04/11/2007 16:26 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

MODIGLIANI

¿Sabías que Modigliani era conocido como el "artista maldito"?

Una personalidad anárquica. Una infancia llena de tragedias y pobreza. Un rompecorazones con una salud tan mala que él mismo llegó a escuchar noticias de su muerte más de una vez. Hablamos del pintor y escultor italiano, Amedeo Modigliani, conocido como el "artista maldito", un personaje marginal y autodestructivo.

¿Mito o realidad?   Unos principios difíciles - Muchos son los artistas conocidos por su carácter enigmático y violento, como es el caso de Amedeo Modigliani. Pero no solo su carácter fue objeto de polémica, sino también su obra. Su primera exposición, celebrada en diciembre de 1917, solo tres años antes de su muerte, fue clausurada horas después de la inauguración por "indecente". Lo que nunca fue cuestionado fue su talento.  

El escultor y pintor creció envuelto de pobreza, su padre era un hombre negocios arruinado. Además, sufrió un ataque de fiebre tifoidea a los 14 años y dos años más tarde padeció una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.  

Espejo de su obra - Su personalidad anárquica se reflejó en su pintura hasta el punto de no inscribirse en ninguno de los movimientos artísticos que capitaneados por Picasso sacudían París. Nunca perteneció a ninguna escuela. La comunidad artística consideró su individualidad como una amenaza, pero su obra era respetada.  

 

Un rompecorazones - A pesar de su reputación, Amedeo tenía magnetismo hacia las mujeres y fue llorado por las más bellas féminas de París. Tuvo numerosos romances hasta que entró en su vida Beatrice Hastings con la que mantuvo una relación de unos dos años. Ésta le sirvió de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour".  

 

Y en el mejor momento... Su salud siempre fue mala, y las noticias sobre la enfermedad y la muerte de Modigliani eran tan frecuentes que el propio pintor llegó a escuchar noticias de su muerte en varias ocasiones. Pero con cada nuevo rumor subía el precio de sus cuadros. El propio pintor pudo gozar de la revalorización de su obra, ya que, después de una vida de dificultades económicas, pocos meses antes de morir vendió a buen precio tres cuadros en una exposición en Londres.   Mientras sigue vendiendo obras, su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. El pintor murió en enero de 1920 de meningitis tuberculosa en un hospital de París. Pocas horas después, su compañera, embarazada de nueve meses, se suicidó arrojándose desde una ventana. Fuente: artelista.com

FOIE GRAS

POBRES PATOS Y GANSOS

Fuente: lavanguardia.es - El Ayuntamiento de York, la pintoresca ciudad del norte de Inglaterra, famosa por su catedral y sus murallas pero no por la sofisticación culinaria - ni asomo de una estrella Michelin en bastantes kilómetros a la redonda-, se ha sumado a California y Chicago en la campaña internacional contra el foie, por la crueldad que significa alimentar con un tubo a los patos o gansos hasta que su hígado adquiere un tamaño diez o doce veces superior al normal, y entonces matarlos. Las diversas organizaciones pro defensa de los derechos de los animales, un poderoso lobby en este país, han aplaudido con fervor el gesto, pero no tanto las carnicerías y restaurantes, reacios a que las autoridades interfieran en su negocio.

A diferencia de los estados y ciudades norteamericanos que han prohibido la producción y venta del conflictivo alimento en su jurisdicción, el Ayuntamiento de York carece de poder para impedir que un foie se cocine en los fogones de un restaurante local. Pero se trata más que nada del gesto, y de que en el resto del planeta se ponga en el mapa una ciudad que en España se asocia sobre todo al jamón.

El Consistorio, por iniciativa del concejal laborista Paul Blanchard, ha aprobado una resolución que condena el consumo de foie como si se tratara de la proliferación de armas nucleares o la violencia en los territorios ocupados. Pero carece de poder para implementarlo, excepto dentro del Ayuntamiento, cuyos funcionarios ya no podrán llevarse en la fiambrera el hígado de pato que sobró de la cena.

Una circular enviada por correo a todos los dueños de hoteles, restaurantes y carnicerías de York denuncia la tortura de los patos y explica por qué considera antiética la venta de foie. La campaña culminó en un acto en una de las principales calles de la ciudad, en el que la modelo vegetariana Adele Tyrala se dejó alimentar con un tubo para visualizar el infierno por el que pasan los animales antes de llegar al matadero con el hígado a punto de explotar. Pero no todos están de acuerdo con la iniciativa: "El Ayuntamiento debería dedicarse a tapar los socavones y aliviar el tráfico, en vez de a estas chorradas", dice un residente.

Las técnicas para alimentar forzosamente a las aves se remontan al Egipto de 2.500 años antes de Cristo, cuyos faraones aparentemente ya sabían apreciar un buen foie, del que hoy en día Francia es el principal consumidor y fabricante. El estado de California - donde se puede comprar un rifle en cualquier esquina- ha aprobado una ley para ir reduciendo progresivamente el consumo hasta su total prohibición en el 2012. Algunos restaurantes de Chicago, en protesta contra lo que consideran una interferencia del poder y una cortapisa a la libertad de elección, han llegado a ofrecer gratis los hígados de pato a su clientela (la normativa sólo prohíbe la venta), pero cobrando en cambio la guarnición a precio de oro.

Actores como el británico Roger Moore y Martin Sheen, o actrices como Pamela Anderson, Kim Basinger y Christina Applegate, están a la vanguardia de la campaña y se han solidarizado con York. Aunque es tanta la obsesión en Hollywood con la línea que incluso consideran que el jamón de York tiene demasiadas calorías.

02/11/2007 04:14 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

ANIVERSARIO DE UN FANTASTICO MUSEO

BILBAO [Agencias/El Comercio]. El museo Guggenheim de Bilbao celebró ayer su décimo aniversario con la inauguración de otra obra fuera de su recinto, esta vez del francés Daniel Buren, un gran arco rojo sobre el puente de la Salve que mira a la nave plateada de Frank Gehry.

 

Con "Arcs rouges" ("Arcos rojos"), Buren ha querido acentuar la idea de una puerta. "Se entra y se sale de la ciudad pasando por una puerta, lo que recuerda a (...) todas las ciudades en la época de la Edad Media", explicó ayer el artista durante una conferencia de prensa.

La obra, que pasa a formar parte de la colección propia del Guggenheim Bilbao, fue elegida entre tres proyectos que encargó el museo a tres artistas con motivo del décimo aniversario de la institución, y con el objetivo de que también fuera una contribución a la ciudad, explicó su director, Juan Ignacio Vidarte.

Se trata de la tercera obra del museo integrada en el recinto externo del edificio, junto con el perrito "Puppy", de Jeff Koons, un gigantesco cachorro confeccionado con plantas y flores, y "Maman", una araña de la francesa Louise Bourgeois.

Buren ya presentó el proyecto del arco hace diez años, por encargo de la Fundación Guggenheim, pero la obra no prosperó hasta que se convocó el concurso en el 2006. "Por eso, para mí, esta noche de inauguración de este puente es también su décimo aniversario", resumió el artista.

"Arcs rouges", que por la noche estará iluminado, se encuentra frente al imponente edificio de Frank Gehry y pasando por él se cruza el puente de la Salve, bajo la ría de Bilbao, junto a la cual se construyó el museo.

Buren, creador de las famosas columnas en blanco y negro del Palais Royal de París, quiso darle carácter a este puente, de cerca y de lejos, para lo cual eligió el rojo, a fin de que destacara tanto con el plateado y dorado del museo como con el verde del monte que rodea Bilbao, explicó.

21/10/2007 22:24 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL ARTE Y LAS RADIOGRAFÍAS

 ¿Sabías que las radiografías también sirven para detectar una falsificación?


Las radiografías ya no sólo se usan para detectar fisuras en nuestros huesos. Ahora también sirven para determinar si una obra de arte es autentica. Y es que actualmente los métodos de detección de falsificaciones han avanzado mucho. Para descubrirlo un cuadro puede ser digitalizado en un escáner 3D de alta definición y ser sometido a radiografías, espectometría, rayos X, ultravioleta y microfluorescentes. Todo, sin necesidad de tocarlo.  

¿Será falsa? - La falsificación existe desde que existe el mercado de arte. Desde mediados del siglo XVI, sobre todo en el siglo XVII, y en la medida en que se consolida el concepto de propiedad artística, y también del coleccionismo: la historia de la falsificación es tan antigua como la propia Historia del Arte. Fue en el siglo XVII cuando el pintor barroco Luca Giordano gastó una pequeña "broma" que puso de manifiesto el problema: pintó Cristo y el tullido, imitando a Durero..., y firmó como Durero. Si no hubiera introducido también su propia firma, el engaño hubiera prosperado: hubiera sido una falsificación.  

La tecnología, para lo bueno y para lo malo... Así que la falsificación puede decirse que ha existido siempre, pero las técnicas para la detección de dichas obras se han multiplicado. Se utilizan desde los llamados relojes geológicos, que permiten establecer la edad de los materiales empleados, hasta transformadores nucleares, que informan sobre su composición.  

La radiografía es otro método usado recientemente para detectar una falsificación. Por ejemplo, para determinar la edad de una pintura al óleo se utilizan las características del plomo metálico, ya que la radioactividad que contiene es más alta cuanto más antigua es la pieza. La ciencia puede así calcular la antigüedad de una pintura, de la tela, de la madera o del metal, mientras que los rayos X pueden revelar lo que hay por detrás de la superficie.  

La prueba del carbono 14 ( C-14 ) resulta infalible para descubrir las falsificaciones más recientes: la composición del aire cambió hasta tal punto después de la Segunda Guerra Mundial que la datación con C-14 puede determinar sin ningún género de dudas si una obra se pintó antes o después de esa guerra.   Pero la tecnología también ha ido en detrimento de la autenticidad de las obras de arte ya que hoy en día, se pueden imitar casi a la perfección técnicas, materiales y colores de distintas épocas.  

Falsificadores que han pasado a la historia - uso de la radiografía no hubiera ido mal para detectar a un famoso falsificador: Hans van Meegeren ( 1889-1947 ), magnífico pintor holandés, falsificador del también holandés Jan Veermer. También Elmyr de Hory o Tom Keating hicieron "carrera" como falsificadores, y adquirieron una aureola de heroicidad por su capacidad para engañar no solo a los millonarios pretenciosos, sino también a los expertos más reputados.   Y es que la radiografía ha llegado un poco tarde en el mundo del arte... Fuente: artelista.com

17/10/2007 14:21 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CÉZANNE

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que Cézanne murió a causa de una tormenta que le sorprendió mientras pintaba en el campo?  

El artista no podía parar de pintar ni tan solo cuando llovía a cántaros. Como la mayoría de impresionistas, realizaba sus obras al aire libre y así fue como sucedió el incidente. Después de estar pintando durante horas bajo la lluvia, unos hombres lo encontraron inconsciente. Meses más tarde, murió de pulmonía.  

 

Artista al aire libre - El protagonista del suceso, Paul Cézzane, nació en Aix-en-Provence en 1839 y murió en esta región en 1906. El pintor francés tuvo una gran influencia en el10007y en el impresionismo.   El pintor estaba absolutamente volcado en su pintura, obsesionado con salir a pintar al campo, incluso cuando las condiciones meteorológicas eran adversas. Y no es de extrañar considerando que Cézzane era perteneciente al impresionismo.

Este arte rompía con las leyes del academicismo y rechazaba los colores oscuros para buscar la claridad, la transparencia y la luminosidad, elementos que los artistas encontraban en plena naturaleza.   Fueron los pintores del Impresionismo los primeros en poner sus caballetes en plena naturaleza, tal y como hizo el pintor francés.  

Pintor hasta el final - La salud de Cézanne empeoró a partir de 1904. La diabetes, cuyos primeros síntomas se habían manifestado en 1890, se convirtió en aguda y su carácter, ya de por sí irritable, se hizo entonces intratable. Sólo el trabajo le produce felicidad y se enfrascaba en la ejecución de la serie de las bañistas culminada con las Grandes Bañistas, concluida en 1905.   Pero en el otoño de 1906 la salud del pintor se agravó tras el incidente que tuvo mientras pintaba un cuadro en el campo. Llevaba horas bajo la lluvia cuando unos hombres lo encontraron inconsciente en el suelo y lo llevaron a su casa.

Estaba frente al monte de Santa Victoria, muy conocido como la "Sagrada montaña de Provenza"; Cézanne pintó y dibujó más de sesenta versiones de ella, la última en 1905, Montaña Sainte-Victorie vista desde Lauves. Dicen que lo primero que hizo al volver en sí fue preguntar si hacía sol; quería volver al campo para acabar el cuadro que estaba pintando cuando se puso a llover.   Murió de una pulmonía siete días después, el 22 de octubre de 1906. Fuente: artelista.com

09/10/2007 22:32 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

No te pierdas la DIONISOS 60

Sabrosa lectura

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No queremos dejar de comentar la edición Setiembre (#60) de la buena revista "Dionisos", un remanso para los placeres de la buena vida. Como siempre, viene muy colorida y con un contenido que nos deja deseando repetición. Para comenzar, tenemos en la portada a nuestro archi-conocido Christian Bravo, mejor dicho: "Christian Manos de Cuchillo", tele-talentoso chef a quien hemos visto en una carrera meteórica, como alumno, luego profesor del Instituto de los Andes, y próspero empresario. Sus fans no pueden perderse la entrevista ilustrada que le hacen. Seguimos hojeando y encontramos un artículo sobre algunos reductos del buen sánguche en nuestra capital, un completo especial sobre la situación de la industria pisquera del sur post-terremoto, otro artículo sobre los aromas del vino, la poderosa chicha, bebida mágica de los apus, también está presente con un completo recetario, la primera parte de una investigación sobre el , infalible infusión que unió Oriente y Occidente, una simpática crónica sobre los momentos culinarios en las películas Disney (como para leer en familia), su muy requerida sección de dietética y nutrición (¡el verano se acerca!) y finalmente en delicioso "Dionigrama", puro alimento para la mente, sólo para conocedores del buen comer y beber. Hay de todo, como para todos. Espera por Usted en su librería, autoservicio, o kiosko favorito.  

04/10/2007 19:35 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL BOSCO

¿Sabías que El Bosco se inspiró en las prácticas de una secta hereje para pintar sus cuadros?                                       

En el siglo XV una crisis de valores afectó a toda Europa. Sacudió miles de consciencias e hizo proliferar sectas que querían romper con la Iglesia. El Bosco era uno de los considerados herejes. Algunos estudiosos creen que pintó su obra más famosa "El Jardín de las Delicias" como ilustración de los contenidos de una secta conocida popularmente como los "Adamitas". Pero, ¿qué hay de cierto en todo ello?   En la boca del lobo. El holandés El Bosco ( 1450-1516 ), pintor surrealista holandés del siglo XV, vivió y trabajó en Hertogenbosch. Toda la producción del pintor está centrada en temas religiosos, pero sus cuadros han sido objeto de debate acerca de su relación con la Iglesia. Muchos de sus trabajos eran una crítica feroz a los ideales de la Iglesia, y se veía en ellos una defensa del artista al nudismo y a las relaciones sexuales. Uno de los más criticados, el más famoso: El Jardín de las Delicias.   Y es que El Bosco satiriza el mundo de su época con un agudo sentido crítico, por medio de desenfrenadas visiones oníricas repletas de seres monstruosos. Sin embargo su obra está cargada de una intención moralizante propia de la época, en la que el pecado es omnipresente.   Los Adamitas. Una minoría de historiadores (como Fraenger, 1947) relacionan El Bosco con un grupo de Adamitas, una secta tenebrosa, que data del siglo II después de Cristo, la cual profesaba de haber retomado la inocencia primaveral de Adán. Para algunos, la tabla central de "El Jardín de las Delicias" representa más una exaltación de la promiscuidad sexual, tal y como defendían los adeptos al grupo Adamitas.

No obstante, lo más probable es que este pintor fuera un cristiano ortodoxo ya que sus cuadros eran adquiridos por uno de los católicos más conservadores, Felipe II de España. Además, los temas moralizadores de otras obras revelan su estilo y modo de pensamiento.  

Lo que sí es cierto es que la cofradía a la que pertenecía estaba muy relacionada con otra llamada los Hermanos de la Vida en Común, más ascética y especialmente crítica con el clero, envuelto en todo tipo de escándalos y corrupción; la Iglesia representaba para ellos el auténtico camino hacia el infierno.  

El Bosco tachado de "hereje". El pintor fue considerado un hereje ya que la proliferación de sectas heréticas en la Holanda de finales del siglo XV y principios del XVI, era poco "ortodoxa". En realidad, la mera crítica a la relajación del clero, presente en toda su obra, era más que suficiente para considerar a El Bosco "sospechoso". Sus ideales atacaban ferozmente la situación de la Iglesia, que se hundía en la corrupción y la prevaricación. Fuente: artelista.com

03/10/2007 23:44 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CARAVAGGIO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que Caravaggio tuvo que huir de Roma después de cometer un asesinato?

Caravaggio suena a arte, a genialidad y, para muchos, a admiración. Pero tras el famoso italiano se esconde un hombre enigmático, rebelde y peligroso. Implicado en innumerables peleas callejeras en Roma, retó a duelo a pintores que intentaban hacerle competencia, pegó palizas a críticos de arte, e incluso llegó a matar. Fue en 1606 cuando el pintor, acusado de asesinato, tuvo que escapar a Nápoles.

Un hombre oscuro   De humor endiablado, Caravaggio estuvo implicado en numerosas peleas callejeras en Roma a lo largo de su vida, así que pronto se ganó muy mala fama. Muchos eran los que creían que el pintor italiano era un personaje misterioso y peligroso. Y no estaban nada equivocados.

El 19 de mayo de 1606, como consecuencia de una reyerta surgida en un partido de pelota, Caravaggio mató a un hombre y tuvo que escapar de Roma a Nápoles. De la capital italiana pasó a Malta. San Jerónimo y Degollación de San Juan Baptista son algunas de las obras que pintó el artista durante su estancia en esa ciudad. Más tarde se fue a Sicilia. Después, casi todo fueron desgracias en la vida del pintor. Tres años más tarde moría de malaria en medio de una gran miseria.  

Larga y criticada trayectoria artística - A pesar de tanta violencia, Caravaggio fue un pintor con una larga trayectoria artística, aunque tampoco libre de críticas.

Y es que algunas de sus obras eran, además de máximamente realistas, eróticas y con fuertes cargas de violencia.   La figura humana jugó un papel primordial en su trabajo. Más que buscar bellas figuras para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos que posaban a menudo para los personajes de su cuadros, incluyendo a los santos bíblicos. Eso le traería muchas críticas de la Iglesia, ya que los católicos no veían nada bien la representación de los santos con rasgos vulgares. Es más, la novedad radical de su concepto pictórico hizo que algunos de sus cuadros de altar más importantes, como La muerte de la Virgen, fueran rechazados por los comitentes.  

Al natural - Uno de los aspectos curiosos del arte del pintor y que puede llegar a sorprender, es que Caravaggio no realizaba bocetos antes de pintar una obra, pintaba directamente sobre el lienzo, al natural sin ningún tipo de preparación previa. Desde las primeras obras dio pruebas de su genio profundamente original y renovador, que alcanza ya plena madurez en las pinturas de san Luis de los Franceses ( últimos años del siglo XVI ) y de Santa Maria del Popolo ( 1601 ).   También es destacable, al menos para la época en la que vivía, las tendencias homosexuales de Caravaggio. Hoy en día sigue siendo aún un asunto con el que los cronistas se sienten incomodados. Pero la observación de sus obras deja muy pocas dudas al respecto. Fuente: artelista.com

27/09/2007 13:32 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CLEARWATER

El alcalde de Clearwater reconoció que algunos vecinos de la población, convertida para los seguidores de la religión en lo mismo que la Meca para los musulmanes, ya se sienten "incómodos" por el fenómeno.

 
Tom Cruise y Katie Holmes

LOS ASTROS DE

CIENCIOLOGIA

El alcalde de Clearwater reconoce que algunos vecinos se sienten incómodos ocasionalmente por los numerosos grupos de seguidores de la cienciología que transitan las calles con sus pantalones azules o caqui y sus camisas impecables.   "A nadie le gusta ser una minoría cuando va al centro", dijo Frank Hibbard.   

La mayoría de los residentes en esta pintoresca ciudad de la costa floridana del Golfo de México ha terminado por aceptar que Clearwater es para los seguidores de la cienciología lo mismo que Salt Lake City para los mormones o la Meca para los musulmanes. Pero no todos están contentos.  "Creo que ha habido un cambio lento, de una relación de rechazo firme a otra de tolerancia", dijo Ron Stuart, quien se enfrentó con los dirigentes de la iglesia en la década de 1970, como editor del diario Clearwater Sun, ayer desaparecido.   

"Hay todavía mucha gente en la ciudad que no confía en ellos y que desearía que no estuvieran aquí", añadió Stuart, quien ahora trabaja para el sistema de tribunales del condado. "Pero uno no puede negar que realizan una contribución, particularmente a la economía. Sin ellos, quizás no habría centro de la ciudad". Todo comenzó hace más de 30 años, en 1975, cuando L. Ron Hubbard llegó a puerto.   

El escritor de ciencia ficción y sus colaboradores, quienes durante años operaron desde un yate en el mar, compraron en secreto un hotel en el decadente centro de la ciudad, con el fin de convertir a Clearwater en la sede espiritual para su Iglesia de la Cienciología. Los recién llegados causaron de inmediato nerviosismo por su actitud misteriosa, su crecimiento decidido y, según documentos de la iglesia incautados por el FBI, un plan encubierto para desacreditar a sus enemigos y "tomar el control" de la ciudad.   

Ayer, el centro de Clearwater es un bastión internacional de la cienciología y un destino para sus dirigentes (incluidas varias celebridades como Tom Cruise y John Travolta), quienes llegan de todo el mundo para recibir el entrenamiento espiritual de la iglesia en su nivel más alto. La huella de la organización en el centro es notoria, desde los trabajadores uniformados de la iglesia que diariamente recorren las calles hasta la veintena de edificios propiedad de la agrupación, muchos exentos total o parcialmente del pago de impuestos a los bienes inmuebles.    La joya de la cienciología es el nuevo Flag Building de siete pisos, que abarca toda una cuadra de la ciudad, en la misma calle donde se encuentra el tribunal del condado donde tuvo lugar hace unos años el drama legal de Terri Schiavo, la mujer que se convirtió en el centro de un debate nacional sobre la eutanasia. Conocido también como el "Edificio del Superpoder", el inmueble será el más grande de la cienciología en el mundo el año próximo, cuando concluya su construcción.

Se espera que atraiga a miles de visitantes más a Clearwater.    De acuerdo con datos de la iglesia, unos 12.000 seguidores viven y trabajan actualmente en Clearwater o en sus alrededores. Las actitudes y prejuicios anteriores en la ciudad se han relajado con el paso del tiempo y con los esfuerzos de la iglesia por acercarse a la comunidad.  Los seguidores de la cienciología presiden ahora organizaciones civiles y poseen negocios en el centro. Ahora, no cometen un suicidio político los líderes locales que se asocian con ellos.    Hibbard, alcalde de la ciudad de unos 110.000 habitantes, difícilmente puede olvidar que la iglesia es la mayor dueña de propiedades privadas en el centro. Pese a la presencia duradera de la iglesia y a sus iniciativas para acercarse a la comunidad, la cienciología resulta aún misteriosa e intimidatoria para muchos en Clearwater. Una encuesta realizada por la propia iglesia en el 2003 mostró que la mayoría de los lugareños que no tuvieron contacto anterior con la iglesia tenía opiniones negativas sobre ésta. Y algunas fuentes consultadas para este despacho se negaron a hablar, al señalar que tenían miedo de ser hostigadas por la iglesia.Fuente: AP

26/09/2007 16:12 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

¿ NECESITA UNA COARTADA ?

PARÍS (AFP) - Por Pascale Mollard-Chenebenoit - ¿Necesita una coartada "para liberarse de ciertas obligaciones, justificar un plantón en una cita o vivir una aventura sin poner en peligro su matrimonio"?: búsquela en varias páginas de internet, que se la elaborarán minuciosamente previo pago de los correspondientes honorarios.

 

Ya presente en el mercado estadounidense (Alibi network), británico y belga desde hace años, ahora el negocio despunta en Europa, especialmente en Suiza y Francia. Así, el sitio suizo alibi-beton.com, lanzado en mayo y que ya ha tenido un centenar de clientes, ofrece en tres idiomas, inglés, francés y alemán, "una coartada sólida como el cemento (betón, en francés), personalizada y creíble".

Alibi-beton procura a sus usuarios "pruebas como cuentas de restaurantes, invitaciones, facturas de hoteles, convocatorias a una conferencia, comprobantes de asistencia a congresos, reservas de avión o tren y llamadas telefónicas con voz masculina o femenina".

"Soy bastante imaginativa", explica a la AFP su fundadora, Christine Barnicol. De esa creatividad nace su propia empresa, pues a fuerza de servir de coartada a una amiga que la utilizaba para cubrir sus aventuras amorosas, esta ayudante de enfermería dejó su trabajo y se lanzó como empresaria de las mentiras. "Pero no acepto cualquier encargo. Un joven me pidió una coartada para no presentarse a sus exámenes y me negué", añade Barnicol, que trabaja desde la ciudad suiza de Basilea.

Recientemente lanzada en Francia por una ex detective, Régine Mourizard, la agencia Ibila funciona con los mismos conceptos. Su sitio, alibila.com, recibe por correo o teléfono las peticiones de sus clientes. En el contestador telefónico de la empresa, una agradable voz llena de comprensión, invita al cliente a dejar su petición, ofreciendo la promesa de propuesta de coartada y presupuesto correspondiente.

18/09/2007 14:43 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LA CULTURA MUNDIAL DE DUELO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

 

ROMA (AFP) - El tenor italiano Luciano Pavarotti falleció este jueves a los 71 años de edad en su casa de Módena, su ciudad natal, donde convalecía desde que el pasado 25 de agosto salió por última vez del hospital. El célebre cantante de ópera fue operado a causa de un cáncer de páncreas en julio de 2006.

El artista falleció a las 5 de la madrugada, según la televisión pública italiana (RAI). La noticia se propagó rápidamente en Módena y las fuerzas del orden rodearon la casa para preservar la intimidad de la familia ante la llegada de admiradores del tenor.

El miércoles por la noche, los medios de comunicación italianos informaron de un brusco empeoramiento de su estado de salud, que se tornó "gravísimo". Pavarotti fue hospitalizado el 8 de agosto último en Módena por un "estado febril" y volvió a su casa el 25 para proseguir con su convalecencia.

Una operación en la espalda, a comienzos dl 2006, y luego la intervención en el páncreas, unos meses más tarde, obligaron al tenor a abandonar una gran gira de despedida (de 40 conciertos en el mundo entero) que había empezado en mayo de 2004. Desde entonces, el gran tenor ya no apareció más en público.

Poco tiempo después de la última intervención, Pavarotti dijo que deseaba retomar la gira en 2007, pero no pudo concretar sus intenciones. A comienzo del verano, con motivo de una ceremonia en honor de Luciano en la isla de Ischia, cerca de Nápoles, su esposa dijo que iba bien y que preparaba un disco.

"Nunca se puede decir nada con esta enfermedad, pero creo que Luciano saldrá. Concluyó su quinto ciclo de quimioterapia y no perdió ni un pelo y, sobre todo, no adelgazó", declaró Nicoletta Mantovani aquel 10 de julio, cuando el artista se despidió de los organizadores de la ceremonia diciendo: "Adiós a todos, estoy preparando otro disco Pavarotti & Friends (Pavarotti y Amigos)".

El miércoles por la mañana, Pavarotti agradecía en un comunicado la concesión de un premio a la "excelencia cultural" recién creado en Italia. "Me postro, lleno de emoción, ante el premio que se me acaba de conceder, pues me da la oportunidad de seguir celebrando la magia de una vida dedicada al servicio del arte", dijo.

06/09/2007 11:45 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

CHUPA CHUPS

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

¿Sabías qué el logotipo de Chupa Chups lo inventó Salvador Dalí?

El primer caramelo con palo consumido a nivel internacional, Chupa Chups, tuvo la gran suerte de encontrarse por el camino a Salvador Dalí. El famoso pintor surrealista diseñó un logo que ha conseguido captar la atención de millones de consumidores y ha dado la vuelta al mundo.

La necesidad de un logotipo universal

El logotipo inventado por Dalí no fue el primero que tuvo Chupa Chups. Anteriormente el diseño consistía en una niña con el caramelo en la boca. Pero Enric Bernat, fundador de Chupa Chups, quiso buscar un modo de lanzar su negocio en todo el mundo y para ello necesitaba un logo más universal que el utilizado hasta entonces.

Así que en 1969 Bernat fue a Figueras, lugar de residencia de Salvador Dalí, para que el universal artista le hiciera un buen logotipo y alcanzar sus objetivos comerciales. Tan solo fue suficiente una hora para que Dalí finalizara el trabajo, el cuál le fue recompensado con unas cifras astronómicas. La primera publicidad fue el logo con el eslogan «És rodó i dura molt, Chupa Chups», que se traduce del catalán como «Es redondo y dura mucho, Chupa Chups».

Chupa Chups y la Granja Asturias

Enric Bernat, después de finalizar el servicio militar, en 1950 inauguró su primera empresa confitera, Productos Bernat. A esta sociedad, especializada en la elaboración de peladillas, estuvo vinculado hasta 1954, en que el empresario Domingo Massanes le propuso hacerse cargo del grupo Granja Asturias, dedicado a la fabricación de productos relacionados con la manzana. Entre 1956 y 1957 tuvo la idea de hacer un caramelo que se pudiera agarrar con un palo. La inspiración le vino de dos hechos: el mayor consumidor de caramelos es el público infantil y éste acostumbra a sacarse el dulce de la boca con la mano, para ver como se consumía.

Fue en 1958 cuando Enric Bernat introdujo en el mercado español el primer caramelo redondo con palo de la marca Chupa Chups, que fabricó Granja Asturias SA. En julio de 2006, la italiana Perfetti Van Melle llegaba a un acuerdo con los herederos de Enric Bernat ( fallecido en diciembre de 2003 ), para adquirir la mayoría del capital de la empresa Chupa Chups. Hoy en día, la producción anual es de unas 17.000 toneladas; la producción diaria, de unos 12 millones de unidades.

Y no sólo para niños...

Personajes como Johan Cruyff, Rivaldo, Mariah Carey, Harrison Ford, Esther Cañadas, Giorgio Armani, el grupo Spice Girls o Madonna, han protagonizado campañas y se les ha visto en lugares públicos saboreando Chupa Chups. Fuente: artelista.com
05/09/2007 06:45 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

MÚSICA Y PINTURA

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

¿Sabías que Kandinsky defendía la existencia de una estrecha relación entre música y pintura?



Para el pintor la música era el referente de toda creación artística, y base de la pintura abstracta que él mismo desarrollaba. Kandinsky consideraba que un cuadro podía ser la representación visual de una composición musical. En 2006, un estudio realizado por neurocientíficos londinenses le daba en parte la razón al confirmar que los sentidos de la vista y el oído están fuertemente relacionados en el cerebro.

Las composiciones de Kandinsky - Tienes ante tus ojos la "Composición IV" de Kandinsky, una serie de líneas, colores y formas sin ninguna relación con la realidad exterior. Un lienzo dominado por colores muy vivos. Cada color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Y es que para él música y pintura iban unidas, como él mismo escribe en su libro "Sobre lo espiritual en el arte" ( 1911 ).

Los colores surgen en hermosas mezclas de límites completamente inverosímiles. Todo es como una explosión de fuegos artificiales, no hay ni la más remota idea de paralelismo, ni de simetría, y por supuesto es casi imposible encontrar una ligera similitud con cualquier tipo de pintura figurativa.

El artista necesitaba exteriorizar una necesidad interna, y lo hizo mediante la abstracción. Buscó un arte espiritual, imaginativo, intuitivo, y encontró en la música su gran inspiración.

De violines a pinceladas - "Los violines, los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Mentalmente veía todos mis colores, los tenía ante mis ojos", dijo Kandinsky después de una representación de Wagner titulada Lohengrin en Moscú. El pintor se interesó en la disonancia de color y música para evocar esas percepciones que producían emociones más intensas en la degustación del arte.

La sinestesia entonces y hoy - Las sinestesias -mezcla de los sentidos al recibir un estímulo- de Kandinsky poseían gran sensorialidad, presentándose tanto a nivel visual, como acústico y táctil. A sus más ambiciosas obras las llamó Composiciones, lo que probablemente conlleva una metáfora musical. A través de ellas intentó ejercer sobre el espectador un impacto como el que podría sentir con la música.

En 2006, un estudio realizado por neurocientíficos londinenses le daba en parte la razón al confirmar que los sentidos de la vista y el oído están fuertemente relacionados en el cerebro de todas las personas, aunque sólo aquellas que padecen sinestesia son totalmente conscientes. Además, la investigación revelaba que la mayoría de nosotros preferimos las imágenes y los sonidos combinados antes que aislados. FOTO. Detalle de "Composición IV" ( 1910-1913 ) de Wassily Kandinsky. Fuente: artelista.com
22/08/2007 07:52 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

SALVADOR DALÍ Y EL ADN

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que Salvador Dalí pintó la molécula de ADN en varias de sus obras?


 

Los hallazgos científicos del siglo XX le impresionaban. Quizá fue el ADN, descubierto por Watson y Crack, la que más le impactó. Hasta tal punto que, fascinado por la estructura espiral del ADN como forma básica de la vida, la incluyó en muchos de sus cuadros. "Butterfly landscape. The great masturbator in surrealist landcape with DNA" ( 1957-58 ) es la primera obra que plasma la molécula. Esa molécula que para Dalí era la llave de la inmortalidad.   El ADN daliniano - "Árabes acidodesoxiribonucleicos" ( 1963 ), "La estructura del ADN", ( 1975-76 ) "Galacidalacidesoxyribonucleicacid" ( 1963 ) son otras tres de las obras que Dalí pintó plasmando el ADN. "La herencia depende de una maquinaria soberana y la vida misma es el resultado del gobierno absoluto del ácido", aseguraba Dalí.

El origen de la vida según Dalí - Para Dalí, tanto la estructura del átomo com la del ADN configuran una realidad que no podemos percivir con los sentidos, son realidades ocultas como las que aparecen en los sueños. Para acercarnos a estas realidades inventaron un método paranoico crítico ( sobre este tema, Salvador Dalí publicó, en 1956, un artículo en La Vie Médicale titulado "Aspects phénoménologiques de la méthode paranoïaque-critique" dentro un suplemento sobre arte y psicopatologia ).

La concepció daliniana del origen de la vida assumia, por tanto, los avances científicos, però no renunció nunca a su isió mística de la creación.   En la década de los 70, el químico español Juan Oró le pidió un cuadro para encabezar el programa de la reunión de la Sociedad Española de Bioquímica que se celebraba en Madrid. El resultado fue un lienzo en el que Dalí presentaba el ADN como la escalera de Jacob, por la cual, decía, se puede llegar al cielo. El cuadro incorporaba también unos ángeles que su autor identificó como los "ARN mensajeros"   La llave de la inmortalidad - Dalí siguió atentamente, hasta sus últimos años de vida, los progresos en los descubrimientos relacionados con el ADN, llave según Dalí, de la immortalidad. "¿No es una molècula de ADN la garantia de la immortalidad? Ella es -le deia a Descharnes poco antes de morir- la célula monárquica por exceléncia". "Cada una de las dos mitades está exactamente unida a la otra, de la misma manera que Gala estaba unida a mi... Todo se abre y se cierra y se interrelaciona con precisión. La herencia depende de un mecanismo soberano, y la vida es el producto del papel absoluto del ácido desoxiribonucleico".  

FOTO 1. "El ácido desoxiribonucleico y la escalera de Jacob", pintada en 1975 por Dalí. FOTO 2. Naturaleza muerta viva ( Still live - fast moving ) ( 1956 ) FOTO 3. Galacidalacidesoxyribonucleicacid ( 1963 ) FOTO 4. Butterfly landscape. The great masturbator in a surrealist landscape with DNA ( 1957-58 ) Fuente:artelista.com

No te pierdas la Dionisos 59

Para más placeres de la buena vida

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Hemos estado hojeando con calma el número 59 (Julio 2007) de la revista "Dionisos", devota a los temas del buen comer y beber, y puede que sea su mejor edición a la fecha, separándose por varios cuerpos de otras publicaciones que asumen la gastronomía con una ligeresa preocupante. Hablando de cuerpos, encontramos entre sus páginas unas confesiones culinarias de la actriz y cantante Vanessa Saba, una crónica sobre Inés de Suárez, una heroica cocinera de los tiempos de la Conquista, un manual imperdible sobre el vino y sus colores, un artículo que remueve la espuma para descubrir el origen de la cerveza en el Perú, una completa guía gourmet de Springfield que todo fanático de los Simpsons sabrá apreciar, su acostumbrada y bien documentada sección de Gastronomía Inteligente, y como cereza que corona el postre, un sabroso Dionigrama que le confirmará cuánto sabe (o no) de cocina. Finalmente, como una razón más para coleccionarla y presumir, una reseña bien ilustrada sobre nuestro 58 Festival de Gastronomía que pueden ver aquí:

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Pulse aquí para verla más grande.

13/08/2007 23:25 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL PRIMER MUSEO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que el primer museo que existió estaba en la Biblioteca de Alejandría?

Fue en su época la más grande del mundo. Albergaba 700.000 volúmenes y se cree que fue creada a comienzos del siglo III antes de Cristo por Ptolomeo. Hablamos de la Biblioteca Real de Alejandría. Al otro lado de su inmenso jardín erigieron otra gran edificación: el primer Museo de la historia. Lo llamaron así por respeto a la sabiduría, porque lo consideraron un santuario consagrado a las Musas, las diosas de la memoria, de las artes y de las ciencias.  

El primer museo - Ptolomeo ( 362 adC-283 adC ) mandó construir en Alejandría el gran palacio que serviría de alojamiento a toda la dinastía Ptolemaica. Al otro lado del jardín y conocido desde el principio con el nombre de Museo, se erigió otra gran edificación. Lo llamaron así por respeto a la sabiduría, porque lo consideraron como un santuario consagrado a las Musas, que eran las diosas de la memoria, de las artes y de las ciencias.  

El edificio del saber - El edificio constaba de varias estancias dedicadas al saber, que con el tiempo fueron ampliándose y tomando más importancia, pero también acogía un pequeño zoo, jardines, una gran sala para reuniones e incluso un laboratorio.   Se iniciaba así la idea de un museo científico con parque botánico y zoológico, salas de anatomía e instalaciones para observaciones astronómicas. En Roma, el término museum se otorgaba a una villa particular donde tenían lugar reuniones filosóficas presididas por las musas.  

Marcando hitos - Pero fue en el siglo XVI cuando por primera vez se utilizó el término museum a una colección, como una realidad dinámica que se ha ido desplegando hasta hoy. El humanista Paolo Giovio ( 1483-1552 ) empleó dicho término al describir sus colecciones de arte y colocó esta denominación en la fachada del edificio donde albergaba sus piezas, cerca del lago Como.   A fines del siglo XVI se concibe la primera construcción de un edificio destinado a museo, para exponer una de las colecciones privadas más importantes de la época: el Palazzo Giardino de Sabbioneta, próximo a Mantua. También el Palacio Uffizi es transformado por Buontalenti, quien encarga remodelar el piso alto en una gran galería con el fin de instalar las colecciones de los Médicis.

A su vez, Alberto V de Baviera encarga para su Palacio de Munich una galería especial, conocida como el Antiquarium, más conocida como Museo de la Residencia. Todos estos precedentes marcan los hitos en la larga historia de los museos. Fuente:artelista.com

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13/08/2007 13:07 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

BOTERISMO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

La mirada diferente de Botero, icono latinoamericano del arte

Figuras humanas de tamaño exagerado, formas redondeadas e hinchadas, pinceladas casi invisibles… Este es el estilo inconfundible de Fernando Botero, uno de los artistas latinoaméricanos vivos más reconocidos del mundo. Ahora el Palazzo Reale de Milán, en Italia, expone más de 160 obras que el artista colombiano ha realizado estos últimos 10 años. Un viaje por el “boterismo”.
Botero en Italia - Pinturas, dibujos, esculturas... El visitante a la muestra italiana no se deja nada por ver del polifacético Botero. Milán acoge en el Palazzo Reale una gran exposición representativa del trabajo del artista desde el 6 de julio hasta el 16 de septiembre. Además, los transeúntes también pueden apreciar el arte de Botero ya que a lo largo de la ciudad se exponen las esculturas de bronce dispersas por algunos puntos a lo largo de la ciudad, entre la Piazetta Reale, la Piazza Scale y la Piazza San Carlo. No es la primera vez que Fernando Botero celebra una exposición en Milán, pues ya había expuesto en el Castello Sforzesco hace aproximadamente treinta años.
El Botero inédito - La muestra, con un total de 160 piezas, se divide en tres secciones, la primera de ellas acoge obras de la nueva inspiración de Botero, el escultor colombiano plasma su interés por el circo en piezas artísticas. En 15 óleos y 25 dibujos se capta la esencia del arte mágico circense. Con el uso de un gran colorido, movimiento y personajes vinculados a este tipo de espectáculos, Fernando Botero plasma la alegría del circo como en su momento lo hicieron artistas tan destacados como Picasso, Léger o Chagall.
La poética habitual del artista - Botero es conocido en todo el mundo por sus voluminosos personajes, temática usada en la segunda sección que se puede observar en la exposición. Las obras que corresponden a este apartado muestran situaciones tan típicas en el arte de Botero como son mujeres, hombres y parejas con sus relaciones personales, sus sentimientos, y sus actividades de la vida cuotidiana. Junto a ellas, el visitante puede apreciar algunos cuadros que se inspiran en grandes pintores europeos como Van Eyck, Rubens, Le Brun o Goya.
La obra como crítica - A partir de la tercera y última sección de la muestra, Botero deja a un lado el tono festivo y alegre para plasmar el horror de los prisioneros en la cárcel iraquí en sus obras. La serie llamada “Abu Ghraib” nace de un artículo crítico publicado en el New Yorker que dio la vuelta al mundo. El artista trabajó para plasmar la tortura, la crueldad y la dureza que sufren los presos. Fuente: artelista.com - http://groups.msn.com/institutodelosandes

EL BAR DE HIELO EN SHANGHAI

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

Por: José Álvarez Díaz - Shanghai, (EFECOM).- El primer "bar de hielo" de China, construido con más de 45 toneladas de hielo traído de Suecia, aspira a convertirse en un atractivo turístico por sí mismo y en un local de referencia de la noche de Shanghai, la ciudad con fama de más extrovertida y cosmopolita del gigante asiático.

"Queremos que se convierta en una atracción de moda de Shanghai, que cada vez que la gente visite esta ciudad también se acerque a visitar este tipo de bar tan difícil de encontrar en Asia", explicó a Efe Anna Chau, empresaria hongkonguesa con más de 40 restaurantes temáticos, que tuvo la idea de montar el local.

Situado en una de las principales avenidas de la ciudad, Huaihai Zhong Lu, en la antigua concesión francesa, sus paredes, sus muebles, su decoración y hasta sus vasos, de un solo uso, están esculpidos con hielo del río Torne, en Laponia (Suecia), y serán renovados cada seis meses, después de viajar casi 30.000 kilómetros.

El bar se abrió hace tres semanas, en pleno azote del intenso calor pegajoso característico de la húmeda Shanghai, y para sus primeros clientes está suponiendo el atractivo adicional de un cambio de temperatura, casi repentino, de cerca de 40 grados centígrados, ya que el local se mantiene a cinco grados bajo cero.

"El bar de hielo te permite una pausa, pasar de la contaminación y el calor sofocante de Shanghai a un entorno frío y limpio para refrescar la mente", comentó Sophia Duménil, encargada de mercadotecnia del local, una franquicia de la firma sueca Icehotel patrocinado por la marca de vodka también sueca Absolut.

Sus cinco grados bajo cero son "la temperatura ideal, tanto para el cuerpo humano en un entorno como este, como para que no se te quede la lengua pegada al vaso de hielo", explicó, mientras Chau destacó que su objetivo es permitir el disfrute de la bebida y del hielo "con todos los sentidos", el placer de "chupar el hielo".

"Es un hielo muy especial, porque el agua del río Torne es tal vez la más clara y más pura del mundo", aseguró Duménil, "que da lugar a una cristalización preciosa, porque cuando se forma casi no queda oxígeno dentro, así que sale un hielo muy compacto, muy transparente y muy suave".

El bar, de 100 metros cuadrados, y donde se permite un máximo de 60 personas durante no más de 45 minutos a cada visitante, al que se ofrece una capa de piel y guantes para aislarlo del frío y proteger al hielo de su calor corporal, está decorado con esculturas de agua helada, y sólo las sillas están guarnecidas con pieles.

En la barra, o en mesas translúcidas y gélidas, se sirven cócteles basados en vodka o zumos naturales, que por su ausencia de alcohol se solidifican con rapidez y deben ser removidos constantemente.

Dentro todo está hecho de hielo, salvo el techo y el suelo, y la decoración, que también se renueva cada seis meses, combina formas cuidadosamente diseñadas, ahora inspiradas en los paisajes árticos, con una técnica propia de la franquicia sueca, que permite "pintar" introduciendo nieve a capricho en bloques de hielo transparentes.

Con un horario muy chino (de doce a doce, hasta la una de la madrugada los sábados), hasta la fecha ha sido visitado por centenares de clientes, la mayoría de ellos turistas, según Chau, además de expatriados y hombres de negocios locales, familias con niños pequeños e incluso ya se ha celebrado una boda en su interior.

"Es un sitio muy 'cool' (juego de palabras entre "guay" y "fresco")", dijo a Efe un cliente surcoreano, que se identificó como Edward. "Trabajo aquí al lado y creo que este verano voy a venir a menudo".

"En Shanghai hay constantemente turistas de todo el mundo, además de gente de negocios que viene a la ciudad cada cierto tiempo y sabemos que poco a poco irán trayendo a sus amigos y dando a conocer el bar boca a boca", concluyó Chau, que importará entre 40 y 50 toneladas de hielo dos veces al año, incluidos unos 50.000 vasos.

La empresa sueca Icehotel, que construye un hotel de hielo todos los años en Jukkasjärvi (Laponia, Suecia), que dura unos cuatro meses hasta que se derrite, tiene otros seis bares parecidos en esa ciudad y en Estocolmo, Milán, Londres, Copenhague y Tokio, aunque le han salido imitadores en Finlandia, Francia, Rumanía y Sudáfrica. EFECOM -jad/mz/vnz - http://groups.msn.com/institutodelosandes

29/07/2007 15:44 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

BASURAMA

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que hay artistas que convierten la basura en una obra de arte?

Fuente:artelista.com - Vasos, colillas, envoltorios... Cualquier tipo de desecho sirve. El resultado: "Eres lo que tiras", el título de la estructura metálica que ha construido el Grupo Basurama en la playa de Voramar, en Castellón, España. Se trata de un basurero gigante, de 5 metros de alto, una revelación pública de la cantidad de desechos que genera un evento como el Festival Internacional de Benicássim, el FIB.

Basurama, los creadores Basurama es un colectivo de nueve personas dedicado a la investigación y a la gestión cultural desde 2001. Su principal área de estudio y de actuación son los procesos productivos, la generación de desechos que éstos implican.

Ahora, para enseñarnos como la desaparición inmediata oculta a la gente la realidad de la gran cantidad de deshechos que se acumulan y el deterioro que este provoca en el medio ambiente, el colectivo ha dirigido el proyecto "Eres lo que tiras".  

De hecho los creadores de la obra de arte no han sido ellos, sino los turistas y asistentes al FIB que participaron lanzando sus propios vasos, parasoles, colchonetas y todo tipo de restos a la obra de arte, durante los días que duró el acto, del 19 al 22 de junio.  

Aprovechando los desechos. Durante la edición pasada, en tres días de música, baile y acampada, el festival generó unas 185 toneladas de desperdicios, y la cantidad aumenta cada año. El colectivo de Basurama pedía bolsas de basura llenas a los servicios limpieza del FIB diariamente a las 6 de la mañana. Hasta las ocho, se encargaban de llenar su instalación con desechos. El sábado por la tarde, penúltimo día del festival, la obra "lucía" una gran cantidad de desechos.  

Una obra de arte efímera. El lunes 23 de julio "Eres lo que tiras" despareció de la bonita playa de Castellón, y sus restos en cualquier planta de desechos. En la estructura metálica han querido mostrar los desechos que genera el ocio.

Además, pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. Esta no es la primera vez que realizan proyectos, ya han estado actuando en actividades en Bruselas, San Sebastián, Palma de Mallorca , y Valdemoro.   La obra de arte no pasaba desapercibida debido a su tamaño y a su peculiaridad, así que transformar la basura en arte ha sido una buena manera de llamar la atención a la gente para que se den cuenta de la cantidad de basura que se lanzan en festivales como el FIB.

EL TENEBRISMO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

¿Sabías que existe una corriente que se fija sólo en los aspectos desagradables de la realidad?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Se conoce como tenebrismo. ¿Ejemplos? Una mujer ahogada en el Tíber representando a Maria de Jerusalén, el rey David sosteniendo la cabeza cortada de Goliat, la crucificción de San Pedro... Son algunos de los temas que se pueden contemplar en el tenebrismo italiano perteneciente al Barroco. Unas representaciones que llevaron a la polémica al impulsor de esta corriente, Michelangelo Merisi da Caravaggio.

Tenebrismo

El tenebrismo es un estilo iniciado en Italia por Caravaggio. El pintor barroco busca la representación de las cosas, estudiadas en su contexto espacial y luminoso. En esta corriente no se necesita buscar temas ya que la simple observación de la realidad proporciona al pintor los objetos y situaciones qué pintar.

Luz de sótano y luz de bodega

Caravaggio pintaba sus obras con un único foco de luz elevado que normalmente travesaba en diagonal la escena pintada. Por medio de hábiles golpes de luz resaltaba las partes más elocuentes, mientras el resto permanecía en penumbra. Se ha hablado de luz de sótano y luz de bodega en referencia a este modo de iluminación caravaggiesca.

Temas crudos, temas controvertidos

Las atmósferas de luz y tiniebla envuelven escenarios muy realistas. Caravaggio se inclina por la representación de los aspectos más crudos de la realidad. Cuando el pintor barroco eligió como modelo de Maria, para la obra "La muerte de la Madre de la Virgen", una mujer ahogada en el Tíber, fue muy criticado por tota la sociedad ya que esta no estaba preparada para aceptar algo tan revolucionario. Hasta entonces se había primado la idealización y era inconcebible representar personajes bíblicos sin majestuosidad.

Trascendencia universal del tenebrismo

El tenebrismo es la contribución más importante de Italia; Guido Reni i Il Domenichino siguieron una gran parte de su obra. Además, casi todos los países europeos pasaron por una etapa tenebrista. Algunos de los grandes maestros que no dejaron nunca los principios de iluminación son Rembrandt o Zurbarán. Otros, como Murillo o Velázquez, los abandonaron después de haberlos utilizado.

Fuente: artelista.com

18/07/2007 06:43 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

¿Ya tienes tu DIONISOS 58?

¡Sabrosa lectura!

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El número 58 (Junio 2007) de la revista especializada en "los placeres de la buena vida", DIONISOS, ya está en circulación desde hace unas semanas. Esta edición, como de costumbre, viene bien surtida de lo mejor en bebidas y manjares. A saber: una estrevista de cuatro páginas a nuestro ex-alumno Gonzalo Ferrand, uno de los Chefs nacionales que más elogios ha estado cosechando, un jugoso artículo sobre la Historia de la Hamburguesa, en su sección "Toneles del Tiempo", una reseña del diario de una noble cocinera del Siglo XVI, Doña Inés Muñoz, encargada de la mesa de los Pizarro, un artículo sobre la "Mágica Mesa de Harry Potter" y su muy solicitada sección de "Gastronomía Inteligente", patrocinada por el Instituto de los Andes. ¡A comer!

07/07/2007 18:03 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

Trazos milenarios

¿Sabías que los antecedentes del graffiti se remontan a la prehistoria?


Actual, moderno, directo... Así es el graffiti por definición, un arte con marcado carácter urbano, que vive en las calles de ciudades de medio mundo. Desde los trenes de Nueva York, llegó a Europa arrastrado por la cultura hip-hop en los años 80. Pero sus orígenes son mucho más ancestrales. Millones de años atrás, en la prehistoria, las cuevas estaban llenas de graffitis. Por ese entonces eran conocidos como pinturas rupestres.

La reinvención del graffiti

Dicen los expertos que el graffiti nació en Nueva York de la mano del hip hop hace más de treinta años. Hoy en día ya no son sólo los amantes de este estilo musical los que hacen graffitis. Hoy en día los grafitteros han descubierto nuevas técnicas, materiales y canales de expresión innovadores para plasmar en el paisaje urbano todas sus ideas. Incluso se han reinventado para entrar en las galerías, centros de arte, museos y hasta en ferias de arte.

¿Qué significa graffiti?

Sobre lienzos, instalaciones e incluso esculturas, el graffiti y los artistas urbanos encuentran su espacio dentro del arte contemporáneo. Pero, ¿dónde se encuentran realmente las raíces de este arte? Empecemos por analizar la palabra. "Graffiti" es un término que proviene del latín 'graphiti': en italiano, "graffiti" es el plural de graffito, que significa "marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro" y así se llaman las inscripciones que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio Romano.

Los romanos realizaban abundantes graphiti. Se han encontrado inscripciones en latín vulgar con consignas políticas, insultos, declaraciones de amor... Los principales lugares en los que se han visto son en las zonas menos afectadas por la erosión. Además, también se conocen hechos de marineros y piratas que dejaban sus seudónimos o iniciales marcados sobre las piedras o grutas quemando un trozo de corcho.

Un medio de comunicación prehistórico

No obstante, se sabe de antecedentes del graffiti aún más remotos, en la prehistoria. Los hombres primitivos utilizaban las paredes de las cuevas como soporte de las pinturas rupestres: representaciones de animales, de escenas de caza, etc. No tenían otro objetivo que el de satisfacer uno de los más ancestrales instintos del hombre: el de comunicarse. En esa época era el único de modo de contactar con la gente ya que no sabían hablar ni escribir. Hasta el siglo XIV la pared fue uno de los principales soportes de la producción artística, como es el caso de la pintura mural.

Un antecedente peculiar

Uno de los ejemplos de graffiti más importante en el siglo XIX es el que encontró la policía londinense en 1888 tras un asesinato cuyo acusado era Jack el Destripador. Se trataba de una frase escrita con tiza en el delantal de la víctima: The Juwes are the men That Will not be Blamed for nothing". Se interpretó que la palabra Juwes era una versión incorrecta de Jews ("judíos"), con lo que una traducción podría ser "Los judíos son los hombres que no serán culpados de nada". Temiendo que la inscripción pudiese aumentar los sentimientos contra los judíos de gran parte de la población, se borró la frase del delantal. Evidentemente, varios agentes se mostraron opuestos a esta medida ya que el graffiti representaba una pista en la investigación de los crímenes.

El graffiti hoy

Desde entonces el graffiti ha ido avanzando. Graffiteros de todo el mundo son expertos en el manejo de espacios y los grandes volúmenes y en la aplicación de aerosoles acrílicos, válvulas, rodillos y pinceles a grandes paredes. Algunos ilustres artistas urbanos como los estadounidenses Basquiat, Keith Haring y Shepard Fairey o el británico Bansky recurrieron al spray para dar expresión a su arte.

Pero os preguntaréis, ¿qué une al humano primitivo con el graffitero actual? Tanto prehistóricos como contemporáneos tienen claras las premisas del graffiti: ser original, diferente, fresco, directo y espontáneo al transmitir un lenguaje de la calle. Y claro, como no, estar en constante evolución.

Fuente: artelista.com

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03/07/2007 22:27 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LOS ARTISTAS

¿Sabías que durante el nazismo algunos artistas fueron tachados de "degenerados"?


Entre los años 1933 y 1945, el nazismo impuso en Alemania un arte peculiar, un arte que servía de instrumento para la consolidación del régimen y el sometimiento de las masas. Rembrandt, Van Gogh, Picasso, Kandinsky, Munch... Ellos fueron algunos de los artistas calificados como "degenerados" por el régimen nazi. Hitler consideraba que su arte no transmitía los ideales del nazismo y que sus obras eran fruto de una fantasía enfermiza.

El arte del nazismo

En la segunda mitad del siglo XX el nazismo, en manos de Hitler y Goebbels, impuso en Alemania un arte peculiar, distinto, exclusivo, un arte que utilizaban como instrumento fundamental para la consolidación del régimen y el sometimiento de las masas. Y es que por aquel entonces la cultura en general se utilizó como arma del nazismo para transmitir los ideales de Hitler. El dictador era un apasionado del arte, en su juventud intentó entrar varias veces en la Academia de Bellas Artes para estudiar pintura. Pero nunca llegó a conseguirlo. Se dice que esta frustración fue desarrollando en él su complejo contra la sociedad.

La confiscación de obras de arte

El intento del dictador por convertir a Linz, ciudad alemana, en el centro de la nueva cultura del país dio inicio al gran saqueo de obras de arte en la Europa ocupada durante la Segunda Guerra mundial. La adquisición más costosa en tierra holandesa fue la de gran parte de la colección de Mannheimer, que contenía tesoros como el Doctor judío, de Rembrandt. El saqueo del proyecto Linz llegó hasta Francia. Cerca de 21.000 piezas fueron robadas sólo en ese país. Además, el 18 de noviembre de 1940 Hitler proclamó su derecho a disponer de todas las obras de arte confiscadas en los territorios ocupados.
Muchas de las obras robadas perecieron en una gran hoguera en marzo de 1939 en Berlín. El resto se subastaron a nivel internacional para aportar fondos a la propaganda nazi.

La muestra de "Arte degenerativo"

Algunas corrientes como el expresionismo, el impresionismo, el dadaísmo, el surrealismo... representaban innovaciones estéticas, de manera que contradecían el ideal de belleza propagado por el régimen nazi, el tradicionalismo y clasicismo.

En 1937, los nazis mostraban en Münich 650 pinturas y esculturas que ellos mismos habían confiscado de los museos y las galerías privadas de toda Alemania. La exposición llevaba el título de "Arte degenerativo".  La muestra estaba prohibida para menores y exhibía grandes pinturas junto a dibujos de discapacitados mentales, comentarios despectivos o fotografías repulsivas, para ridiculizar y llevar al absurdo el concepto moderno del arte.

La locura inventada de grandes artistas

En la apertura de la exposición, el presidente de la Cámara de Cultura del Tercer Reich, Adolf Ziegler, dijo: "Lo que están viendo son los productos enfermos de la locura, la impertinencia y la falta de talento. Necesitaría varios trenes de carga para limpiar nuestras galerías de esta basura... Esto sucederá pronto". La muestra incluía obras tan valiosas artísticamente como las de Paul Klee, Pablo Picasso, Vincent Van Gogh, Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Max Ernst, Otto Dix y Eduard Munch, entre otros, eran consideradas fruto de una "fantasía enfermiza".

Afortunadamente, el nazismo no consiguió aniquilar por completo las innovaciones estéticas.

FOTO 1. Autoretrato de Rembrandt, de 1643.
FOTO 2. Autoretrato de Pablo Picasso, pintado en 1907.
FOTO 3. Autoretrato de Marc Chagall de 1914.
FOTO 4. Autoretrato de Edward Munch de 1895.

Fuente: artelista.com

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27/06/2007 14:17 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL ALCÁZAR Y GALILEO

El Alcázar evoca la relación de Galileo Galilei con la ciencia artillera


HOTO/PEÑALOSA

El catedrático y académico de la Real de la Lengua José Manuel Sánchez Ron dedicó su conferencia en el XXIV Día del Alcázar a glosar la figura del astrónomo y físico italiano y su relación con la artillería.

POR: M.Galindo - Segovia

El científico italiano Galileo Galilei (1564-1642) es uno de los principales teóricos de la ciencia aplicada a la artillería a través de sus estudios sobre la trayectoria de los proyectiles previos a la aplicación de la mecánica de Newton.

Esta fue una de las principales conclusiones de la conferencia pronunciada ayer por el catedrático de Física Teórica de la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), José Manuel Sánchez Ron, en el transcurso del XXIV Día del Alcázar, que tuvo lugar en la Sala de Reyes de la fortaleza segoviana.

El acto estuvo presidido por el presidente del Patronato del Alcázar, general Luis-Díaz Ripoll Isern, que estuvo acompañado por el alcalde Pedro Arahuetes, el subdelegado del Gobierno Juan Luis Gordo, el presidente de la Diputación Provincial, Javier Santamaría, y el presidente de la Audiencia Provincial de Segovia, Andrés Palomo, así como los patronos de la fortaleza y una amplia representación de todos los sectores sociales de la capital.

En su conferencia, Sánchez Ron destacó la figura del astrónomo, filósofo, matemático y físico que encabezó la revolución científica del renacimiento, y que defendió "con pasión" las tesis heliocentristas de Copérnico que aseguraban que el sol es el eje del universo.

En este sentido, indicó que la controversia que mantuvo con la Iglesia Católica de la época "suele tomarse como el mejor ejemplo de conflicto entre la autoridad y la libertad de pensamiento en la sociedad occidental".

Sánchez Ron indicó que entre sus múltiples facetas científicas, la obra de Galileo destacó por su preocupación por la aplicación de la ciencia al desarrollo de la artillería; elaborando para ello estudios recogidos en su libro "Discursos y demostraciones sobre dos nuevas ciencias (1638).

Indicó que en este trabajo Galileo "presentó importantes avances sobre la trayectoria de los proyectiles medio siglo antes de que Newton presentara sus tesis sobre la gravedad; y ya tuvo en cuenta de forma incipiente para el cálculo de los disparos de las piezas larelación entre la fuerza de la gravedad y la inercia".

En cuanto a su obra, el catedrático y académico de la Lengua aseguró que Galileo "es uno de los personajes más reconocidos en la historia de la ciencia, y su personalidad ha causado impresión en autores contemporáneos como el dramaturgo Bertolt Brecht o la cineasta Liliana Cavani, que han dedicado algunas de sus obras a su figura".

Antes de la conferencia, el presidente del Patronato del Alcázar y director de la Academia de Artillería, general Luis Díaz-Ripoll anunció la concesión de la medalla de plata del Alcázar al Jefe del Estado Mayor de la Defensa, general Félix Sanz Roldán, que no pudo asistir al acto por estar de viaje oficial en Estados Unidos.

Díaz-Ripoll aseguró que el Alcázar mantiene las cifras de medio millón de visitas anuales y afrontará este año la renovación de todo su sistema de distribución eléctrica para adaptarlo a las exigencias de la legislación vigente.

Asimismo, señaló que el Alcázar colaborará en los actos de conmemoración del bicentenario del inicio de la Guerra de la Independencia que el próximo año organizará la Academia de Artillería con la publicación de un libro sobre la historia de la fortaleza y con la exhibición de una muestra dedicada a las maquetas militares.

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23/06/2007 14:19 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

LE CORBUSIER

 

2007, el año de Le Corbusier, el artista que pensaba en el hombre


Es uno de los arquitectos más influyentes y admirados de la historia de la arquitectura. Teórico, urbanista, y uno de los padres de la arquitectura moderna. El hombre que por las tardes proyectaba sus edificaciones y por las mañanas pintaba sin parar. Hablamos de Le Corbusier, el polifacético artista que este año recibe numerosos homenajes por el 120º aniversario de su nacimiento.   El polifacético Le Corbusier Su nombre real es Charles Édouard Jeanneret-Gris. Nació en La Chauz-de-Fonds, una francófona ciudad suiza, en 1887. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo "Le Corbusier", el apellido de su abuelo materno. Ahora es recordado por ser uno de los principales creadores de iconos dentro del arte industrial de las primeras décadas del siglo XX. Arquitecto, urbanista, teórico de la arquitectura y pintor.   Por las tardes, cuando se iba a su estudio, proyectaba sus edificaciones. Por las mañanas se dedicaba a la pintura, su otra gran pasión. Junto a su colega Ozenfant y vinculado al cubismo, se vio inmerso en el universo de posibilidades que le brindaba la pintura. Dejó una profusa colección de lienzos, obra gráfica y sobre todo de dibujos, afición que nunca dejaría de practicar. Ahora el Mori Art Museum de Tokio le homenajea a en el 120º aniversario de su nacimiento.   Un homenaje en Japón Y es que Le Corbusier es el arquitecto no nipón más respetado en Japón. Su influencia es evidente en todos los grandes arquitectos del país asiático. Es por ese entusiasmo que despierta allí, que el Mori Art Museum de Tokio ha inaugurado una exposición que muestra una completa selección de pinturas, dibujos, esculturas, maquetas, fotografías... Incluso la recreación a escala de algunos de sus espacios más emblemáticos: su estudio en París, dos de los apartamentos que componían la famosa "Unité" de habitación de Marsella y otro de "Le Petite Cabanon" (una cabaña de madera edificada en Cap Martin, al sur de Francia y su última residencia). Todos ellos equipados con replicas del mobiliario, la decoración y los objetos personales de Le Corbusier.   Arte y arquitectura "Le Corbusier: Art and Architecture - A Life of Creativity" es el título de esta exposición que nos sumerge en la relación que arte y arquitectura tuvieron para el artista. Aunque son mucho más conocidas sus teorías arquitectónicas es evidente que su actividad en el terreno de las artes plásticas merece también una atención especial como la que en esta ocasión le brinda este museo japonés. Fuente: artelista.com

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21/06/2007 14:20 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PICASSO APASIONADO DEL ARTE AFRICANO

¿Sabías que Picasso era un apasionado del arte africano?

"Las Señoritas de Aviñón" (1907) de Picasso muestran el impacto del encuentro entre Picasso y el arte africano.

Enigmática. Así califican los expertos la fascinación que sentía Pablo Picasso por la cultura, los ritos y las costumbres del África profunda. Y es que según una conferencia ofrecida en el Museo Picasso de Málaga, desde joven el artista andaluz se sintió atraído por el significado de los objetos africanos, especialmente por aquellos a los que se les atribuían poderes. Y así lo plasmó en muchas de sus obras.

El arte que cautivó a Picasso

'Objetos mágicos: símbolos africanos de poder y Picasso'. Este es el título de la conferencia que la profesora del Maine College of Arts (Estados Unidos), Aimée Conlin-Bessire, ofreció la semana pasada en el Auditorio del Museo Picasso Málaga (MPM).  La ponencia, que estaba incluida en el ciclo 'Picasso y África' explicó como el interés de Picasso en el arte africano fue más allá de lo estrictamente formal, hasta el punto de que muchos estudiosos de su obra calificaron de "enigmática" la relación entre su trabajo y el continente de ultramar. El artista andaluz se sintió atraído por el significado de los objetos, especialmente de aquellos a los que, por contener sustancias ocultas o por "activación espiritual", se le atribuían poderes.

Los rasgos africanos de algunos Picassos

En este sentido, Aimée Conlin-Bessire, apasionada por la cultura africana, mostró en su ponencia la influencia de ésta en la obra picassiana, en la que es posible encontrar rasgos comunes, como las formas simplificadas, el uso de materiales básicos y un simbolismo que a veces raya lo misterioso.

La profesora estudió en las universidades de Nueva York y Harvard, donde realizó el doctorado y recibió diferentes becas de investigación para posgraduados entre las que se encuentra la prestigiosa beca Getty, recibida para desarrollar su tesis doctoral, que versó sobre arte africano. Entre los años 1993 y 1996 trabajó en Tanzania junto a su marido en la catalogación y registro de las piezas del Museo Sukuma en Mwanza.

Exposiciones

El fruto de esta estancia fue la exposición 'El arte de la identidad: arte africano de la Colección Tee' (1996), que tuvo lugar en el Museo Fogg de la Universidad de Harvard. Paralelamente, ejerció como directora de Investigación, Fuentes y Estudios de la Cultura Visual Africana en esta institución. Actualmente, Conlin-Bessire es profesora asociada en el Maine College of Arts y es autora de otros textos sobre arte y cultura africanas.

Paralelamente a este acto está en marcha "Pequeña figura", una muestra que abre una serie de exposiciones organizadas bajo el título de "La Colección en Contexto", cuyo fin será situar histórica y artísticamente piezas seleccionadas de los fondos del Museo Picasso de Málaga.

Más información: Museo Picasso de Málaga

Fuente: artelista.com

20/06/2007 15:15 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL GRAN MONET

 

¿Sabías que Monet no se acercó a la abstracción al final de su vida sino que veía mal?

 

 

 

 

 

 

 

En sus últimos años de vida el padre del Impresionismo, Claude Monet, pintaba obras muy cercanas a la abstracción. Pero, al contrario de lo que muchos creían, no estaba cambiando de estilo. Simplemente sufría cataratas. Eso asegura Michael Marmor, profesor de oftalmología de la Universidad de Stanford (EEUU), tal como publica la revista Antiqvaria.   Problemas de vista Y él no era el único. Edgar Degas (1834-1917) también sufría problemas de vista. Y es que, según la experiencia llevada a cabo por de esta universidad americana, las pinturas del impresionista Claude Monet  y de Edgar Degas no querían manifestar un cambio de estilo al final de su vida y aproximarse a la abstracción, sino que sufrían enfermedades de la vista ligadas a la edad.   Monet y sus cataratas Según el profesor Michael Marmor, que ha recreado las imágenes que veían los dos artistas por ordenador, a través de un sistema de filtros y apoyándose en documentos de la época, Degas sufría degeneración macular y Monet cataratas.   Bajo el punto de vista del profesor, que describe su experiencia en una revista especializada llamada "The Archives Of Ophtalmology", al final de su vida, los contemporáneos de los dos pintores habían notado que sus obras eran de factura gruesa, contrariamente a lo realizado con anterioridad. Según el autor, en la obra Puente japonés de Giverny donde se ven radicales naranjas y azules, Monet veía un mejunje verde amarillento. Marmor cree que el artista al final escogía los colores por la etiqueta y cuando se operó destruyó muchos de los cuadros de ese periodo.   Degas y sus problemas de vista Degas, a quien la vista se le deterioró entre 1860 y 1910, pintaba cada vez de manera más frustrada, y la enfermedad que padecía hacía que los contrastes fuesen cada vez menos difusos. Para Monet, que finalmente fue operado al final de su vida, "la catarata hace la visión borrosa, pero también puede afectar a la capacidad de distinguir colores", escribe el profesor, y los "colores se vuelven amarillos y sombríos".   El profesor aclara que su teoría no pretende explicar el arte sino aportar datos sobre los obstáculos a los que se enfrentaron los pintores. Su estudio está basado en documentos históricos, entre los que se incluyen cartas donde los artistas hablan de su visión pero no mencionan su intención de evolucionar hacia el arte abstracto. Fuente: artelista.com

19/06/2007 15:28 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL PERFUME MÁS CARO DEL MUNDO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

Málaga, 15 jun (EFE).- El considerado como el perfume más caro del mundo, cuyo precio alcanza en el mercado los 195.000 euros, ha sido presentado por primera vez en España, donde se venderá en breve a través de internet.

Se trata del "No.I Imperial Majesty", creado en 1872 a petición de la reina Victoria de Inglaterra y que fue elegido para los pasajeros de primera clase del "Titanic" ya que se consideraba una joya hasta el punto que las damas que lo utilizaban lo lucían en el escote prendido al corsé para que todo el mundo lo viera.

Así lo explicó en el acto de presentación en España -el tercero tras los de Londres y Nueva York- Victoria Christian, representante de la empresa Clive Christian, quien destacó que cada gota del "No.I" concentra la esencia de 170 rosas.

El proceso de fabricación de la fragancia dura un año y se necesitan "unos doscientos ingredientes" como sándalo indio, jazmín árabe, vainilla de Tahití y alguna de las variedades de rosas con las que trabajan y que cultivan en países como Francia, Bulgaria o Egipto.

También es el más caro del mundo su envase de cristal de bacarat de 500 mililitros, de fabricación limitada y exclusiva, ya que incluye un diamante blanco en su cuello y su tapón reproduce la corona de la reina Victoria.

La elaboración de cada uno de estos envases, de cinco kilos de peso, "persigue la perfección", según Victoria Christian, quien explicó cómo de cada trece botes que se fabrican "suele salir uno perfecto y se tiran los otros doce por tener el más mínimo defecto".

Esta fragancia tiene una versión femenina, "serena y sofisticada" y que incluye entre sus ingredientes "una suave vainilla de Tahití que tarda en cristalizar seis meses", y otra masculina considerada "refinada" y que se basa en madera de sándalo procedente de árboles centenarios de la India.

Ambos tienen el mismo precio, 195.000 euros por envase, aunque de este mismo perfume -que usó la actriz Katie Holmes en su boda con Tom Cruise- también se comercializan para hombre y mujer frascos de treinta mililitros por 1.950 euros.

Además del "No.I", Clive Christian también elabora otros perfumes que en ningún caso bajan de los 250 euros que cuesta el conjunto de viaje en el que se incluyen tres botes de diez mililitros.

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16/06/2007 17:48 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

PREMIAN AL NOBEL ALEXANDER SOLYENITZIN

Putin premia al escritor Alexander Solyenitzin ...

Putin premia al escritor Alexander Solyenitzin

Instituto de los Andes - La Revista 

MOSCÚ (AFP) - El presidente ruso, Vladimir Putin, rindió el martes homenaje al Premio Nobel de literatura y ex disidente soviético Alexander Solyenitzin, un hombre que "ha dedicado su vida a la patria", al otorgarle el prestigioso Premio de Estado en una ceremonia en el Kremlin.

"Millones de personas en el mundo relacionan el nombre y las obras de Alexander Solyenitzin con la suerte de Rusia", declaró Putin ante varias personalidades, entre ellas la esposa del escritor, Natalia, quien recibió el premio en nombre de su marido, demasiado frágil a los 88 años para desplazarse.

"Él ha dedicado prácticamente toda su vida, a través de sus obras científicas y su trabajo literario eminente, a la patria. Como él mismo lo ha dicho: Rusia somos nosotros mismos. Somos su carne y su sangre, su pueblo", añadió el presidente ruso.

Poco después Vladimir Putin, que era oficial del KGB cuando el escritor vivía en el exilio, fue a visitarlo a su casa de Troitse-Lykovo, en el noroeste de Moscú, para felicitarlo personalmente.

El Premio Nobel, que apareció algo demacrado en una silla de ruedas, expresó su alegría al recibir a Putin. "Aprecio mucho vuestra visita", dijo, según las imágenes difundidas por televisión.

Los dos hombres hablaron de "la situación de Rusia" y del "futuro del país", declaró Putin, citado por las agencias rusas, al término de su visita.

"Me pidió que prestara atención a la necesidad de sostener las pequeñas y medianas empresas y a la clase media en Rusia", dijo Putin.

Poco antes, en un mensaje de vídeo transmitido en el Kremlin, el ex disidente, cuyas apariciones públicas son cada vez más escasas, dijo que se sentía "muy orgulloso de la atención prestada a su trabajo".

"Al final de mi vida, puedo esperar que el material histórico que he recolectado entrará en las conciencias y la memoria de mis compatriotas", dijo el escritor.

"Nuestra amarga experiencia nacional ayudará, en caso de nuevas condiciones sociales inestables, a prevenir funestos fracasos", añadió Solyenitzin, quien reveló al mundo la realidad de los campos de concentración soviéticos en sus obras.

Premio Nobel de literatura en 1970, Solyenitzin fue despojado de la ciudadanía soviética en 1974 y expulsado de la URSS, viviendo luego en Alemania, Suiza y Estados Unidos, hasta su retorno a Rusia en 1994.

El escritor recibió el Premio de Estado por "sus realizaciones excepcionales en el campo humanista", otorgado el año pasado al Patriarca ruso Alexis II.

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13/06/2007 14:22 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

RECORDANDO A FRIDA KAHLO

México inaugura una muestra jamás reunida ...  

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

MÉXICO (AFP) - La multifacética obra de la pintora Frida Kahlo será exhibida en México desde este miércoles en una muestra jamás reunida hasta ahora a nivel mundial, incluidos documentos inéditos sobre su militancia política y vida familiar.

"El gran autorretrato de Frida Kahlo", dijo a AFP el co-curador Juan Coronel Rivera al definir la dimensión de la exposición que abarca ocho grandes salas del Museo Nacional de Bellas Artes capitalino, donde se exponen 354 piezas, varias de ellas presentadas por primera vez en México.  

Al cumplirse el centenario del natalicio de la artista (1907-1954), 69 instituciones y coleccionistas colaboraron con sus obras y documentos para mostrar toda su trayectoria artística, aspectos de una vida privada atormentada por 33 operaciones, su matrimonio con el muralista Diego Rivera, su etapa en Estados Unidos y la militancia política.  

Coronel Rivera, curador de 50 exposiciones de Diego Rivera y una decena de la artista mexicana, sostuvo que la popularidad de Frida Kahlo trasciende cualquier interés político o comercial de casas de arte.   "La gente la hizo popular, como a (Pablo) Picasso. No se necesita un impulso gubernamental o que esté en juego algún aspecto comercial. Ella es de la gente. Es un icono universal", afirmó el experto al augurar una asistencia masiva a la muestra que cerrará el 19 de agosto.   En varias salas aparecen sus conocidos autorretratos como 'Pensando en la muerte' o 'Autorretrato con manos' (ambos de 1943) y otras obras en óleos, grabados, dibujos y fotografías que reflejan su versalitidad, algunas de ellas inéditas en México.   En un marco histórico y social, otra sala muestra la vida política de Kahlo, a través de fotos y documentos originales de la época, que detallan su militancia en el Partido Comunista, su relación con León Trotsky y otras figuras de la época.  

También se ha generado un espacio "íntimo" de la artista, con imágenes familiares desconocidas, así como de su etapa juvenil poco conocida como maestra y modelo fotográfica.   Una sección especial estará dedicada a su padre, Guillermo Kahlo, considerado un personaje "trascendental en la vida, desarrollo y concepción creativa de su hija", dijeron los organizadores durante un recorrido especial para la prensa.

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13/06/2007 14:08 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.

EL FAMOSO COMPOSITOR COLE PORTER NACIÓ EN PERU

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

PERU, Indiana. - Los admiradores de Cole Porter transformaron la casa donde el compositor pasó su infancia en un museo y en un estadero.

Varios cientos de personas estuvieron presentes el viernes en la dedicatoria de la casa de madera de dos pisos adonde nació Porter en 1891 y adonde vivió los primeros 10 años de su vida. Allí fue a donde aprendió a tocar el violín, y fue allí a donde compuso su primera canción, una dedicada a su madre: Kate.

Con el paso de las décadas, la casa, localizada a unos 105 kilómetros caso 65 millas_ al norte de Indiana, estaba muy mal estado y hasta llegó a ser utilizada como laboratorio para preparar metanfetaminas.

Pero sus dedicados admiradores intervinieron para rescatarla y restaurarla con fondos de la organización sin ánimo de lucro Ole Olsen Memorial Theatre, un grupo de Perú, Indiana, compró la casa en el 2004.

"Pasó de casa de drogas a casa de mágica", dijo el alcalde de Perú, Jim Walker.

Porter, quien falleció en 1964, escribió más de 1.500 canciones para el teatro, el cine y la televisión, entre ellas "Night and Day", "Anything Goes" y "I&apos;ve Got You Under My Skin".

EL CÓMIC EN LA CATEGORÍA DE ARTE

 

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que Roy Lichtenstein consiguió elevar el cómic a la categoría de arte?

Junto con Andy Warhol fue el máximo representante del Pop Art. Sus obras, como sacadas de un cómic, derrochan color y sentido del humor, y en su época le convirtieron en blanco de todas las críticas. Es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos cómics. El artista que supo como convertir el cómic en un arte.  

Los inicios de Lichtenstein. Roy Lichtenstein está considerado como uno de los máximos representantes del arte pop. Nació en Nueva York en 1923 y estudió en una escuela secundaria privada donde el arte no constaba ni siquiera en el programa. Pero el joven Roy, inspirado por Picasso, comenzó a pintar en su casa.

Sus primeros trabajos fueron retratos de músicos de jazz y escenas de carnavales y combates de boxeo.   Durante los años 40 y 50, Lichtenstein hizo sus primeras exposiciones de pinturas cubistas y expresionistas, trabajó como dibujante gráfico, escaparatista y obtuvo una plaza de profesor ayudante de arte.   El arte del cómic. Hasta aquí, nadie podía pensar que su arte iba a hacer historia.

Pero en 1957 empezó a experimentar con un arte inspirado en las tiras cómicas. '¡Mira Micky, pesqué uno grande!' es una de sus pinturas más llamativas de esa época. Era un dibujo que partía del envoltorio de un dulce que amplió en una tela de grandes dimensiones. Objetos tan cotidianos como los billetes de dólar o el personaje de cómic Pato Donald, también sirvieron a Roy para inspirarse.  

Precisamente es así, tomando los objetos de la cultura popular y reinterpretándolos a través del cómic, como el artista consiguió que el cómic se elevara a los altares del arte.  Reelaboraba la imagen para transformarla en icono a través de su representación de las cosas vulgares o de los sentimientos. Todo plasmado a través del lenguaje de cómic. Óleos, serigrafías,  litografías... todas sus obras son conocidas en todo el mundo. Por eso carteles y postales que reproducen sus obras se encuentran por doquier.  

Críticas y reconocimiento. Su éxito hizo que en 1962 hiciera su primera muestra como artista pop en Manhattan. Empezó así su andadura por el arte contemporáneo, en el que utilizó sus conocimientos como diseñador para crear una pintura con la fuerza de los grandes carteles publicitarios y utilizando la trama punteada del fotograbado. A pesar de que su arte, parecido a la estética de las obras de Andy Warhol, no era aceptado por todo el público ni por todos los críticos, en 1987 se convirtió en el primer artista vivo al que le dedicó una retrospectiva el mítico Museo de Arte Moderno de Nueva York. Murió el 29 de septiembre de 1997 en la gran manzana. Fuente: arlista.com

10/06/2007 05:26 Jaime Ariansen Céspedes Enlace permanente. 02 LA REVISTA No hay comentarios. Comentar.


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