Cuando la peste es el asunto

artelista.com - Los miedos actuales, aún a pesar de ser actuales, no son nuevos. Y una de las grandes funciones históricas del arte ha sido la de "ahuyentar fantasmas": de alguna manera, la representación de la enfermedad, de la fealdad, de lo que horroriza y repugna, nos aleja de ello al convertirnos en espectadores. Si se hace público, se muestra, se saca al exterior, no nos puede afectar porque ya no podemos ocupar el papel de protagonistas, sería la peculiar lógica de este pensamiento. Hoy, una gripe extraña; hace siglos fueron enfermedades como la Peste Negra, la Gripe española o, más recientemente, el Sida las amenazas que artistas del calibre de Rubens, Brueghel, Goya, Munch, Böcklin o Haring plasmaron en sus lienzos, cual catárticos amuletos.


De esta manera, el arte no sólo no se limita a reproducir la belleza, como han exigido muchos, sino que en ocasiones ha acogido en su seno los aspectos más dramáticos de la realidad: la guerra, la muerte y, cómo no, la enfermedad. Y es que, como medio de expresión que se hace eco de todos los aspectos de la vida, no puede dejar de lado aquéllos que la mayoría preferimos no tener presentes. Sin embargo, en determinadas épocas en las que las pandemias hicieron mella en el ánimo colectivo, el arte dio un paso más allá convirtiéndose en una especie de medio de control. Ya en la época de la imprenta podemos encontrar las primeras xilografías en las que un apestado es el protagonista; en este caso, la función era claramente didáctica y el grabado un ejemplo visual para médicos y cuidadores (que así sabrían dónde encontrar los bubones de la enfermedad y cómo curarlos).  

La peste bubónica, conocida como Peste Negra, fue una de las epidemias más mortales del pasado: sólo en el s.XIV diezmaría un tercio de la población europea (eso sin contar los múltiples rebrotes de la enfermedad), de modo que debía ser algo muy presente en la vida cotidiana de finales de la Edad Media. Esta circunstancia queda recogida en la obra de multitud de maestros de la época y posteriores, como Durero, Holbein o, no podía ser de otra manera, El Bosco y Brueghel (El triunfo sobre la muerte, 1562, obra cuya teoría más admitida es la alusión a la peste del XIV). Un tema que más tarde recuperarán artistas como Rubens, Goya de una forma indirecta en sus Desastres (y en La Peste, de 1823) o, casi a comienzos del s.XX, Arnold Böcklin (La peste, 1898)

Un siglo que asistirá a otra de las pandemias más virulentas de la historia (mató a unos 40 millones de personas): la Gripe española, así llamada porque, debido a la gran cobertura que dieron los medios a la enfermedad en este país, daba la sensación de que era el único afectado. Y, en este caso, hemos de remitirnos a otro amante de lo grotesco: Munch, autor del famoso Autorretrato después de la gripe española. En muchos casos, estas obras son buenos testimonios de un sentir general y un documento histórico de primer orden. En otras, realmente actúan como catarsis, procurando al artista el medio para "expulsar" lo que de otra manera no sería capaz de llevar consigo, como sucede con uno de los más conocidos artistas del s.XX, afectado de otra enfermedad global: Keith Haring, muerto víctima del sida a los 32 años.

La seducción de lo feo

La subjetividad de los conceptos bello y feo se refleja en la mutación y variación que estos han sufrido a lo largo del tiempo, del mismo modo en que ha cambiado la idiosincrasia de la sociedad y la estructura cognitiva de sus ciudadanos. La visión de cada época ha conferido al arte del momento la categoría adecuada según los cánones y los preceptos aceptados, mantenidos por una tradición heredada que titubea y varía progresivamente con los nuevos usos y hábitos del hombre. La hermosura romántica que hoy en día puede despertar un paisaje de edificios informes y decadentes en una ciudad decrépita que otrora deslumbró, seguramente hubiese sido algo denostado en el Renacimiento y en los periodos donde el orden y la proporción constituían el baremo oficial que dictaminaba lo apropiado, esto es, que conferían el estatus de bello. Friedrich Nietzsche, en El crepúsculo de los ídolos, comentaba que "en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de la perfección y se adora en ello (…)” y que “lo feo se entiende como señal y síntoma de degeneración". La perfección y la degeneración, como motivos cambiantes, han marcado los horizontes a los que dirigirse y alejarse: el arte anhelaba obtener esa pulcra integridad esforzándose en apartar lo desagradable, lo horrendo, lo feo. Esta idea se recoge en la definición inaugural de estética que profirió Baumgarten en 1752, donde la describía como aquella disciplina que versa sobre lo bello, desterrando todo atisbo de fealdad; esta asimilación estética del arte con la belleza llevó a la mezcla y confusión de los términos.



Desde un simplismo soez, nuestros oídos se han acostumbrado a un “me gusta, es bonito” o, por el contrario, a un “no me convence, es feo”, como juicios valorativos que aceptan o rechazan una obra de arte. De hecho, podría concluirse que estas medidas son la herencia de una tradición desusada que se remonta al clasicismo griego, donde la imitación de la realidad era ley estética. Del mismo modo, al margen de la forma, las temáticas subyacentes a la obra de arte también quedaban sujetas a las normas del buen gusto y, evidentemente, una pintura retratando con crudeza un asesinato no hubiese sido aceptada en determinados periodos. Pocas centurias después, Bacon se exhibe en el Prado, hecho que muestra la definitiva integración de la fealdad en la tradición del arte y la capacidad de éste para sublimarla. Artistas como Brueghel y El Bosco ya intentaron con algunas de sus obras, como El Triunfo de la muerte o El jardín de las delicias, escandalizar, mostrar el horror, exaltar al espectador, del mismo modo en que Goya lo haría con sus pinturas negras, creando un modo de entender la estética que seguiría el posmodernismo (podríamos hacer la enésima referencia a Damien Hirst). Esta idea es la que hizo musitar a Edmund Burke en 1756 que "Cualquier cosa que de algún modo pueda excitar ideas de sufrimiento y peligro, es decir cualquier cosa que sea de algún modo terrible, o trata sobre objetos terribles, u opera de formas análogas al terror, es fuente de lo sublime; es decir, que produce la más fuerte emoción que la mente es capaz de sentir"


Burke, en el ensayo Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello, bosquejó una peculiar teoría estética donde separaba lo sublime de lo bello, entendiendo el primero como el referente al que se debe dirigir el arte. Lo bello ya no será la última instancia capaz de elevar al hombre; el arte, por lo tanto, no se servirá únicamente de lo bonito para conmover y provocar deleite, sino que utilizará la fealdad, el horror y el terror para conmocionar, agitar, interpelar y sacudir las emociones, sentimientos y sensibilidades de aquel que lo contemple: “cuando el peligro o el dolor aprietan demasiado, son incapaces de causar placer alguno, son simplemente terribles, pero cuando están a cierta distancia, y con ciertas modificaciones, pueden ser, y son, maravillosos, como podemos experimentar cada día”. El sujeto se embelesará con la fealdad plasmada en un lienzo, en la medida en que la obra es capaz de utilizar tal condición como vehículo de expresión que ahonda en el fondo de quien la contempla. “Las ideas de pena, enfermedad y muerte, causan en el ánimo fuertes emociones de horror…” un horror condición de lo sublime, que excitan de forma más intensa que la armonía y la beldad al alma humana.

Arte al servicio del poder

Desde la época de acadios, mayas, incas, egipcios o persas, el arte se ha visto "obligado" a responder a las necesidades que el poder religioso o político demandara, dando como resultado imponentes canales de transmisión ideológica. Las pirámides en su día, tanto egipcias como mayas, no fueron tan sólo tumbas o altares; suponían la magnificencia del poder real, emanado de la divinidad. En pleno -y teatral- barroco, el palacio de Versalles supondrá la culminación del arte al servicio del poder político, igual que en Italia lo habrá de ser del religioso. Velázquez, Bernini, Caravaggio, Rubens, Rembrandt o, el caso más extremo, David llegarán con su arte a crear una imagen del poder establecido que poco tendrá que ver con la realidad, pensada en cada momento en función de las circunstancias pero siempre con una nota en común: el enaltecimiento del líder.


Si bien en la actualidad el concepto de "arte por el arte" no nos resulta extraño -se comparta o no este planteamiento- lo cierto es que es una idea relativamente moderna que hubiera causado estupor en los albores del arte. Dejando de lado las manifestaciones primitivas, difíciles de seleccionar como objeto de estudio comparativo, la primera comunidad en desarrollar todo un sistema artístico asociada a una iconografía de poder será la egipcia, conformando una tipología que influirá en posteriores civilizaciones y habrá de responder, sin embargo, a concepciones muy distintas. En el Egipto antiguo, de faraones y mastabas, el artesano (aún no existían "artistas") será un elemento más dentro del engranaje manejado por el mandatario de turno. Su maestría estará al servicio del poder, que habrá de marcar todas y cada una de las normas de representación. Arte y Estado ya caminan de la mano, conformándose el primero en soporte del segundo. Pero, sin embargo, en Egipto el arte responde ante el faraón de una manera mucho más simbólica que como mera proyección pública de poder y riqueza. Es el transmisor, la materialización de la permanencia y la divinidad real, al menos en cada ocasión en la que sea utilizado como medio de propaganda. Así pues, las manifestaciones artísticas no estarán concebidas tan sólo como una posesión que demuestre al exterior la grandeza del faraón (la egipcia es una sociedad endémica) sino que son el testimonio de un momento político determinado y de la cualidad atemporal (por contradictorio que resulte) del faraón. Esta función política de propaganda y de exaltación de la realeza continuará posteriormente, en época asiria, al tiempo que serán los sumerios los que recojan la cualidad religiosa del arte. Un poco más tarde, en tiempos del califato de Abd al-Rahman III podemos encontrar una concepción arte-poder curiosamente similar a la establecida por los mayas unos cuantos siglos antes y en tierras bastante más lejanas: el urbanismo y la arquitectura serán empleados como medios para "demostrar" la fortaleza de la clase gobernante a propios y, principalmente, visitantes. Un ejemplo de ello es la ciudad de Madinat al-Zahra, construida como muestra de la consolidación del estado islámico en la Península Ibérica y medio de autoafirmación de Abd al-Rahman III frente a un califato rival; toda una urbe construida, a diferencia de la leyenda que ha llegado hasta nuestros días, a partir de un programa de propaganda política e ideológica muy medido.
Existen muchos casos en el arte, aunque quizá no de este calibre, y son múltiples los recursos expresivos que se llegarán a idear y emplear buscando la finalidad deseada: en época de Justiano es posible apreciar, en los mosaicos bizantinos de Rávena, la desproporción existente en el tamaño de las figuras, debido a unos motivos que nada tendrán que ver con la perspectiva o la distancia. Así, los reyes siempre aparecerán más grandes que cualquiera de los personajes restantes, aún hallándose en el mismo plano que éstos. Una convención tomada del arte religioso que será empleada en estos momentos con una finalidad claramente política y que se mantendrá a lo largo de toda la Edad Media.
Llegados al renacimiento los ejemplos se multiplican (véase si no El Escorial, San Pedro del Vaticano, los famosos palacios italianos, o las estatuas ecuestres de altos dignatarios), encontrando su apogeo en el barroco, si bien en Italia el arte estará al servicio principalmente del poder religioso en vez del político, como sucederá en tiempos del Rey Sol. En este punto, Versalles es un destino clarísimo: paradigma de arquitectura oficial francesa, estará concebido como un impresionante escenario en el que el rey francés pueda desplegar y mostrar al mundo todo su poder. Pero la Revolución francesa cambiará las cosas, al menos en cuanto a los beneficiarios. Si Velázquez representó a la casa de los Austria ennoblecidos y, por qué no decirlo, bastante más apuestos, en pleno neoclasicismo David será el pintor del heroico Napoleón de la causa. Quizá uno de los últimos momentos en los que el arte aún mantendrá su afiliación a oligárquías, postulándose principalmente, a partir de ahora (s.XX), a favor de las revoluciones sociales. artelista.com

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BERLÍN [AFP]. Destrozado por los bombardeos aliados de la Segunda Guerra Mundial, el Neues Museum (Nuevo Museo) de Berlín reabrió sus puertas el jueves tras décadas de abandono y seis años de obras para recibir en octubre al público y, ante todo, su obra maestra: un busto de Nefertiti.

El renacimiento del Neues Museum, que el régimen comunista había dejado en el abandono, da una nueva pincelada a la Isla de los Museos, un lugar declarado hace diez años Patrimonio Mundial de la Humanidad por la Unesco.

El arquitecto británico David Chipperfield optó intencionadamente por dejar visibles las huellas de la historia, en particular los impactos de balas. Aunque no pintó el edificio siguiendo el modelo original, sino que lo adornó con materiales modernos, lo que ha generado polémica.

“Hemos intentado guardar todo lo posible los materiales y captar las secuelas de la guerra y de los siguientes 60 años”, recalcó el arquitecto en conferencia de prensa, con motivo de la entrega de las llaves del edificio a los Museos Estatales de Berlín.

La escalera central, de hormigón con fragmentos de mármol, y la estructura de la zona egipcia hicieron correr mucha tinta. En otros sectores, los nombres de las salas, parcialmente legibles, quedaron con su apariencia de posguerra. En cuatro niveles se suceden unas cuarenta salas con aspectos diferentes en función de su estado de conservación. De modo que se pueden ver frescos de inspiración egipcia casi intactos.

“Por primera vez desde los años 30, los cinco establecimientos (Nuevo Museo, Museo de Pérgamo, Viejo Museo, Museo Bode, Antigua Galería Nacional) que componen la Isla de los Museos están nuevamente accesibles en su conjunto”, afirmó Hermann Parzinger, presidente de la Fundación para los Bienes Culturales Prusianos, que administra el lugar.

El Neues Museum, obra del arquitecto Friedrich August Stüler concluida en 1859, no abrirá sus puertas al público hasta octubre porque necesita tiempo para juntar las antigüedades diseminadas por Berlín. Su obra maestra, el busto de Nefertiti, reinará en una sala coronada por una cúpula. Reclamada por Egipto, la escultura descubierta por el arqueólogo alemán Ludwig Borchardt a comienzos del siglo XX es uno de los principales atractivos turísticos de la capital.

Nefertiti regresa a su museo original, donde fue expuesta por primera vez en 1924. Durante la guerra, el busto fue puesto a buen recaudo de los bombardeos y reapareció en el Museo Egipcio de Berlín Occidental.

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MEXICO (AP) - Un grupo de arqueólogos descubrió en la zona central de la Ciudad de México un sepulcro masivo poco común con los restos de posibles guerreros aztecas que combatieron al conquistador español Hernán Cortés.

El complejo funerario fue localizado en las ruinas de la plaza de Tlatelolco, donde se dio la última resistencia indígena contra los españoles en el siglo XVI, y contiene los restos de al menos 49 indígenas adultos, cuidadosamente colocados en una aparente mezcla de la cultura azteca y cristiana.

"Nos llevamos una sorpresa increíble, encontramos un gran complejo funerario", dijo el martes a la prensa en el sitio del hallazgo el líder de la excavación, el arqueólogo Salvador Guilliem.

El experto dijo que los indígenas sepultados podrían haber muerto durante la guerra para conquistar la capital del imperio azteca, que encabezó Cortés en 1521, aunque también tienen la teoría de que habrían fallecido durante alguna de las sublevaciones que siguieron al triunfo de los españoles.

Guilliem dijo que muchos entierros han sido localizados en el sitio, con restos de indígenas que murieron durante las pestes de 1545 y 1576.

Sin embargo, refirió que los entierros de los muertos por las pestes solían caracterizarse por hacerse sin organización, rápidamente y apilando los cuerpos sin importar la edad ni el género.

Pero en el caso del complejo recién descubierto se encontraron elementos distintos.

Los restos, dijo el experto del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), tenían muchas características de los guerreros: todos, salvo cuatro de ellos, eran hombres jóvenes, muchos eran altos y varios mostraban huesos rotos que habían soldado.

Los hombres también estaban cuidadosamente colocados en un estilo que corresponde a los usos del cristianismo: recostados boca arriba con los brazos cruzados sobre el pecho. Añadió, sin embargo, que muchos parecen haber sido envueltos en largas hojas de maguey.

En otra misteriosa mezcla de la cultura indígena y española, en el complejo funerario se hallaron restos de piezas de cerámica usadas en ofrendas aztecas, pero también objetos de madera laminada (quizá restos de féretros), clavos de metal y algunos botones de hueso, un anillo y un collar de cobre.

El hallazgo se hizo a finales del 2008 cuando arqueólogos del INAH buscaban mejores evidencias de la fecha de construcción del templo mayor de Tlatelolco, para determinar con precisión el momento de su fundación.

Susan Gillespie, experta del Departamento de Antropología de la Universidad de la Florida, coincidió que el entierro era poco común porque es improbable que los españoles se hubiesen molestado en tener tanto cuidado para enterrar a guerreros aztecas, mientras que los indígenas habrían sido más proclives a cremar y honrar a sus muertos.

La experta, no involucrada en la excavación, dijo a la AP que aún se conoce muy poco sobre lo que pasó inmediatamente después de la caída del imperio azteca, cuando Cortés arrasó con la mayoría de las pirámides y templos, y luego abandonó la destruida metrópolis. El conquistador vivió en las afueras de la ciudad antes de regresar a reconstruirla al estilo español.

Guilliem dijo que probablemente en el periodo en que Cortés abandonó la ciudad los aztecas regresaron a enterrar a sus muertos.

La experta de la Universidad de Florida coincidió en que podría tratarse de víctimas de las rebeliones indígenas posteriores a la conquista, aunque consideró que aún es necesario realizar más investigaciones, como un análisis de los restos para determinar la causa de su muerte.

Gillespie dijo que otra posibilidad es que hayan sido indígenas que fueron hechos presos por los españoles y asesinados tiempo después.

 
Ahora que vivimos un tiempo de crisis las miradas vuelven a un año que sentó precedentes en esta materia: 1929. Sin embargo, esta fecha no fue tan sólo la del crack económico más famoso de toda la historia sino también un año en el que el arte y la cultura estuvieron en el disparadero. El Art Decó triunfaba, no sólo en Europa, sino en buena parte de unos Estados Unidos que se resistían a dejar entrar en decadencia a los fabulosos años 20; asistimos al nacimiento de algunos de los más grandes artistas y obras del s.XX; las vanguardias encontraban al fin su camino; e, incluso, buena parte del mundo se dio cita en España para celebrar dos magnas exposiciones internacionales en las ciudades de Sevilla y Barcelona.

Dicen que los periodos de crisis son buenos caldos de cultivo para la cultura: la creatividad se dispara al amparo del cambio y la caída de las viejas estructuras y modelos sociales que han demostrado su ineficacia favorece otros modos de percepción de la realidad. Así que podría decirse que, dentro de lo malo, no todo lo que nos dejan los tiempos de crisis es miseria. El arte es un buen ejemplo de esto y nada mejor para comprobarlo que hacer un pequeño repaso por los principales hitos culturales que tuvieron lugar en un año famoso principalmente por ser el del inicio de la Gran Depresión americana:

* El movimiento Art Decó alcanza su máximo esplendor: surgido en 1920, alcanzará al final de la década su cénit, con grandes ejemplos constructivos proyectados en 1929 como el Edificio Telefónica de Madrid o los blosques de oficinas de las ciudades americanas de Chicago y San Francisco. Es en este año asimismo cuando artistas como Tamara de Lempicka realizan sus más conocidas obras pictóricas (Chica con guantes, Retrato de Madame Boucard, Romana de la Salle, etc.)

* Una buena parte de las vanguardias históricas dan el salto hacia su futuro estilístico; André Bretón publica su Segundo Manifiesto Surrealista en diciembre; y comienza la etapa más creativa de Salvador Dalí: en 1929 conoce a Gala, realiza su primera exposición en París y pinta El gran masturbador. 

* Nacen el pintor español Luis Feito el 31 de octubre y el escultor estadounidense pionero del Pop Art Claes Oldenburg, el día 28 de enero.

* Se abre al público por primera vez el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York: este centro, considerado una de las mayores pinacotecas del mundo, posee una colección de arte de primera fila de los dos últimos siglos y fue inaugurado el 7 de noviembre de 1929.

* España acoge la Exposición Iberoamericana de Sevilla entre el 9 de mayo de 1929 y el 21de junio de 1930, favoreciendo la industrialización de la ciudad y su conversión en un enclave moderno. Un poco después, el 20 de mayo de 1929, se inauguraría otro de los grandes hitos culturales del año en el país: la Exposición Internacional de Barcelona, en la que participaron alrededor de una veintena de países procedentes de todos los rincones del mundo. Su celebración supondrá un avance para la ciudad en materia económica y tecnológica, sin contar el desarrollo urbanístico y constructivo. Además, la exposición dejó en Barcelona una de las mejores muestras de arquitectura racionalista del momento: el Pabellón Alemán, construido por Mies van der Rohe. artelista.com

EFE - El Universal - La costumbre española, adoptada en numerosos países de Latinoamérica, de tomar las uvas al ritmo de las 12 campanadas de la Nochevieja, para contribuir a la prosperidad y felicidad del Año Nuevo, va a cumplir un siglo.

Para ver hechos realidad los deseos, el ritual manda que se despida el año tomando las "doce uvas de la suerte", una por cada mes, al compás de cada una de las doce campanadas de reloj que marcan la medianoche del 31 de diciembre.

La creencia popular sitúa el origen de esta tradición en 1909, cuando la extraordinaria cosecha de uvas de esa temporada llevó a los viticultores españoles a repartir el excedente y alentar el consumo para atraer la buena suerte.

Sin embargo, como suele pasar con las tradiciones, hay argumentos discrepantes. En esos años, a principios de siglo, había hambre y por tanto hablar de excedente es arriesgado, teniendo en cuenta además que las cosechas de uva por entonces eran pequeñas.

Pero, sobre todo, "con los medios que había en la época, llegar a finales de año con uva fresca era muy difícil, e imposible que se llegase a tener abundancia o excedente", dijo a Efe Luis González, director del Consejo Regulador de la Denominación de origen Uva de Mesa embolsada de Viñalopó.

Viñalopó es una comarca de la provincia de Alicante y "es la zona que se recuerda de mas antigüedad de viñedos de uva de mesa, que no de vino", explicó González para quien no hay datos que confirmen ni el lugar, ni la fecha y año del inicio del ritual.

Desde luego en el impulso al consumo masivo de uva en esta época tuvieron mucho que ver los cosecheros que fueron capaces de promocionar hábilmente sus productos, mucho antes de que se desarrollaran las técnicas de "marketing".

En esa comarca del levante español, los mayores sí recuerdan que alguien les contó que algún lugareño guardó, como singular y exquisito postre para la cena de Nochevieja, granos de uva suficientes como para que cada comensal los tomara cuando el reloj diera la medianoche.

¿Esa cena pudo ser en el año 1909?. "No hay constancia, pero a partir de ahí, pudo funcionar el `boca a boca` y se puede hablar de la generalización de la costumbre a partir de los años veinte, más aún hacia los años cuarenta, que coinciden con la puesta en marcha de la técnica de embolsado de racimos, que permite retrasar un mes el proceso de maduración de la uva", señaló el directivo.

Lo que es indiscutible es el progresivo protagonismo navideño de estas bayas comestibles fruto de la vid, ricas en antioxidantes, fósforo, potasio, hierro y vitaminas, de las que se consumen en España, en la última semana del año, entre un millón y medio y dos millones de kilogramos

El centenario postre de la cena de San Silvestre se fue incorporando de forma imparable a los festejos populares y espontáneos para despedir un año y recibir al siguiente en las plazas de los pueblos, donde se concentraban los vecinos para escuchar juntos las doce campanadas del reloj mas emblemático del lugar.

Madrid no fue una excepción y cuentan las crónicas que la Nochevieja de 1930 el mismísimo Alfonso XIII, abuelo del rey Juan Carlos I, se mezcló con los madrileños la noche de San Silvestre y recibió al nuevo año en la Puerta del Sol, en pleno centro de la capital de España.

Una treintena de años después, y perfectamente arraigada la popular fiesta que se montaba bajo el reloj de la Puerta del Sol, llegó la bendición definitiva de la unión de hecho entre campanadas y uvas: el 31 de diciembre de 1962 Televisión Española comenzó a transmitir "las 12 campanadas".

Desde ese reloj, el paso de un año a otro dura en la actualidad 36 segundos y sesenta centésimas, tiempo para tomarse una a una las doce uvas, que en 1997 se les atragantaron a muchos españoles debido al ritmo frenético de las campanadas, que sonaron en sólo 17 segundos.

Los emigrantes van con sus costumbres de un lugar a otro y los 260.000 españoles que viven en Argentina, la mayor colonia española en el exterior, tomarán las uvas esa noche. Los granos de esa fruta se asomarán también a las nocheviejas de Latinoamérica.

Allí, las uvas se tienen que hacer hueco entre ritos como tomar lentejas para conseguir abundancia, meter billetes en los zapatos para lograr fortuna, pasear con maletas para viajar en el próximo año, cascar huevos en un vaso con agua e interpretar al día siguiente su forma, quemar muñecos o usar lencería de color rojo o amarillo.

Los enigmas que existen en torno al origen de "las 12 uvas" afianzan aún más la leyenda y, como se dice popularmente para augurar una larga espera, "nos van a dar las uvas" intentando aclarar quiénes y cómo hicieron de la uva un postre estrella, sin necesidad de aderezo o adorno alguno.

Aunque parezca increíble hubo un tiempo en que la Navidad estuvo prohibida en una parte de Europa y Estados Unidos. Y es que, en la Inglaterra protestante y la América colonial del s.XVII, no se veía con buenos ojos una fiesta que, para los Puritanos, era el reflejo de una forma de hacer católica que entraba en contradicción con los preceptos dados en relación a las celebraciones.

El Puritanismo es una forma extrema de Protestantismo que se basa en las directrices dadas por el Nuevo Testamento. Consideran que la práctica válida de la fe es aquella seguida por los primeros cristianos de la Iglesia primitiva y que será a partir de la adopción del Cristianismo por el emperador romano Constantino cuando esta institución entre en corrupción. De esta forma, al asimilar la Navidad (en inglés "Christmas" o `Misa de Cristo’) tan sólo con el ritual de la misa (instituida por el catolicismo romano) , surgirá el rechazo y la prohibición.
Una prohibición que, durante la Reforma protestante, dará lugar a la supresión de la celebración de la Navidad en la Inglaterra de 1647 (hasta 1660)  y, algo más tarde, en la ciudad americana de Boston, donde será declarada ilegal entre 1659 y 1681. artelista.com

Instituto de los Andes

Presenta

EL PROGRAMA MÁS COMPLETO DE ENOLOGÍA

Inicio de clases : Lunes 12 de Enero 2009

ENOLOGÍA 1 = Mar: 10:30 – Jue: 10:30

Capítulos: 01. Cepas - Agricultura. 02. Cepas – Variedades 03. La Vendimia. 04. La Bodega de Producción. 05. La Producción del Vino. 06. Los Insumos. 07. Los Procesos. 08. La Fermentación. 09. El Azúcar – El Alcohol – 10. La Acidez 11. Los Taninos. 12. Enfermedades y Defectos.

ENOLOGÍA 2 = Lun: 10:30 – Mie: 10:30

Capítulos: 13. Bebidas Alcohólicas. 14. Que es el Vino. 15. Historia – Mitología. 16. Historia – Cronología. 17. Composición del Vino. 18. Clasificación del Vino. 19. Terminología. 20. El Color del Vino. 21. El Aroma del Vino. 22. El Sabor del Vino. 23. La Textura del Vino. 24. El Carácter del Vino.

INDUSTRIA DE BEBIDAS = Vie: 12:00

Capítulos: 01. Clasificación de las Bebidas Alcohólicas. 02 Principales Procesos. 03. Chichas, Vinos y Cervezas. 04. Aguardientes. 05. Licores. 06. Cocteles. 07. Bebidas Famosas.

Instituto de los Andes – Capacitación a Distancia – Cursos – Especializaciones – Carrera Profesional: Administración de Empresas – Hotelería – Marketing – Comercio Internacional – Finanzas - Ingeniería Hotelera – Gastronomía – Chef – Enología. Estudie por correspondencia (e-mail): en sus horas libres y  desde la comodidad de su hogar.

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Entre dioses y hombres. Esculturas clásicas del Albertinum de Dresde y del Museo del Prado.

El museo del Prado acogerá 46 piezas de la colección de esculturas clásicas del Albertinum de Dresde, una de las más notorias de Europa, que por vez primera franquearán los límites del territorio alemán a causa del cierre temporal del museo. A éstas obras se anexaran 20 esculturas clásicas del Prado, configurando un encuentro sin precedentes que se prolongará durante un periodo de seis meses. Una oportunidad para descubrir las peculiaridades del arte grecorromano a través de piezas que difícilmente podrán volverse a contemplar fuera de su emplazamiento original.

Conjunción irrepetible

El Zeus y el Efebo de Dresde, réplicas romanas de la Atenea Lemnia de Fidias y del Sátiro escanciando vino de Praxíteles, la Ménade de Dresde y las dos Diosas de Herculano, son algunas de las 46 obras cedidas, gracias a un excepcional acuerdo de colaboración, por la dirección del Albertinum al Museo del Prado. Éste agregará relieves sepulcrales áticos, tres terracotas policromadas de Tanagara, una recopilación de esculturas helenísticas de Alejandría y un muestrario de retratos romanos para conformar un compendio de 66 obras distribuidas en tres secciones básicas, cada una organizada entorno a un tema específico y un periodo. La exposición posee el incentivo de contar con piezas de la colección más prestigiosa de esculturas clásicas de Alemania que, debido al bombardeo de Dresde y al derivado traslado a la Unión Soviética, quedaron olvidadas y, hasta hora, sin haber sido exhibidas con el celo merecido.

Una colección histórica

En el siglo XVIII, el rey de Polonia y Sajonia, Federico Augusto II apodado el Fuerte, fue adquiriendo paulatinamente las piezas que más adelante conformarían la presente y exquisita colección del Albertinum. En 1726, Federico Guillermo I de Prusia le concedió a su amigo la colección de bustos antiguos de Giovanni Bellori; ulteriormente, la colección del príncipe Agostino Chigi y un surtido selecto de esculturas del cardenal Albani pasarían a engrosar el peculio artístico de Augusto II. En 1763, herencia del príncipe Eugenio, se agregaron las tres Diosas de Herculano y, finalmente, las adquisiciones de esculturas originales griegas y helenísticas por el Albertinum durante los siglos XIX y XX acabaron de conformar la colección parte de la cual podrá visitarse por vez primera en Madrid, en un recorrido ineludible por los entresijos del arte grecorromano. artelista.com

1949: un joven enclenque de pelo rubio llega a Nueva York, con las únicas credenciales de un cierto talento artístico (como tantos otros). 1987: muere Andy Warhol, convertido ya en un mito de la Historia del Arte que se perpetuará en sus anales. ¿Qué es lo que sucedió en esos casi cuarenta años? Llegar a convertirse en el icono de un movimiento es un proceso, no siempre fácil, que cuenta con sus propias reglas, entre las que el talento y la sensibilidad no tienen por qué ocupar los primeros puestos (sin desmerecer a Warhol).

Ingredientes básicos del mito

►Quizá uno de los primeros pasos a considerar es el movimiento: pocos artistas han llegado a alcanzar un puesto dentro del arte sin la promoción de su trabajo. Promoción entendida de muy diversas formas según la época de la hablemos: aprendizaje con maestros, encargos posteriores y fundación de un taller, más mecenazgo, en época gremial; idéntico sistema inicial y aceptación del patronazgo individual, durante los siglos inmediatamente posteriores; asociacionismo en base a un concepto en la época de los salones y la crítica de arte; divulgación pública, mass media y marchantes en nuestra contemporaneidad. Lo cierto es que difícilmente puede conocerse una obra si no se da a conocer, a cuanta más gente, mejor. No siempre es preciso, sin embargo, que sea el propio autor el promotor: ¿qué hubiera pasado con un introvertido y poco apreciado Van Gogh si los expresionistas posteriores no hubieran reparado en su obra? Probablemente hoy día su nombre no se encontraría en libros de texto del mundo entero.

►En ocasiones, una figura aislada, que no disfrutó de repercusión a lo largo de su vida, ha servido de punto de partida o inspiración a colegas de pincel posteriores. Así, llegamos a uno de los puntos clave de la genialidad: la diferencia. Una nueva concepción formal del arte, o su insinuación, puede ser el detonante que dé pie a una corriente. El cubismo, por ejemplo, no fue una invención de Picasso, aunque sea este artista el que recoge en su nombre los laureles del movimiento. Sin Cezanne, sin los impresionistas ni el primitivismo, sin los primeros que comprendieron que el arte no tenía obligación de reproducir la realidad de una manera perceptivamente idéntica, el cubismo no existiría. Pero Picasso es un mito, y Cezanne famoso. ¿Los motivos? Picasso dio un paso más allá y consiguió, a partir de lo que ya compartía una generalidad, un estilo diferente a cualquier otra cosa vista: reestructuración del espacio y expresionismo.

►Claro está que el éxito de su obra se fundamentaba en algunos pilares más, junto con la propia existencia física de ésta: extravagancia, teoría y marchantes. Quizá las bases más conocidas del arte contemporáneo actual. Y es que el cubismo, por seguir con el ejemplo, es un arte de la idea. Al igual que sucede con casi todas las corrientes plásticas de los ss.XX y XXI. Manifiestos. Colectivos. Movimientos. Todos ellos se fundamentan en el omnipresente término “conceptual”. Un pintor del Renacimiento, un Tintoretto, un Duccio (si retrocedemos un poco) o un Bellini, poseían la capacidad material, las técnicas para llevar a cabo una obra de arte, proporcionada, bella (en el sentido más clásico de la palabra) y efectiva. Sin embargo, se les presuponía una ausencia de criterio más allá de lo relativo a proporciones y composiciones espaciales, que es a lo que quedaba reducido su talento (junto con el manejo del color y una iconografía más o menos amplia). Son los Brueguel y los Miguel Ángel los que han pasado a la posteridad: en una época al servicio de lo “que debía ser” el primero decidió plasmar su propia visión demonizada del mundo, mientras que el segundo apostó por una obra donde la forma estaba al servicio del sentimiento, de un expresionismo que minaba la perfección en la ejecución. Todo derivado de una idea: cómo debía ser el arte, a qué debía responder.

►Si a esto le sumamos además que, en ocasiones, las personalidades de los autores se alejan de la norma (con lo atractivo que esto puede resultar para los seguidores de la misma) es mucho más fácil comprender que el señalado con el dedo (aunque sea con envidia) sea el futurible mito. Y es que la provocación es un imán, aún a sabiendas de que ésta puede ser un mero producto. Como sucede con el recientemente comentado Demian Hirst, quien ha logrado, mediante humo, paralizar por unos instantes a aquéllos que mueven la rueda del mercado del arte.

►No hay que olvidar en este conjunto tampoco uno de los ingredientes más subjetivos, pero efectivos a la hora de obtener buenos resultados: el deseo, el olfato para la oportunidad, como queramos definirlo, que bien podría ejemplificarse en dos ejemplos muy sucintos y quizá no todo lo definitorios de la realidad que sería deseable. Encontramos por un lado, así, el pensamiento más fetichista, materializado en la idea de que “existe un autor que hoy ya está considerado un genio, un renovador: quiero obra suya. Quiero ser partícipe del momento, de su talento, de una pequeña parte de la historia”, frente al caso de los rentistas (grandes avivadores de la fama y el juicio artísticos) que podría concretarse en un pensamiento similar a “actualmente este artista ya ha ingresado en los circuitos de la historiografía (aunque sea de una manera incipiente), en la iconografía colectiva (gracias mass media); su obra se cotiza, su conocimiento sólo irá en aumento, el valor de la pieza no puede disminuir: yo quiero una obra”.

►Una receta que se completa con poco más que un poco de suerte; la ayuda de críticos, historiadores y demás fauna colateral del hecho artístico (por lo general ya predispuestos por lo dicho, en contra o a favor); quizá algo de fama personal (una circunstancia trágica puede venir bien; véase si no a Basquiat y el mito del “artista muerto joven”) y, sobre todo, volumen (en producción, en aparición o en teorización. O en las tres, a ser posible).

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NUEVA YORK (AFP) - El actor estadounidense Paul Newman falleció el viernes de cáncer a los 83 años, un año después de haberse despedido del cine, oficio en el que se consagró con más de 60 películas, entre ellas "Butch Cassidy and the Sundance Kid" (Dos hombres y un destino), "El golpe" o "El color del dinero".

 Tras conocerse la noticia, los homenajes a Newman comenzaron en distintos lugares del mundo y reunieron amigos, estrellas y celebridades.

 El actor estadounidense Robert Redford, amigo y coprotagonista de Newman en recordadas películas como "Butch Cassidy and the Sundance Kid" y "El golpe", encabezó los homenajes.

 "Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras", dijo Redford, de 72 años, según el programa Entertainment Tonight. "He perdido un verdadero amigo. Mi vida y este país son mejores porque él estuvo en ambas".

 George Clooney dijo que el actor "sentó un precedente demasiado alto para el resto", "no sólo para los actores, sino para todos".

 El director y ganador del Oscar Sam Mendes dirigió a Newman en el filme "Camino a la perdición" y dijo que hacerlo fue "lo más destacado" de su carrera.

Daniel Craig, quien interpretó al hijo de Newman en esa película, lo recordó como "uno de los más grandes actores de todos los tiempos". Dijo que con él se terminaba una era.

 Para Gina Lollobrigida Newman era un hombre para "respetar y apreciar", según la agencia ANSA.

Julia Roberts, quien trabajó con él en una obra de caridad para niños enfermos, agregó: "Fue mi héroe".

El ex presidente Bill Clinton y su esposa, la senadora Hillary Clinton, se refirieron a la generosidad de Newman: "Paul fue un ícono, un campeón para los niños", afirmaron en una declaración.

"La obra de Paul Newman fue la actuación. Su pasión fue para las carreras de automóviles. Su amor fue para su familia y amigos. Y su corazón y alma fueron dedicados a ayudar a hacer del mundo un mejor lugar para todos", dijo Robert Forrester, el vicepresidente de la fundación Newman’s Own al anunciar el deceso desde Westport, Connecticut. El actor sufría de cáncer, pero no se anunció el lugar de su fallecimiento.

Newman, quien el 10 de mayo hizo su última aparición pública en el evento de automovilismo de Indianápolis, se había despedido de la actuación el 25 de mayo de 2007 en una entrevista a la cadena estadounidense ABC, en la que con mucha franqueza admitió los bemoles de la edad.

El último trabajo del actor de ojos azul profundo que fue todo un sex-symbol del cine hollywoodense, fue prestando su voz a uno de los automóviles animados de "Cars" en 2006.

Newman, diez veces nominado a los premios de la Academia, ganador de dos Oscar honoríficos y uno en 1987 como Mejor Actor por su papel en "El color del dinero" de Martin Scorsese, nació en Cleveland (Ohio) el 26 de enero de 1925.

Debutó en los escenarios en 1949 y en 1952 ingresó al Actor’s Studio lo que le permitió ganarse su primer papel en la pieza "Picnic" de William Inge en las tablas de Broadway.

Vivió épocas de gloria y su nombre quedó impreso en la memoria colectiva con su protagónico en "Butch Cassidy" (Dos hombres y un destino, 1969), al lado de Robert Redford, y "The Sting" (El Golpe, 1973).

Fanático de las carreras automovilísticas y filántropo de larga data, Newman se casó dos veces y tuvo cinco hijos.

En 1993 recibió por tercera vez un Oscar pero como premio a sus labores humanitarias: las ganancias de su empresa de alimentos Newman’s Own son donadas a obras caritativas.

¿Sabías que el padre de Mario Bros ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras en Francia?

 Shigeru Miyamoto, creador de sagas tan famosas como Mario Bros o Zelda, acaba de ser condecorado con la prestigiosa medalla que el Ministerio de Cultura Francés concede a aquellos miembros de la comunidad internacional cuya labor en el ámbito de la promoción del arte y la literatura haya sido destacable. Este hecho pone en su lugar a los remedos de vanguardia que son las videocreaciones artísticas y reconoce por fin lo que en un futuro nadie dudará que es arte: los videojuegos.

El rey Midas de los juegos de consola - Desde su fichaje en 1977, Miyamoto ha conseguido para la casa Nintendo algunos de sus más sonados éxitos; videojuegos que no sólo han revolucionado la industria y el concepto de juego sino que, aún hoy, se mantienen en la lista de los más vendidos. Curiosamente, su formación no responde a la de un programador: graduado en la Academia de Artes Industriales y Manuales Kanazawa Munici, sus intereses ya desde pequeño estuvieron encaminados hacia la ilustración, el grafismo y el dibujo. Un artista que acabó reflotando un monstruo de la industria juguetera en época de crisis y que ha visto recompensado su talento con uno de los máximos galardones existentes en el mundo de la cultura.

La Orden de las Artes y las Letras - Condecoración de carácter honorífico concedida por el Ministerio de Cultura francés en tres grados -Caballero, Oficial y Comandante-, la Orden de las Artes y las Letras es una distinción que posee la finalidad de reconocer y recompensar la labor realizada en pro del desarrollo y difusión de la cultura artística y literaria en el mundo a aquellas personas que destaquen por sus aportaciones creativas. Un nombramiento que, en esta ocasión, ha ido a parar a tres "padres" de videojuegos; un hecho que asimila este género a la categoría de cultura, equiparándolo con cualquier otro merecedor de la denominación "arte".

Alternativas innecesarias - La circunstancia de que una institución de carácter oficial e influencia internacional haya elevado con su juicio al podio artístico-cultural el trabajo destinado a un producto hasta ahora de carácter lúdico, popular y masivo, que causa además controversias entre algunos sectores de la población, implica una reflexión acerca del sentido de determinadas creaciones que pululan hoy día sin demasiado rumbo por los circuitos artísticos: las videocreaciones. Si el arte ya existe en nuestra vida cotidiana, si lo tenemos delante de los ojos, aún sin darnos cuenta, y si por fin alguien ha decidido dejar de lado el snobismo conceptual y presentar las cosas tal y como son, ¿cuál es el sentido de un género como el de la videocreación? En realidad esta categoría es una redundancia, justificada muchas veces, en negativo, por una corriente de utilitarismo tras la que se ampara un arte cuyo mayor logro es no ser comprendido por la mayoría y que, además, y a pesar de los esfuerzos de festivales, instituciones y museos de arte contemporáneo, no posee un gran predicamento. El futuro decidirá; y seguramente lo que decida es que muchos de los anuncios televisivos y videojuegos de nuestra actualidad eran un arte que no supimos ver en su momento, ciegos como estábamos por una modernidad mal entendida. artelista.com

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TESOROS DEL PERÚ

AFP- Perú reivindica propiedad sobre tesoro de buque español hundido en 1804

Perú reivindicó el derecho de propiedad sobre un cargamento de monedas de oro y plata encontrado por una empresa estadounidense en una fragata española que naufragó en 1804 cerca del estrecho de Gibraltar, anunció el canciller José García Belaunde.

"Tenemos una estrategia legal basada en principios del derecho internacional reconocidos, que tienen que ver con la prioridad de la sucesión de Estados", dijo el martes el jefe de la diplomacia peruana sobre el juicio que tiene lugar en Estados Unidos.

Perú reclama el tesoro porque, además, las monedas fueron acuñadas en suelo peruano, acotó el canciller citado por la agencia estatal Andina.

"Eso nos da un título en virtud de que, si bien había una autoridad diferente que ejercía el gobierno en aquel año, lo cierto es que eso fue y sigue siendo territorio peruano, y por el principio de sucesión de Estados nos corresponde", aseveró García Belaunde.

Lima había dado un primer paso el 19 de agosto cuando el gobierno presentó ante el Tribunal Distrital Federal de Tampa, en Florida (sudeste de Estados Unidos), un escrito en que solicita ser comprendido en el juicio que enfrenta a la empresa Odyssey Marine Exploration y España.

En la época en que las monedas fueron acuñadas Perú era colonia de España.

La fragata española que llevaba las monedas era Nuestra Señora de las Mercedes, que fue hundida en un combate con la flota inglesa cerca de las costas de Gibraltar en 1804.

La firma Odyssey anunció el 18 de mayo de 2007 el descubrimiento de la nave en "aguas internacionales del Atlántico" conteniendo el mayor tesoro submarino jamás encontrado, compuesto por 500.000 monedas de oro y plata y centenares de objetos de oro.

El hallazgo fue bautizado entonces por la empresa con el nombre en clave de Cisne Negro.

Pero Odyssey se convirtió rápidamente en sospechosa a los ojos de España al repatriar rápida y discretamente a Estados Unidos el botín de 17 toneladas desde la colonia británica de Gibraltar, en el sur de España, guardando celosamente el emplazamiento exacto del navío hundido.

Ante ello Madrid inició la acción judicial en Tampa por sospechar que el navío fue encontrado en sus aguas territoriales.

En junio pasado el gobierno español anunció que estaría dispuesto a llegar a un acuerdo con Perú para compartir "patrimonialmente" el tesoro.

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¿Dónde nació la tortilla de patatas?

El primer documento de la elaboración de este españolísimo manjar data de finales del siglo XVIII en la localidad extremeña de Villanueva de la Serena, asegura el científico del CSIC López Linage – Fuente: laverdad.murcia.es

Por: L. EXPÓSITO – laverdad.es

PLATO DE LUJO - Como en todos los platos universales, hay tantas maneras de hacer la tortilla de patatas como cocineros que la preparan. Aquí van algunas de las variantes más extendidas.

Con cebolla - Se hace igual que la convencional, pero se añade la cebolla cortadita en trozos finos un poco después de las patatas.

Con Guisantes - Otra opción, los expertos recomiendan que estén muy tiernos y que se añadan al final de todo.

A la española - La receta es de la famosa cocinera Simone Ortega. El truco está en servirla fría y acompañada de mayonesa.

Con chorizo  - Un variedad muy extendida, sobre todo en el norte del país. Se trocean rodajitas de chorizo y se añaden hacia la mitad.

Patatas de Gañán - Tiene muchos nombres, pero el concepto es el mismo: utilizar los ingredientes de la tortilla sin hacerla. Una receta es con ajos, sal, pimentón y vinagre, aunque hay otras muchas posibilidades. Se revuelve todo y se sirve.

Rellenas - Una vez acabada, se abre la tortilla transversalmente y se rellena con lo que se quiera.

Deconstruida - Fue un plato estrella del cocinero Ferrán Adrià. El genio catalán logró disponer todos los ingredientes en capas trasversales, consiguiendo emular su inigualable sabor.

Para vegetarianos - Muchos vegetarianos tampoco comen huevos, y aunque parezca imposible, también se puede hacer una tortilla sin huevos. Éstos se sustituye por una mezcla de harina y leche. Si el interesado tampoco puede comer productos lácteos, se utiliza agua corriente.

Sí, ha leído usted bien. La única, la irrepetible, la españolísima tortilla de patatas tiene su origen en Extremadura. Así lo asegura el experto Javier López Linage. No es una opinión cualquiera, se trata nada menos que un científico titular del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC. Bajo estas siglas se esconde el Consejo Superior de Investigaciones Científicas, que depende directamente del Gobierno de España. Además, López Linage es doctor en Filosofía y ha editado numerosos libros de investigación, alguno de ellos sobre la papa.

Su próximo trabajo formará parte de una publicación del Ministerio de Medio Rural, Medio Ambiente y Medio Marino sobre la historia española de la patata, una reedición de algo que escribió hace dos décadas.

En él cuenta algo que adelanta hoy: según las fuentes documentales que ha encontrado, el origen conceptual de la famosa tortilla de patatas está en Villanueva de la Serena, hacía finales del siglo XVIII.

«Resulta curioso, cuando edité el libro por primera vez ya había visto ese documento, pero hasta que no he revisado mis papeles no he sido capaz de comprender el alcance real de lo que allí se decía», afirma.

Alimento barato - Como actores principales, coloca a dos hacendados, Joseph de Tena Godoy y Malfeyto y el marqués de Robledo. Como muchos ilustrados, buscaban un alimento nutritivo y barato que aliviara las numerosas hambrunas que asolaban Europa a finales del XVIII. Inventaron entonces una especie de tortitas. La mayor novedad estaba en que se pasaba por la sartén en vez de hornearse. Aunque López Linage habla de «origen conceptual», lo cierto es que se trata prácticamente de lo mismo. Hasta lleva huevos.

Esta teoría retrasa al menos dos décadas el nacimiento del manjar. Hasta ahora éste se situaba en Navarra. La tradición, o más bien la leyenda, establece que la creó el general Tomás de Zumalacárregui durante el sitio de Bilbao en la Primera Guerra Carlista. Buscaba un alimento nutritivo y barato para sus tropas. Más bien, el mérito sería para la avispada campesina a la que el militar realizó el encargo.

Se trata de un mito con muy poco fundamento. Este sitio tuvo lugar en torno a 1835, y la primera referencia escrita sobre la tortilla, hasta el descubrimiento de López Linage, era de 1817. La que habla de Villanueva data de 1798, pero ¿de dónde sale? Por el momento, López Linage prefiera mantenerla en el anonimato.

Lo que sí adelanta es que no existe la posibilidad de que alguien pueda poner en duda su autenticidad o antigüedad, puesto que fue publicado entonces, y no ha estado escondido en un cajón.

Retrocedamos un poco en el tiempo. Conocido es por todo el mundo que la patata no fue conocida en Europa hasta que los primeros conquistadores españoles la trajeron de América. Pero a diferencia de otros productos como el tabaco o el cacao, no fue ni mucho menos un éxito. Cuentan las crónicas que llegó más como un artículo exótico que como un alimento nutritivo. López Linage comenta que fueron muchas las visicitudes que atravesó este producto antes de hacerse un hueco en la mesa de los españoles. Fue un camino muy largo el que tuvo que recorrer.

Por ejemplo, había un problema de tipo botánico y de adaptación de las semillas al clima y a las condiciones de las tierras españolas. Asimismo, también tuvo al principio cierta mala fama, puesto que pertenece a la familia de las solanáceas. Finalmente, también había dificultades para su cultivo con los propietarios de la tierra.

Este experto cuenta que a comienzos del XVII ya se vendían papas en la Plaza Mayor de Madrid, pero «desde el punto vista culinario no se sabía muy bien qué hacer con ellas».

Otras fuentes también constatan los duros comienzos de este producto en España. Una curiosa historia cuenta que los primeros años después de su llegada sólo se cultivaba en el huerto de un hospital de Sevilla, para dar de comer a los allí convalecientes. Poco a poco se fue extendiendo por el país, pero con más reparos que otra cosa. El cultivo no se popularizó realmente hasta finales del XVIII. Incluso, no faltó quien la llegó a considerar una planta venenosa.

Útil contra el hambre - Era considerada una solución alimenticia poco valorada culinariamente, pero útil para paliar las terribles hambrunas de la época. Sin embargo, el siglo XIX es el que contempló los ensayos más serios de hacer atractiva la patata para paliar las frecuentes hambrunas de la época.

De hecho, este científico puede afirmar sin ningún tipo de duda que «la patata ha salvado del hambre a mucha gente, y además ha propiciado el nacimiento de grandes platos». Hace especial hincapié en la patata cocida, «que pierde mucho en relación con otros medios de preparación, como la asada, pero que tiene la virtud de llenar mucho».

La casualidad ha querido que la tortilla de patatas naciera precisamente en la región que más contribuyó a su llegada a España. Es de sobra conocido como la gran mayoría de los primeros grandes conquistadores procedían de Extremadura.

Cocinada de mil formas - Sin embargo, no existe por ello ninguna vinculación especial. «Cuando nace la tortilla de patata, no había un cultivo generalizado en la región ni mucho menos en ese momento», asegura López Linage. Así pues, la historia de la papa es en España más corta de lo que la gente piensa. Y mucho más reciente todavía es la popularidad con la que ahora cuentan. «Durante muchos años se tomó fundamentalmente cocida, acompañando a otros alimentos. Las patatas fritas, entendidas como snacks y que tan populares son ahora, aparecieron hace muy poco. Las primeras referencias que yo tengo en España son de las cervecerías de Madrid, que a finales de los años 20 ofertaban virutas fritas de patata, algo parecido a las actuales patatas de esas onduladas», afirma este investigador, quien añade sin dudarlo que «la tortilla de patatas cohesiona más España que muchos artículos de la Constitución».

El secreto de la Coca Cola ya no será el mejor guardado

Dos británicas que fomentan la filosofía anticorporativista dicen haber descubierto la fórmula. La pusieron en práctica para hacer otra bebida que bautizaron “Cubecola”. Cítricos, canela, nuez, vodka, azúcar y cafeína - (?) coca, entre los ingredientes.

Dos chicas en Inglaterra descubrieron la receta de la Coca-Cola y la publican en Internet. No conformes con eso armaron kits con los instrumentos necesarios para hacerla en casa. Y así fue como el secreto mejor guardado, de esos que se esconden bajo miles de llaves, salió a la luz.

La pócima que tiene millones de adeptos en todo el mundo está hecha a base de jugos de naranja, de limón, de lima, canela, nuez, cilantro, vodka, azúcar y cafeína.

Ellas no sólo descubrieron el secreto de la bebida más famosa del mundo también usaron la fórmula a la que llaman Cubecola y la venden en el bar que ellas gerencian en un cineclub de Bristol, según publica el diario Crítica.

Hace aproximadamente un año, Kate Rich y Kayle Brandon, dos militantes del movimiento "Hágalo usted mismo" y que fomenta una filosofía anticorporativista, decidieron que en su propio negocio, el bar del cineclub Cubecinema, no iban a comercializarse botellitas de Coca Cola. Pero los clientes sentían una gran frustración cuando percibían la ausencia de cocas en las heladeras. La demanda, o la tiranía del paladar, exigía la oferta del burbujeante refresco.

Entonces decidieron conseguir la receta pero no quieren revelar dónde encontraron las siete llaves de un secreto tan blindado. Hicieron el milagro y producen su propia coca artesanal.
El diario The Guardian publicó hace unos días la historia de Kayle y Kate con un subtítulo contundente: "Podría cambiar el mundo". Las emprendedoras vieron el negocio: hicieron pública la fórmula y venden los instrumentos para hacerla. Palabras textuales de Kayle: "No tiene exactamente el mismo gusto, ¡pero es más rica que la verdadera".

“Ahora la fórmula se publica en Internet (http://sparror.cubecinema.com/cube/cola/new_recipe.html) pero cuando nosotras la buscamos, no estaba en ningún lado, hasta que la encontramos".

Sucesión de sueños encadenados. Esta es la esencia de Un chien andalou (Un perro andaluz), el primer cortometraje del surrealismo escrito por Luís Buñuel (1900-1983) y Salvador Dalí (1904-1989). Este filme, estrenado en 1929, posee una de las secuencias más impactantes de la historia del cine y pretende provocar en el espectador un impacto moral a través de la agresividad de su imagen.

Confluencia de dos sueños

El origen de este cortometraje proviene de la confluencia de los sueños de Dalí y Buñuel. Según cuenta el cineasta en sus memorias, fue a pasar unos días a casa de Dalí y, al llegar a Figueras (Girona, España), le contó un sueño que había tenido: “una nube desflecada cortaba la luna y una navaja de afeitar hendía un ojo”. Dalí, a su vez, le explicó que la noche anterior había soñado con “una mano llena de hormigas”. Partiendo de estas ideas, el pintor catalán le propuso realizar una película. Fue entonces cuando Buñuel abandonó todos sus proyectos y comenzó a escribir con Dalí un guión titulado El marista de la ballesta, que más tarde daría luz a Un chien andalou.

La edad de oro

Dalí y Buñuel se conocieron y trabaron amistad en la reconocida Residencia de Estudiantes de Madrid (España), a comienzos de los años veinte. Una Institución por la que pasó gran parte del mundo intelectual español del primer tercio del siglo XX (Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pepín Bello, Juan Ramón Jiménez, entre otros). Tras la creación del guión de Un chien andalou, el filme fue rodado en abril de 1929 con un presupuesto de veinticinco mil pesetas (150 €) que aportó la madre de Buñuel. Se estrenó en junio en el Studio des Ursulinas (París, Francia) y, a partir del éxito de esta primera proyección, Un chien andalou triunfó en las salas de Studio 28 (París, Francia) y en el cine Royalty (Madrid, España). A finales de este mismo año, el cineasta y el pintor se volvieron a reunir para escribir un nuevo guión de lo que sería más tarde La edad de oro. Esta película fue el desencadenante de la ruptura de la amistad entre ambos autores. Buñuel rodó este filme sin contar con Dalí, por lo que se sintió marginado del proyecto y traicionado.

Un chien andalou

Considerada la película más significativa de surrealismo, la historia proyecta imágenes de violencia irracional y gratuita. A pesar de los 17 minutos de duración, consigue mostrar al espectador que la brutalidad es un hecho endémico en nuestra vida. Según explicaban los propios autores, Un chien andalou es el filme “de la adolescencia y la muerte” (Salvador Dalí), y “la crónica, entre psicoanalítica y poética, de la imposibilidad del deseo” (Luís Buñuel). fuente: artelista.com

Un informe arrojó que el español es el idioma que más crece en Internet

La revista Forbes confeccionó una lista con los diez videojuegos más vendidos de la historia

(Periodismo.com) - GTA: San Adreas es el interactivo más vendido en los últimos 15 años en el mercado estadounidense con 9,4 millones de unidades vendidas. El podio lo completan Guitar Hero III: Legends of Rock y Madden NFL 07.

Obras que encierran secretos

Pero los símbolos en sí mismos no poseen un valor definitivo y, en muchas ocasiones, el significado de lo representado depende del contexto en el que se encuentre, pudiendo ser variable. Si observamos la obra de Caravaggio Muchacho mordido por una lagartija sólo veremos un cuadro de extraño tema, con un púber con cara de dolor al notar el mordisco del animal. Pero si supiéramos que la representación de la lagartija conlleva un doble sentido ( “lagartija” en la época significaba en lenguaje popular “pene” ) podríamos deducir que esta obra es una advertencia frente al disfrute de los placeres de la carne, posiblemente ofrecidos por una prostituta quizá no muy sana ( algo que el pintor debía saber, dada su vida disoluta ). Sin embargo, el cuadro posee otra lectura, algo menos prosaica, que queda manifiesta en el propio hecho de la enfermedad que sugiere ( en esta ocasión “social ) y en la pecera representada, donde aparece el taller de Caravaggio: el deseo del maestro de dejar constancia de su excelencia y sus sobradas cualidades para poder ingresar en la Academia del Oro de Federigo Zuccaro, quien en sus comienzos se negará a admitirle precisamente por su estilo de vida ( El poder del arte, Simon Schama ).

El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck, es otro buen ejemplo de símbolos ocultos y todo él un canto a la fecundidad: la lámpara ubicada en el eje central del cuadro tiene una vela encendida, símbolo de la luz divina que preside la unión y la santifica ( además, hace alusión a la vela que se encendía para favorecer la fertilidad la noche de bodas ), sobre el respaldo de la silla ubicada tras la mujer aparece una figura de Santa Margarita, patrona de las parturientas ( identificada a veces como Santa Marta, patrona del hogar ), el verde era el color de la fertilidad en la época y el perro simboliza la fidelidad marital, sin contar el resto de múltiples símbolos que plagan la escena. artelista.com

Los símbolos en el arte son muy diversos, casi infinitos, y nos permiten encontrar de la forma más sorprendente representaciones de instituciones, ideas, personas o vivencias que nunca hubiéramos sospechado.

En el Baldaquino de San Pedro, encargado por el papa Urbano VIII a Bernini, advertimos la existencia de abejas por doquier, símbolo de la familia de los Barberini, a la que pertenecía el pontífice. Igual sucede en la Fontana de la Barcaccia ( que incorpora otro de los elementos del blasón barberini: los soles ), en la Fontana delle Api, o en el Sepulcro de Urbano VIII.

La forma de El Escorial es un homenaje a San Lorenzo ( cuyo principal atributo es una parrilla, instrumento de su martirio ) y su decoración una alegoría completa de Carlos V ( el águila bicéfala será el emblema de su escudo y las bolas y pirámides decorativas los símbolos que le asimilen con Hércules ). En la imaginería española de la Edad Moderna podemos encontrar tallas de la Virgen niña pisando una serpiente o dragón, símbolo de su pureza y su concepción inmaculada. En el Barroco era habitual la inclusión en las obras de arte de una calavera, como recordatorio de la mortalidad de la vida ( memento mori ).

Existen símbolos templarios distribuidos a lo largo de todo el Camino de Santiago, en iglesias y plazas ( famoso es el Juego de la oca ) y las universidades españolas poseen en sus muros alegorías del conocimiento y las artes liberales. En los jardines secos del arte zen cada uno de los elementos, escogidos con sumo cuidado en un número mínimo, posee un significado ( las piedras en una superficie de grava pueden ser los obstáculos que encuentra el pensamiento en su fluir ) y el arte islámico, en atención a su carácter iconoclasta, empleará elementos geométricos. artelista.com

En los primeros tiempos del cristianismo, en las representaciones plásticas asociadas a sus espacios de culto y enterramiento, podemos encontrar ¡esvásticas! Parece difícil de creer y lo cierto es que estas imágenes, de nuevo, nada tienen que ver con el régimen nazi: hablamos de las Crux dissimulata, una cruz disfrazada dentro de una circunferencia parcial que posibilitaba la inclusión de este símbolo religioso de una forma poco obvia, de ahí su nombre.

La persecución de los cristianos en los comienzos del culto hizo que estas comunidades agudizaran el ingenio: no sólo se reunían bajo tierra sino que además elaboraron todo un “vademécum” de símbolos camuflados cuya representación servía de indicativo a otros practicantes. Palmeras, ciervos, pavos reales, vides y, el gran protagonista, el pez, se convirtieron, junto con los diversos anagramas de Cristo, en el medio para comunicarse y reconocerse en cualquier parte del mundo como cristiano.

Lo cierto es que la religión es una buena cantera de iconos, en cualquier época en la que nos fijemos, así, por ejemplo, el triángulo ( como línea compositiva o como figura ) es una simbolización de la Santísima Trinidad ( de fertilidad en cultos paganos ), las columnas salomónicas del Barroco hacen referencia al antiguo templo de Salomón en Jerusalén y el crismón románico ( XP ) es el monograma de Cristo ( a veces acompañado de Alfa y Omega: “principio” y “fin” ).

Los capiteles y tímpanos de las iglesias están plagados de referencias alegóricas ( recogidas en los llamados bestiarios ): los leones, águilas y grifos son “los guardianes del templo” en indicación del carácter sagrado que el visitante debe respetar, el cordero hace referencia al sacrificio de Jesús para redimirnos ( y a su cualidad de Buen Pastor ) y la serpiente es la representación del pecado original, al igual que la liebre específicamente lo es de la lujuria o el cerdo de la pereza, entre otros. Pero no sólo las imágenes poseen un significado en el arte cristiano, la numerología y la arquitectura en sí, estrechamente vinculadas, son la base de la que parte todo lo demás: los claustros medievales son una representación del Jardín del Edén, las naves de las iglesias de planta cuadrada simbolizan la Tierra ( 4 puntos cardinales ) y la cabecera semicircular el Cielo ( al igual que las cúpulas ), y la propia planta de cruz latina es una figuración del cuerpo de Cristo ( cabecera, brazos del transepto, cuerpo de las naves y pies ). artelista.com

Año 1933, Hitler sube al poder como dirigente del Partido Nacionalsocialista alemán tras ganar las elecciones del mes de mayo. Comenzaba el Tercer Reich, una época de horrores que nos viene a la memoria hoy día en todo el mundo occidental con tan sólo ver una imagen: la cruz gamada o esvástica. Sin embargo, este símbolo posee un uso, tradición y significado mucho más antiguos y amplios de los que, por desgracia, le fueron otorgados por el nazismo. La palabra “esvástica” posee, bajo su origen sánscrito, un significado de “bienestar y buena suerte” y su representación gráfica aparece múltiplemente reproducida en imágenes y arquitecturas de la India y Nepal, además de ser habitual en el arte celta, románico, gótico y de la Antigüedad clásica. Éste es sólo un caso, de los múltiples, del poder que guardan los símbolos y de la influencia que pueden llegar a ejercer. El arte cuenta con infinidad de ejemplos de imágenes con un sentido distinto al que pudiera parecer, “escondidas” en unas ocasiones por necesidad, como un guiño o parte de una construcción alegórica más compleja en otras. Unos significados cuyo conocimiento, en ocasiones y con el paso de los siglos, se ha perdido, siendo necesaria su recuperación para poder comprender en su totalidad la obra que los guarda. artelista.com

Muere Yves Saint Laurent, el modisto que dio alas a la mujer

¿Sabías que el mercado del arte continúa su ascenso imparable?

Hace una semana escasa Lucien Freud se convertía en el artista vivo mejor cotizado gracias a la venta de su obra Benefits supervisor sleeping, con la que batía otro récord en el mercado del arte, adelantándose al remate que alcanzara pocos días después Francis Bacon con Tríptico ( 1976 ). Una cifra de algo más de 55 millones de euros que le posiciona por fin como el artista más caro de posguerra y culmina la buena racha que llevan últimamente las casas de subastas.


Un mercado al margen de crisis

Las cifras lo avalan: el mercado del arte, lejos de sufrir la recesión económica que comienza a afectar a otros sectores, está en alza. Durante los últimos meses los precios alcanzados por obras de autores del s.XX en subasta han sido apabullantes, sumándose a los alcanzados por lienzos impresionistas y modernos en el último año: casi 10 millones de euros pagados por una estatuilla manga de Takashi Murakami, cantidad similar a la desembolsada por una obra de Rauschenberg, algo más de 15 por MG 9 de Ives Klein, 29 por un Rothko, 19 por el habitual de los récords Andy Warhol, algo más de 14 por Lullaby Spring ( Damien Hirst ) hace un año… Una carrera que acaba de marcar su punto final con la venta de Tríptico ( 1976 ) de Bacon, quien ya estuvo en febrero de 2008 a punto de batir su propio récord con una obra de similares características, adjudicada en unos “discretos” 35 millones de euros. artelista.com

El famoso personaje del fútbol Roman Abramovich, magnate de nacionalidad rusa, dueño del Chelsea, será una marca de vodka en Gran Bretaña. El registro legal fue realizado por un empresario lituano, las botellas serán fabricadas en Francia y la produccion del nuevo vodka se hará en otros países del este europeo todavia no definidos. Lo información viene de TV de lengua inglesa Russia Today y el sitio on line Lenta.ru.

El magnate Abramovich, cuya imagen ya aparece en un vodka ruso llamado "Oligarch", se sumará a Mijhail Gorvachov y Alexander Putin, que también tienen sus nombres en otras marcas de vodka. El nuevo vodka Abramovich estará en el mercado sólo a fin de año. 

La soledad también impacta sobre los genes y la salud

TRES NOTICIAS DE ESTE PERRO MUNDO
(Antonio García Fuentes)

Cuesta creer el que hayamos llegado a la que se estima, la civilización más avanzada de todas las que registra la historia (“salvo la nebulosa de La Atlántida”) y que en ese culmen civilizatorio, ocurran tantas cosas como estas tres que comento y que aparecen el mismo día en la prensa diaria.

Una niña yemení de ocho años, casada a la fuerza con un hombre de treinta, pide el divorcio tras reiteradas palizas y abusos… y es la propia niña, la que se presenta en un tribunal de nada menos que la capital de este país (Saná) y en la que no sólo denuncia a “su esposo”, sino a su propio padre por haberla obligado. Lo que la noticia dice que este “pederasta autorizado por la ley”, hacía con esta pobre niña para satisfacer sus deseos carnales y lo que ha soportado en “dos meses de casada”… en cualquier país civilizado, sería motivo para condenar a este delincuente autorizado, a varias decenas de años de prisión… y yo opino que también de trabajos forzados; pues… ¿cómo puede existir hoy en este mundo tan avanzado, leyes o costumbres que permitan estos crímenes… cómo se pueden poner a estas criaturas en manos de adultos para que practiquen incluso el sexo?... cuesta de creer pero está ocurriendo en países islámicos.

La siguiente noticia es también incalificable y esta se produce en Occidente y en el máximo organismo de la tan desprestigiada ONU y el que sobre el papel se ocupa de la educación y la cultura, o sea “La UNESCO” (o para mayor vergüenza: “Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura”). Pues bien, nada menos que en Bruselas y por falta de espacio para guardarlos; un “alto funcionario” (muy bajo en principios por el hecho) ordena el que sean quemados, nada menos que cien mil libros (100.000); lo que ocurre en los años 2004/2005… entre esta quema, figuran cinco mil ejemplares de la “Historia General de Latinoamérica” y otros muchos títulos interesantes, no sólo relativos a América, sino igualmente a Asia y África y por lo que se dice, a todo el “mundo mundial”… ¿Cómo puede ser ordenada esa quema de libros, con la necesidad de lectura que hay, la cantidad de escuelas de países pobres, que no tienen a penas ni lápiz, ni papel y menos libros… no se pudo ordenadamente, distribuir esos libros en miles de bibliotecas que los recibirían con agradecimiento? ¿A estos inútiles “mundiales” mantenemos con nuestros impuestos?

La tercera noticia no es menos “sangrante”; puesto que por conseguir nuevos carburantes, se están consumiendo cantidades enormes de alimentos dedicados al ser humano y sus ganados más necesarios para su supervivencia. Ese es el resultado de los tan cacareados biocarburantes… salvo que, sea otra “guerra” oculta de defensa de las poderosísimas petroleras mundiales, para que no les surja competencia.

Pero la verdad, es que los alimentos están tomando precios prohibitivos en algunos países, donde ya hay revueltas por ello mismo y aquí en la “lista y culta Europa”; se han derrochado y derrochan cantidades inmensas de dinero, para cultivar lo que interesa (¿a quién?), por no producir leche o carne, que llegaron a sobrar (“recuerden hace años que se hablaba de los dos grandes problemas europeos: un lago de leche y una montaña de carne… sin vender”)… o por dejar tierras en barbecho, o sin cultivar, para lo que se pagaron y pagan subvenciones, mientras medio mundo se muere de hambre o carece de lo más necesario.

¿Quién explica todo este desastre? ¿No hubo ni hay formas de regular producciones y mercados para que todo el mundo pueda vivir decentemente? ¿Por qué se arruinan cultivos en países para imponerles otros que interesan… a quién?

¿Esto es progreso… para quién o quienes?... esto es un ya muy peligroso juego de intereses materiales de unos pocos, en perjuicio de una mayoría; todo lo cual traerá las consecuencias explosivas que son de esperar… ¿Es que no hay estadistas en este perro mundo? ¿Todo son especuladores sin escrúpulo alguno? ¿Quiénes gobiernan si es que gobiernan… o a qué están jugando?

PABLO PARDO - ELMUNDO.ES

WASHINGTON.- "Una locura, una locura". Así explicaba Chris Clark en las páginas del diario Baltimore Sun el jueves pasado la inesperada lluvia de millones de dólares que le había caído encima gracias a un golpe de suerte. Concretamente, acababa de ganar 2,6 millones de dólares (1,65 millones de euros) al subastar en internet el dominio pizza.com, que él mismo había registrado en 1994.

Clark había pagado 20 dólares (12,7 euros al cambio actual) por el dominio, una cifra a la que hay que añadir una cifra similar cada año para mantener sus derechos de propiedad. Es difícil saber la rentabilidad de la operación, pero un cálculo aproximado, teniendo en cuenta el coste de renovar la propiedad sobre los dominios de internet, permite aventurar que, sin descontar la inflación, Clark ha obtenido una rentabilidad de alrededor del 7.000%. Ni George Soros ni Warren Buffett pueden pretender tanto.

Y, lo que es aún más sorprendente: Clark ha logrado esa suma gracias a un fracaso empresarial en toda regla. Porque, cuando registró pizza.com acababa de fundar una consultora especializada en internet. Su idea de apropiarse del dominio del conocido alimento italiano se debió a una estrategia de marketing desastrosa: pensó que, con ese nombre, pronto alguna empresa de comida rápida contrataría sus servicios. Seis años después, en pleno boom de las puntocom, Clark vendió su empresa. Ninguna compañía de pizzas le había contactado.

Pero el empresario retuvo sus derechos sobre pizza.com. Hace un año invirtió 5.000 dólares (3.170 euros al cambio actual) en la web para convertirla en un directorio de empresas que producen pizza y empezó a ganar dinero. Hasta que un día vio una noticia que explicaba que una empresa rusa de exportación de vodka había vendido su dominio vodka.com por tres millones de dólares, o 1,9 millones de euros. El precio de salida de pizza.com fue de dos millones de dólares.

Clark no se tomó muy en serio su iniciativa. En enero anunció que su sitio web estaba en venta. La primera oferta fue de apenas 100 dólares. Pero entonces Sedo, una empresa especializada en intermediar ventas por internet, se puso en contacto con él. A cambio del 10% del precio de venta, Sedo se comprometía a publicitar la venta de pizza.com. Sin muchas esperanzas, Clark accedió, y a continuación se fue de vacaciones a Disney World, en Florida, con su familia. El 27 de marzo, pizza.com entraba en la red de Sedo. Un día después, ya ofrecían por el nombre medio millón de dólares. El 29, la cifra ascendía a dos millones.

Pero pizza.com no es, ni de lejos, el dominio con un nombre genérico más caro de internet. Business.com (Negocios.com) se vendió por 7,5 millones de dólares en 1999 y de nuevo por 380 millones en 2007. Diamond.com también tuvo un precio de 7,5 millones de dólares en 2006. El mes pasado, Fund.com (fondo.com) costó 10 millones de dólares, dos menos que el precio de Sex.com en 2006.

"Apenas quedan 3.500 tigres en libertad en el mundo. Hace cinco años había aproximadamente entre 5.500 y 6.000 ejemplares", concluye WWF/Adena en un seminario internacional sobre la especie celebrado en Estocolmo esta semana. Las últimas cifras son alarmantes, pues muestran que sólo hay 1.400 tigres en la India, un 60 por cierto menos que hace tres años. El furtivismo y la pérdida de hábitat son las principales razones para este dramático descenso poblacional.

"La demanda de la población china de partes del cuerpo del tigre, usadas en la medicina oriental tradicional, es la principal causa de este declive, tras el furtivismo", indica Bivash Pandav, Director del Programa de WWF/Adena para el tigre y otros felinos asiáticos.

Hay nueve subespecies de tigres, de las que cuatro ya se han extinguido. Además de la estimación de 1.400 tigres en la India hay unos 150 ejemplares en Nepal, 100 en Bután y 100 en Bangladés. La poblacion de tigre malayo (Panthera tigris jacksoni) es de 500 ejemplares, la de tigre de Indochina (P. t. corbetti), se calcula en 500 repartidos entre Camboya, Birmania, Tailandia, Vietnam y Laos. El tigre de Amur en Siberia (P. t. altaica) parece ser más estable con 500 ejemplares. Por otra parte, el tigre de Sumatra (P. t. sumatrae) es una de las subespecies más amenazadas, con alrededor de 400.

"Los animales necesitan acceder a bosques naturales, alimentos y hábitats no alterados", subraya Sujoy Banerjee, Director del programa de especies de WWF/Adena en la India.

"Sin embargo, todavía hay esperanza", apunta Bivash Pandav, haciendo referencia a que los grandes felinos se reproducen rápidamente y pueden tener un gran número de crías si no son molestados. agroinformacion.com

PARÍS (AFP) - La empresa Pernod-Ricard lanzará el próximo jueves el champán más caro del mundo, un Perrier-Jouet vendido por cajas de doce botellas a 50.000 euros (77.000 dólares), signo del éxito creciente que cosechan estas burbujas de lujo en el mercado internacional.

La botella, de 75 cl, sale pues a 4.166 euros (unos 6.420 dólares) y supera el récord precedente de una serie limitada de 10 Jeroboamas de Dom Perignon (grupo LVMH), que se vendieron a 4.000 euros el litro (unos 6.160 dólares) durante el Festival de Cine de Cannes de 2005.

"Vamos a vender estas cajas a 100 personas en el mundo para que puedan confeccionar ellas mismas su propio champán, el último lujo", explicó a la AFP Olivier Cavil, director de comunicación de Perrier-Jouet. Esta serie especial, destinada a una "comunidad de super-ricos", se distribuirá únicamente en siete países: Estados Unidos, Gran Bretaña, Japón, China, Rusia, Suiza y Francia, a razón de una quincena de cajas por país.

"Todos los compradores vendrán a Epernay (este de Francia) para reunirse directamente con nuestro jefe de bodega, Hervé Deschamps", explica Cavil. De esta forma podrán añadir por sí mismos el 'licor' (azúcar y vinos de diferentes años) de su gusto y personalizar así las botellas de blanco de la cosecha Belle Epoque, de 2000. Además de estampar su firma en la etiqueta, el cliente podrá almacenar su pedido en las cavas de Perrier-Jouet, donde las botellas serán conservadas durante ocho meses.

Algunas celebridades podrán beneficiarse de forma gratuita o a precio reducido de esta cosecha bautizada 'By and For', entre ellas la actriz española Victoria Abril o la cantante Marianne Faithfull.

Pernod-Ricard, segundo grupo mundial en vinos y licores, regresó en 2005 al sector del champán al pasar a controlar las marcas Mumm y Perrier-Jouet tras adquirir la británica Allied Domecq. Ocupa la cuarta plaza en este mercado mundial floreciente, con 338,7 millones de botellas vendidas en 2007, es decir, un alza del 7,3% respecto a 2006.

El Instituto de los Andes Presenta el Mejor Programa de Enología  

Un completo programa profesional, de nivel internacional, que les permitirá en forma inteligente dominar el fascinante universo del vino. Cuatro cursos, Enología I, II, III, IV, especialmente diseñados mediante un moderno sistema modular y en solo un año de estudios, podrán obtener una certificación de suficiencia profesional en una carrera de gran demanda en la hotelería, restauración y en general en el mundo gourmet. Podrás desenvolverte como Sommelier, Administrar la bodega de un Hotel o Restaurante. Organizar bodegas profesionales o familiares y Diseñar cartas de vinos. Asesorar a Tiendas y Autoservicios en el comercio del vino.

Modalidades: Presencial ó Virtual (Capacitación a Distancia)

Syllabus - Módulos: 01. Bebidas Alcohólicas. - 02. ¿Qué es el Vino?. - 03. Composición del Vino. - 04. Clasificación del Vino. - 05. Terminología. - 06. Historia del Vino - Mitología. - 07. Historia del Vino - Cronología. - 08. Las Cepas - Agricultura - 09. Las Cepas - Variedades - 10. Vinos Varietales. - 11. Vinos Coupages. - 12. El Origen, Países, Regiones, Bodegas. - 13. Enografía, Grandes Vinos del Mundo. - 14. La Certificación. - 15. El Color. - 16. El Aroma. - 17. El Sabor. - 18. La Textura. - 19. El Carácter. - 20. La Producción. - 21. Los Insumos. - 22. Los Procesos. - 23. La Fermentación. - 24. El Azúcar. - 25. La Acidez.  - 26. Los Taninos. - 27. Vinos Especiales. - 28. La Calidad. - 29. La Edad. - 30. Botellas, Corchos y Etiquetas. - 31. Enfermedades y Defectos. - 32. El Servicio, Carta, Copas, Temperatura. - 33. La Cata. - 34. Afinidades y Maridaje.

Matricula Abierta - Inicio de Clases - Lunes 7 de Abril

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Teléfonos: 368-2537     368-0441     368-0448

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Oviedo, España - J. L. SALINAS

En la nevera de la casa de la familia televisiva de los Simpson nunca falta una lata de cerveza, ni en el badulaque del indio Apu, ni en la taberna de Moe. La serie hizo popular esta marca hasta ahora ficticia, Duff, que una compañía mexicana se ha decidido a comercializar. La inseparable cerveza que siempre acompaña a Homer comenzará a ser distribuida este mes en Asturias. La compañía asturiana Disprinsa se encargará de llevar a cabo la distribución del caldo que vuelve loco a Homer. De hecho, una de las frases que ha hecho famoso a este personaje de dibujos, creado por Matt Groening, es «¡Mmm, cerveza!», que pronuncia cada vez que abre la nevera.

Hasta el momento era una de las marcas de cerveza más conocidas del mundo, pero nadie la había probado nunca, hasta ahora. El joven empresario Rodrigo Contreras decidió registrar la patente de la marca en México hace varios meses para comenzar unas semanas más tarde con su expansión internacional. Duff sólo era una marca patentada para Estados Unidos y Australia. Las primeras remesas salieron a la venta en Guadalajara, ciudad natal del empresario. Se agotaron en unas horas.

La idea de introducirla en Asturias fue de uno de los responsables de Disprinsa, Luis Miguel Rivas, tras enterarse por internet de que existía en realidad la marca. «Nos pusimos en contacto con la empresa para traerla a Asturias, ya que es un producto que seguro que se vende solo», apunta. En España las primeras cervezas ya se han vendido en muchos establecimientos de la zona del Levante, y en las Baleares.

El empresario mexicano Rodrigo Contreras, que no llega a los treinta años de edad, acaba de abrir una fábrica para producir la bebida en Bélgica y desde ahí poder distribuirla por toda Europa. Contreras no sólo registró la marca, sino también los colores y la tipografía de la misma. Es casi idéntica a la que bebe Homer. Pero ¿cómo sabe la cerveza del padre de los Simpson? Luis Miguel Rivas responde: «Tiene un sabor muy similar al de algunas marcas españolas, y no tan fuerte como algunas extranjeras».

- Cientos de millones es el número de personas que la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas espera que el domingo siga la ceremonia en el mundo entero por televisión.

- 38,8 millones: fue el promedio de audiencia de la gala del cine en 2006 sólo en Estados Unidos, marcando una bajada del 7,8% respecto al año 2005.

- 5.830: es el número actual de miembros del colegio electoral de la Academia, que deciden los ganadores de la estatuilla.

- 3.400: es el número de asientos en el Teatro Kodak, donde se entregan los Oscar desde 2002.

- 1929: fue el año de la primera edición de los Oscar, dos años después de la creación de la Academia.

- 300: es el número de los felices ganadores de un puesto en las gradas que disponen a los lados de la alfombra roja por donde desfilan las estrellas antes de ingresar al teatro Kodak.

- 80: tenía Jessica Tandy cuando ganó el Oscar a Mejor Actriz en 1990 por 'Paseando a Miss Daisy'.

- 50: el número de estatuillas doradas previstas para la ceremonia donde premian 24 categorías. Los organizadores previenen que algunas de las lizas son ganadas por más de una persona.

- 34: es el récord de seleccionados al Oscar a Mejor Película Extranjera, el cual ostenta Francia.

- 26: el récord absoluto de Oscar recibidos es para Walt Disney. El creador de Mickey obtuvo 22 galardones por sus obras y cuatro Oscar honoríficos. Cuenta también con el récord de haber sido hasta ahora el más nominado.

- 18: es el número de hispanoamericanos nominados el año pasado. Un récord que recayó en nueve mexicanos, ocho españoles y un argentino, que marcaron también un hito al estar nominados en categorías mayores como Mejor Director, Mejor Película y Mejor Actriz Principal y de Reparto.

- 19: es el récord nada envidiable de nominaciones a los Oscar que nunca ganó el ingeniero de sonido Kevin O'Connell, en competencia por vigésima vez este año.

- 14: el récord de nominaciones en la categoría de actores, que recae sobre Meryl Streep. Jack Nicholson y Katharine Hepburn son quienes le siguen con 12 postulaciones en su haber.

- 14: el récord de nominaciones para una sola película, detentado en 'All about Eve' en 1951 y 'Titanic' en 1998.

- 12: el récord de nominaciones en la categoría de Mejor Director detentado por William Wyler.

- 11: el récord de Oscar obtenidos por una película, en el cual empatan 'Ben-Hur', 'Titanic' y 'El señor de los anillos: el regreso del rey'.

- 10: la edad de Tatum O'Neal cuando recibió el Oscar a Mejor Actriz de Reparto en 1974.

- 10: el récord de victorias en la categoría de Mejor Película Extranjera, detentado por Italia.

- 6: la edad que tenía Shirley Temple cuando recibió el Oscar honorífico en en 1935.

- 5: el número de actores negros que compitieron en 2007 por el Oscar a Mejor Actor, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz, un récord para la Academia.

- 4: el número de Oscar ganados por Katharine Hepburn. Tres actores han obtenido tres estatuillas: Ingrid Bergman, Walter Brennan y Jack Nicholson.

- 4: es el récord de Oscar recibidos por un director en su carrera, detentado por John Ford.

- 3,85: es el peso en kilogramos de un Oscar.

- 3: el número de veces que la ceremonia tuvo que ser retrasada: una semana en 1938 tras las inundaciones en Los Ángeles, dos días en 1968 en respeto de Martin Luther King, asesinado pocos días antes y en 1981, 24 horas después de un intento de asesinato del presidente Ronald Reagan.

Charles Robert Darwin (12 de febrero de 1809, Shrewsbury, Inglaterra - 19 de abril de 1882)

Charles Darwin, padre de la teoría de la evolución por selección natural - Después de graduarse en Cambridge en 1831, Darwin se embarcó como naturalista sin paga, a los 22 años, en el barco de reconocimiento HMS Beagle, merced a la recomendación del también naturalista John Stevens Henslow que había conocido en Cambridge, para emprender una expedición científica alrededor del mundo que duraría 5 años.

Durante el viaje Darwin estudió las aguas costeras, midió profundidades e indicó las grandes corrientes oceánicas. Abandonó el barco frecuentemente para realizar largas expediciones por tierra, durante las cuales pudo reunir gran cantidad de especímenes.

Además, contempló con asombro la diversidad de la fauna y la flora en función de los distintos lugares. Así, pudo comprender que era la separación geográfica y las distintas condiciones de vida la causa de que las poblaciones variaran independiente unas de otras.

A su vuelta al Reino Unido publicó su obra Diario del viaje del Beagle. Poco después, Darwin se había convertido en una celebridad científica. Fue elegido secretario de la Sociedad Geológica de Londres y se ganó el respeto y amistad de la élite intelectual británica: Charles Lyell, Thomas Henry Huxley y Joseph Dalton Hooker.

 

La selección natural y el origen de las especies - El origen de las especiesLa lectura del libro Ensayo sobre el principio de la población, del economista británico Thomas Malthus, permitió a Darwin completar su teoría. Según Malthus, el constante aumento de la población mundial que se estaba dando provocaría el agotamiento de los recursos naturales y una lucha por la supervivencia, que acabaría con el triunfo del más fuerte.

Para Darwin, ya no había duda. Inmediatamente desarrolló su teoría: La selección natural, en biología, es un proceso por el cual los efectos ambientales (falta de recursos, cambios geológicos, llegada de nuevas especies...) conducen a un grado variable de éxito reproductivo entre los individuos de una población de organismos con características, o rasgos, diferentes y heredables.

Esta era la causa de la variación de las especies en función de los climas y los recursos de cada lugar. Darwin argumenta que todos los seres vivos tienen una ascendencia común y las diferentes variedades y especies que se observan en la naturaleza son el resultado de la acción de la selección natural en el tiempo. La explicación propuesta por Darwin del origen de las especies y del mecanismo de la selección natural a la luz de los conocimientos científicos de la época, constituye un gran paso en la coherencia del conocimiento del mundo vivo y de las ideas evolucionistas presentes con anterioridad. Integra armoniosamente los avances contemporaneos en paleontología y geología; y sienta las bases que cerrarán el debate frente a las tesis alternativas de tipo fijista/creacionista como el catastrofismo de Georges Cuvier.

Darwin dedicó los siguientes años al desarrollo de su teoría evolucionista. Hubiera podido publicar antes, pero las dudas, el miedo a la polémica y su mala salud retrasaron la publicación, a pesar del apoyo constante que recibió de Huxley, Lyell, Hooker y su esposa Emma Wedgwood, con la cual había contraído matrimonio en 1839.

En 1858 recibió una carta de su compatriota Alfred Russel Wallace, el cual había desarrollado de un modo independiente la misma teoría que Darwin. Para evitar la polémica, decidieron publicar conjuntamente un artículo en la Sociedad Linneana titulado Sobre la tendencia de las especies a crear variedades; y sobre la perpetuación de las variedades y de las especies por medio de la selección natural.

El trabajo de Darwin tuvo una influencia decisiva sobre las diferentes disciplinas científicas, y sobre el pensamiento moderno en general. Recogió su teoría en su libro El origen de las especies, publicado el 24 de noviembre de 1859 y que se agotó el primer día en que salió a la venta. En 1871 publicó El origen del hombre, donde defendía la teoría de la evolución del hombre desde un animal similar al mono, lo que provocó gran controversia religiosa.

Otras de sus obras fueron: La variación de los animales y de las plantas bajo la acción de la domesticación (1868), La descendencia humana y la selección sexual (1871), y La expresión de las emociones en el hombre y en los animales (1872). Eran exposiciones detalladas sobre temas que sólo disfrutaban de un pequeño espacio en el Origen de las especies.

Darwin fue escogido miembro de la Royal Society (1839) y de la Academia Francesa de las Ciencias (1878). Cuando estuve a bordo del Beagle, como naturalista, me llamó mucho la atención la distribución de los habitantes de sudámerica y las relaciones geológicas del presente con los habitantes del pasado en esa parte del continente. Me dio la impresión de que estos hechos aclaraban el origen de las especies, ese misterio de misterios, como lo llamó uno de nuestros más grandes filósofos.

 

Críticas en los inicios de la teoría de la evolución - Se puede observar que lo representaban con características propias de la rama de los simios como el mentón, las cejas y la forma de su cabeza, como forma de burla a su observación de la evolución del simio al hombre actual.En sus inicios, poco después de la publicación del libro de Darwin, la evolución y la selección natural fueron ampliamente discutidas por las comunidades científicas y religiosas. Aún así, en esa época, las ideas de Darwin ya eran apoyadas por la mayoría de los científicos, siendo su mayor defensor Thomas Henry Huxley, "el Bulldog de Darwin". 

Los otros científicos que en esa época consideraban la teoría como incompleta, criticaban que esta no presentar ningún mecanismo capaz de transmitir la herencia en los seres vivos; esto ya que desconocían que Gregor Mendel había estudiado las leyes de la herencia en 1865 (teorías de Mendel que permanecieron desconocidas -incluso por Darwin- hasta el siglo XX).

Otro de los problemas a los que se enfrentó la teoría de Darwin en esa época, era la imposibilidad que tenían de conocer la edad correcta de la Tierra. Por ejemplo, según los estudios de Lord Kelvin, que posteriormente resultaron equivocados, postulaban erroneamente que la edad de la Tierra era demasiado pequeña para albergar en su historia el largo proceso evolutivo necesario por las especies naturales. Así, Kelvin afirmó que sólo mediante el diseño inteligente se podía haber alcanzado la gran diversidad biológica actual. Sin embargo, las ideas de Kelvin chocaban con la datación de la Tierra propuesta por los geólogos con base en los primeros estudios sobre la edad de diferentes tipos de rocas, y la cuestión de la edad de la Tierra era un tema de actualidad científica que sólo sería resuelto a favor de Darwin, solo tras el descubrimiento de la radiactividad por Becquerel.

En 1875 el teólogo Charles Hodge acusó a Darwin de negar la existencia de Dios al definir a los humanos como el resultado de un proceso natural en lugar de una creación diseñada por Dios.

Hoy en día, aunque en biología se consideran como correctas las ideas básicas de Darwin, las cuales conforman parte de la Síntesis evolutiva moderna (actual teoría de la evolución); aún siguen existiendo algunos lugares en los que el debate religioso-científico se mantiene, como en Estados Unidos y en algunos lugares de Australia. El creacionismo ha cambiado de estrategia y su versión más moderna ahora se llama diseño inteligente. Aunque carece de la objetividad de la ciencia, está dando una dura batalla en los sectores conservadores de los Estados Unidos para tratar de ser aceptado en la curricula escolar.

 

Los últimos años de Darwin - Darwin pasó el resto de su vida desarrollando diferentes aspectos de problemas surgidos por el Origen. Sus libros posteriores, incluyendo La variación de los animales y las plantas bajo condiciones de domesticación (1868), El origen del hombre (1871), y La expresión de las emociones en los animales y en el hombre (1872), fueron exposiciones detalladas de temas que se habían limitado a pequeñas secciones del Origen. La importancia de su trabajo fue reconocida por sus contemporáneos; Darwin fue elegido por la Royal Society (1839) y por la Academia Francesa de Ciencias (1878).

Después de su muerte en Down, se le rindió homenaje con el honor de ser sepultado en la abadía de Westminster. Y hasta nuestros días se sigue discutiendo sus grandes descubrimientos. Fuente: Universia

Posibilidades de «wiki»

NO, no son muchos los hawaianismos incrustados en los romances peninsulares. Alguno hay, por supuesto, y del todo asimilado. Recuerdo «tatuaje», que del polinesio «tátau» pasó al inglés «tattoo», del inglés al francés -otro gran vocero de la lengua de Shakespeare-y del francés al castellano, al catalán, sin duda al gallego. Algún otro habrá, del que ahora no me acuerdo, entre otras razones -aparte mi desmemoria-porque no se han pegado intensamente a nuestras lenguas. Pero he aquí cómo estamos adoptando uno nuevo.

Término proveniente de Hawai, sí, y que en muy poco tiempo ha devenido nada menos que planetario. Acertó usted: «wiki», que ha permitido alianza nada menos que con el griego. Esto de «Wikipedia» que por ahora reclama mayúscula inicial. No hemos tardado mucho en saber que este ya nombre propio se basa en «wiki» que en el hawaiano significa «rápido», y que en tal lengua hay que decirlo dos veces. A los occidentales nos basta con una sola. Muy afectado sonaría un «Wiki, Wikipedia». Ya enterados del significado de «wiki», tampoco era cuestión de forzar palabros como «Rápidopedia» o «Raudopedia». Por lo tanto, adopción de la alianza verbal que, además, hay que reconocerlo, suena bien y, valor añadido..., tiene el encanto de la doble «v» y de la consiguiente pronunciación a la inglesa, lo que tanto nos gusta. No, nada que oponer, nada. Sólo una pequeña consideración. Una suerte de prospectiva o futurología terminológicas basadas en no muy arriesgado cálculo de probabilidades, como está mandado.

Si ya hemos hecho cargo cabal de que «wiki» significa «rápido», ¿llegará un momento, tal vez pronto, muy muy cercano, en que «wiki» pase a lengua hablada, y quién sabe si a la escrita? «Wiki, haz esto», «Ven wiki», «¿Llegarán wiki?» No, no es tontería lo que digo. La creatividad del papanatismo lingüístico puede llegar a esto y mucho más. Pruebas no faltan. Tampoco sería de extrañar que «wiki» -adverbio- pasara también pronto -digo, «wiki»- a ser nada menos que nombre propio, máximo de mujer. Por aquello del «Vicky» ya bastante extendido por estos pagos lingüísticos, y no siempre adoptado por señoritas admiradoras de la novelista Vicky Baum. Escritora que hoy se halla en el purgatorio de los literatos, y cuya obra bien merecería un nuevo cielo en la tierra del indudable lector.

La semejanza fonética entre adverbio y nombre propio no será raro que -«wiki, wiki»- favorezca la adopción del término en el santoral profano de la modernidad. Está por ver, desde luego. Sin embargo, lo muy probable -y también «wiki, wiki»- es que los perritos y las perritas comiencen a ser «bautizados» con tal posible nombre ya propio. Sí, sí: cosas de la relinchante, piafante, galopante, trotante globalización, poco menos que casi desbocada. Globalización planetaria a la cual lo de «wiki, wiki» le va como anillo al dedo de las prisas que todos tenemos para a menudo «Ir de Ningún Sitio a Ningún Sitio», como escribió J. V. Foix en un gran poema en prosa. Enrique Badosa VOZ Y VOTO

LONDRES, Inglaterra - Diego Armando Maradona ha pedido perdón por el famoso gol que marcó con "la mano de Dios" a Inglaterra en el Mundial de México (1986), según una entrevista que publica este jueves el diario "The Sun". "No puedo cambiar la historia", dijo el "Diez". (Bongarts / Getty Images) "Si pudiera disculparme, viajar atrás y cambiar la historia, lo haría", admitió Maradona, quien ha visitado esta semana el Reino Unido, donde se ha sentido "muy feliz" porque los aficionados británicos le han llamado "leyenda" al pedirle autógrafos. Hasta ahora, el astro argentino, de 47 años, nunca se había disculpado por aquel tanto, que dio por válido y sin titubear el árbitro tunecino Alí Bennaceur. En su momento, el mítico "numero diez" explicó que consiguió el gol "un poquito con la cabeza de Maradona y un poquito con la mano de Dios". Pese a todo, precisó el otrora delantero al periódico británico, "el gol sigue siendo un gol, Argentina se proclamó campeona del Mundial y yo fui el mejor jugador del mundo". "No puedo cambiar la historia. Todo lo que puedo hacer es seguir adelante", zanjó el "Pelusa". Veintidós años después de aquel partido de cuartos de final, en el que Argentina eliminó a Inglaterra por dos goles (los dos de Maradona) a uno, el fútbol inglés aún recuerda -y debate- con escozor e indignación la "diablura" del argentino. De hecho, la enorme polémica que rodeó al "gol de la mano de Dios" ha ensombrecido en Inglaterra el soberbio tanto que Maradona marcó -esta vez "por lo legal"- en aquel inolvidable choque. Cuatro minutos después del gol "divino", el "pibe de Fiorito" enseñaba al mundo su gran obra maestra: el tanto más bello en la historia de los Mundiales. La jugada duró escasamente diez segundos, en los que "El Diego" recorrió sesenta metros con el balón controlado, esquivó nada menos que a seis jugadores ingleses y tocó suavemente el balón ante la salida del guardameta Peter Shilton.

EFE / Fox Sports

"Probablemente, la mejor cerveza del mundo". Seguro que todo el mundo ha oído alguna vez este pegadizo slogan de Carlsberg. Ahora, se le puede añadir este otro: "Probablemente, la cerveza más cara del mundo". Sólo que este vez no es probablemente, si no es seguro. La cervecera danesa ha creado una cerveza que cuesta 2008 coronas danesas, casi 400 dólares, en una referencia al año actual.

Si quiere degustarla, sólo se sirve en tres restaurantes de Copenague, capital de Dinamarca, y busca competir con los vinos de lujo en los restaurantes (también de lujo, por supuesto). De tan selecta cerveza se han producido tan sólo 600 botellas de 37,5 centilitros, con 10,5 grados. Carlsberg ha anunciado que en 2009 y 2010 lanzará otras botellas exclusivas, por supuesto a 2009 y 2010 coronas danesas...

¿Sabías que un gran museo egipcio abrirá sus puertas en 2011?

Será un colosal edificio justo al lado de las Pirámides de Guiza, una de las principales atracciones turística de todo el mundo. Un museo que hará las delicias de los amantes del arte faraónico. Y es que se expondrán más de 100.000 piezas arqueológicas del patrimonio de Egipto. Su fecha de inauguración siempre había estado rodeada de un halo de misterio, hasta ahora.

Secretismo egipcio - La fecha de inauguración del espacio siempre había parecido un secretismo, nunca estuvo del todo clara. En un principio, se anunció para 2010 y luego para 2012. Lo que está claro des del principio, es que promete ser uno de los museos de referencia en el mundo.

Un gran coste - El Gran Museo Egipcio es un colosal proyecto junto a la meseta de las Pirámides de Guiza. Se trata pues, de una gran inversión económica.

El Gobierno japonés concedió un préstamo de 300 millones de dólares para el nuevo museo, mientras que los 150 millones restantes deben ser cubiertos por las autoridades egipcias. Para ellas no está siendo nada fácil, pero han contado con una gran recaudación de dinero gracias a su prestación de piezas para exposiciones temporales en varios museos del mundo. Por ejemplo, han prestado partes del Tesoro de Tutankamón.

Para saciar el apetito - Para aquellos que deseen saciar su apetito de arte egipcio antes del 2011, el Gobierno egipcio inaugurará el próximo año en la zona de Fustat, al sureste de El Cairo, otro centro llamado "Museo de las Civilizaciones Egipcias". En él se expondrán un total de 50.000 piezas que relatarán la historia de los diferentes pueblos que se asentaron en Egipto: faraónicos, grecorromanos, cristianos y musulmanes, principalmente. artelista.com

China. Lv, una señora de 70 años, oriunda de la ciudad de Changchun, afirma que Mimi, su gato, se ha transformado en una celebridad gracias a su habilidad para hablar.

"Estaba jugando mahjong en casa con mis amigas, cuando de pronto escuché que alguien me llamaba 'Laolao' (abuelita)", comentó.

"Primero pensé que era mi nieta, pero ella no estaba en casa".

Ahí fue cuando se dio cuenta que la voz no era de un ser humano sino de su adorable gato.

"Creo que Mimi aprendió a decir 'Laolao' ya que mi nieta me lo dice todo el tiempo", explicó Lv, agregando que desde esa primera palabra, Mini ha ampliado su vocabulario.

"Cuando se despierta y no ve a nadie alrededor, él suele preguntar: '¿ren ne?' (¿no hay nadie?). Mientras que, cuando estoy con mis amigas jugando mahjong, él se acerca y dice: '¿gan sha ne?' (¿Qué están haciendo?)".

La señora Wang, vecina de Lv, asegura que la pronunciación de Mimi es muy buena aunque "suena como una niña, y él es niño".

La famosa tableta de chocolate Toblerone, con su característica forma triangular, celebra su centenario este mes de enero del año 2008. En 1908 se fabricó esta tableta por primera vez en Berna y aún continúa fabricándose exclusivamente en Berna-Bruennen. Esta foto de archivo,  muestra la imagen de una tableta gigante de chocolate de la marca Toblerone en la fábrica que tiene la empresa Kraft Jacobs Suchard AG (hoy Kraft Foods) en Berna (Suiza). Toblerone se vende hoy en día en 122 países del mundo. La chocolatina lleva junto con el chocolate, miel, almendras y nueces. El envoltorio es muy característico: Con forma triangular, y de diferentes tamaños. Existen tres variantes: Con chocolate con leche, con chocolate negro y con chocolate blanco. EFE

Oriundo de América, fue en Europa sin embargo que, en sociedad con el azúcar y posteriormente con la leche, este fruto se convirtió en uno de los manjares más apetecidos por el paladar humano. Aquí en el Perú, es de excelente calidad, aromático y suave, y por eso la chocolatería peruana ya empieza a distinguirse de sus pares.

Escribe Manuel Cadenas Mujica / Fotos de Eric Dañino / Aparecido en el #62 (Diciembre 2004) de la revista "Dionisos"

Se dice que Quetzalcoatl, protector de los aztecas y dios del aire, la luz y la vida, vio un día que faltaba alimento entre los hombres. Dispuesto a mitigarlo, viajó al país del hijo del Sol y robó una planta que ofreció a su pueblo. Esa es, por supuesto, la leyenda. Y cabe preguntarse, a la luz de ese relato, cuál sería este país del hijo del Sol. Lo cierto es que los investigadores no se ponen de acuerdo aún sobre la zona exacta de la cual es oriunda la planta de cacao, aunque no quepa duda alguna de que es una planta autóctona del Nuevo Mundo. La tesis que mayor fuerza ha cobrado indica una vasta región amazónica como la zona donde hace aproximadamente 4 mil años surgió el primer espécimen de la planta que hoy conocemos como Theobroma. Otras teorías mantienen que es originaria de Mesoamérica e incluso hay quien asegura que la zona que dio origen a esta planta se encuentra entre la parte sur del lago de Maracaibo y el río Magdalena. Fue Cristóbal Colón el primer europeo que descubrió el chocolate... ¡y nunca lo supo! El 30 de julio de 1502, Cristóbal Colón echó anclas frente a la isla de Guanajo, en las cercanías de América Central. Se le acercó una majestuosa piragua con un jefe azteca que ofreció a los blancos hermosas armas, tejidos y también unas curiosas almendras. Le explicó a Colón que eran muy importantes para ellos, ya que constituían la moneda del país y, además, permitían preparar una bebida muy apreciada por los indígenas. Días después, la pequeña escuadra de cuatro carabelas alzó la vela nuevamente hacia Europa. Cristóbal Colón y sus marineros no sospecharon que habían tenido entre sus manos “habas de cacao” y que éstas serían un día muy apreciadas en el mundo entero. Diecisiete años más tarde, Hernán Cortés emprendió la conquista de México. Apenas desembarcaron, alistándose para el combate, con gran sorpresa vio que el emperador Moctezuma y sus vasallos lo recibían cordialmente. Víctimas de la leyenda, creyeron ver en Cortés la reencarnación del bondadoso dios Quetzacoatl, que de acuerdo con la tradición, había abandonado ese país anunciando que volvería algún día. Lo propio le sucedería a los seguidores de Atahualpa con Pizarro. El acogedor emperador cubrió de riquezas al conquistador y le ofreció la plantación real de cacaoteros, cuyas habas se utilizaban como monedas. Con buen sentido de los negocios, Cortés consiguió que le cambiaran los granos de cacao por oro, metal que era indiferente para los indígenas, en tanto que los frutos del cacao eran objeto de una verdadera devoción. Los nobles indígenas lo consumían en forma de bebida a la que llamaban “tchcolatl”, nombre que evocaba el ruido del molino que sirve para hacer la mezcla, y de “atl”, agua. La bebida se condimentaba con ají, pimienta y otras especies. A falta de buen vino de España, los soldados trataron de acostumbrarse al cacao; pero la bebida azteca no tenía más que un lejano parecido con los sabrosos chocolates de hoy.

Azúcar y chocolate, secreto de convento

Los europeos que llegaban a buscar fortuna en México se dieron cuenta rápido de la riqueza que podía ofrecerles el cacao y desarrollaron plantaciones, paralelamente a la introducción en las Islas Canarias del cultivo de la caña de azúcar. Estos dos productos se unieron luego para formar una deliciosa bebida: el chocolate. Unas religiosas de Oaxaca mejoraron la receta. Preparaban una sabia mezcla de jugo blanco de maíz tierno, cacao y azúcar, que perfumaban con plantas aromáticas, vainilla, almizcle o ámbar gris. Caliente o frío, el chocolate gustaba cada vez más. La corte española mantuvo la preparación de esta bebida a nivel de secreto de estado, y sólo los monjes conocían el procedimiento para convertir el fruto del cacao en chocolate. Esta bebida era ampliamente usada por ellos, ya que la iglesia consideraba que no rompía el ayuno, además de volverse sumamente popular en España. La corona española logró mantener este secreto durante aproximadamente un siglo. Ciertos historiadores indican que el viajero italiano Antonio Carletti descubrió el secreto y lo llevó a otras naciones europeas, mientras que otros dicen que dicha popularidad se debe a que la infanta María Teresa de España, al casarse con Luis XIV de Francia, el Rey Sol, le entregó a éste el secreto de la preparación del chocolate como regalo de bodas. La pareja real instauraría entonces en la corte francesa la costumbre de tomar chocolate. Una tercera versión, coincide en que Francia fue el segundo país en recibir el chocolate, pero difiere en la manera, pues asegura que sólo cuando la Facultad de Medicina de París le otorgó el visto bueno y que la reina Ana de Austria, esposa del rey Luis XIII la nombrara “la bebida oficial de la corte francesa”, en el año de 1615, ésta se convirtió verdaderamente en un suceso.

Llega la leche y el chocolate en barra

En 1657 un ciudadano francés radicado en Londres abrió en Queen´s Head Alley una tienda llamada “The Coffee Mill and Tobacco Roll”, en la cual se comenzaron a vender las pastillas sólidas de chocolate para preparar la bebida en Inglaterra y se considera históricamente como el verdadero punto de partida de su popularidad en Europa. Como consecuencia de esta popularidad, el gobierno británico estableció un impuesto que le daba al chocolate un precio equivalente a 3/4 de su peso en oro. Por esta razón, el chocolate era una bebida que sólo podía ser costeada por la alta sociedad. Los suizos comenzaron a fabricar chocolate a mediados del siglo diecinueve cuando Daniel Peter, al tratar de mezclarlo con leche para hacerlo más cremoso, tuvo problemas, ya que el agua contenida en el chocolate no permitía una emulsión uniforme. Luego de 8 años de experimentos infructuosos, le presentó la idea a un fabricante de leche evaporada de nombre Henry Nestlé, quién tuvo la idea de mezclar leche condensada azucarada con cacao, iniciando así la fama del chocolate suizo. En el año de 1828, C. J. Van Houten, un maestro chocolatero holandés, inventó la prensa de cacao, instrumento que se utilizaría para obtener la manteca de cacao, quitándole a éste su acidez y amargura tradicional. El chocolate sólo se consumió en forma líquida en Europa hasta 1879. Rodolphe Lindt tuvo la idea de agregar de nuevo la manteca de cacao procesada a la mezcla, permitiendo así que el chocolate pudiera ofrecer una textura sólida y cremosa a la vez, que fuera crocante al morderlo para que luego, se derritiera en la boca. Esta presentación tuvo su auge durante la Segunda Guerra Mundial, ya que proporcionaba a las tropas aliadas un excelente alimento, a la vez que ocupaba muy poco espacio al transportarlo. Terminada la segunda guerra, se afianzó el mercado para el chocolate en barra, ya que las tropas, de vuelta en casa, deseaban seguir consumiéndolo.

El chocolate vino a Perú para quedarse

¿Y aquí, en el Perú, hubo chocolate? Aunque se sabe que el origen del cacao es amazónico, no se conoce dónde fue domesticado. Algunos defienden su domesticación en Sudamérica, pero otros estudiosos no encuentra evidencia de esto, porque los ancestros salvajes del cacao de Centro América son diferentes genéticamente a los sudamericanos, cuya subespecie T. cacao spaerocarpum tiene forma de un melón liso en contraste a la mesoamericana, alargada y acanalada. Sin embargo, hay quienes también aseguran que en el Perú antiguo existía el cacao, que los incas lo conocían muy bien, pero que al haber llegado los españoles primero a México, se impuso el origen mesoamericano e incluso el término con el que se le conoce, como ocurrió con otros centroamericanismos tales como camote o cacique. La razón por la cual no se popularizó ninguna bebida con el cacao, a entender de Rafael Ariansen, es que al ser una bebida amarga (ya hemos visto que recién cuando llega a Europa se asocia con el azúcar), se prefirió en el antiguo Perú la sabrosa chicha en sus múltiples variedades (léase el artículo dedicado a la famosa bebida nacional en Dionisos N° 60, setiembre de 2007). Como fuere, lo cierto es que muy temprano el cacao llega al Perú y el chocolate alcanzó gran popularidad en nuestro país gracias a que la iglesia consideró que su consumo no rompía el ayuno y a su adaptación como bebida oficial de los reyes y de la corte española. Desde entonces, se ha convertido en un importante productor de cacao. Si bien no en cantidad (los principales países productores de cacao son: Costa de Marfil con 39%, Ghana e Indonesia con 13% y Brasil con 10%; le siguen, Nigeria con 5%, Camerún y Malasia con 4%, República Dominicana y Colombia con 2%, Nueva Guinea, México y Ecuador con 1%; después está Perú con 0.9%), sí en calidad: el cacao peruano es del tipo aromático, caracterizado por su alto contenido de grasa, que le confiere un alto valor comercial en el mercado internacional. Además, es actualmente el segundo productor mundial de cacao orgánico, después de República Dominicana. Las zonas productoras de cacao más importantes del país se encuentran en las regiones de Cusco y Ayacucho, que producen el 65.9% del total nacional, seguido por las regiones de Junín, Huánuco y Cajamarca que en conjunto producen el 27% del total. Por lo demás, sabemos bien que en el Perú la chocolatería se ha desarrollado industrialmente con mucho vigor desde hace más de un siglo, pero sobre todo en los últimos años en que, aprovechando la calidad del insumo nacional, importantes empresas de Lima y el interior del país han desarrollado líneas de chocolates con carácter y calidad gourmet, a tono con la demanda mundial.

El potencial del chocolate peruano

La profesora Ivette Aliaga, del Instituto de los Andes, con veinte años de experiencia con los chocolates, se ha especializado tanto que en enero del 2008 lanzará al mercado europeo su propio chocolate, llamado Chocotuntas. Ella tiene puesta su confianza en la calidad del cacao y el chocolate peruano. “El cacao peruano es muy bueno, suave y aromático, que está siendo usado mucho en Europa como insumo. Imagínate que nosotros estamos utilizando acá el chocolate belga con su sello de cacao peruano. Nos están devolviendo el chocolate con nuestros insumos”. Entre las distintas calidades de cacao que existen en el Perú, ella prefiere el cusqueño. “Es un cacao criollo de ceja de selva, más aromático. Hay otros pero tienen mucho tanino, entonces no son aptos para hacer el chocolate que nosotros necesitamos. Igual, el cacao peruano en general es muy aromático y ligeramente más suave. El cacao es una semilla que cuando la tuestas es amarga, pero tiene el encanto del café. El chocolate no solamente tiene el poder de hacerte evocar momentos felices, sino que científicamente está probado que tiene el poder de hacer que las personas se sientan contentas”. Otro aspecto que enriquece la perspectiva del chocolate en el Perú es la gama de insumos con los que se le puede acompañar. “En Europa van mucho a lo exótico, a los nuevos sabores y texturas. Y acá tenemos un paraíso, una gama de insumos de lo más variados. Estamos haciendo rellenos en base a una mermelada de ají, que se acompaña con un poquito de pimienta. Por otro lado, tenemos una variedad tremenda de frutas, como el aguaymanto, la carambola, toda clase de cítricos, incluido el maracuyá, el tumbo, que le dan sabores muy ricos y especiales”. Y, por supuesto, está la creatividad en la presentación. “Los bombones no sólo se hacen cerrados y tapaditos, también se hacen abiertos o directamente las frutas bañadas en chocolates. Aquí verás algunas frutas bañadas en chocolate en un recipiente que también está hecho en chocolate, unas canastitas para que vean cómo ha sido moldeado el chocolate a mano. Todos son trabajos hechos a mano. El chocolate se puede trabajar, se puede moldear”.

Chocolatería, una ciencia muy exacta

Uno se pregunta, ¿y cómo se hace para llegar a tal destreza en el manejo de un alimento, al punto de poder crear verdaderas filigranas? Es un proceso muy delicado y exacto que empieza, primero, escogiendo el chocolate apropiado, elaborado en base a un buen cacao. “Ante todo, hay que ver la textura. Cuando muerdes un chocolate tiene que partirse con un ligero sonido, hacer un ‘crack’, tener un crocante. Te ofrece una pequeña resistencia, pero inmediatamente se rompe. Hablamos de un chocolate en pasta, ya preparado. Si estoy degustando un bombón, primero debo ver cómo se parte. No tiene que ser duro, pero tiene que partirse haciendo un ‘crack’. Otra cosa importantísima en un buen chocolate es que en cuanto lo tengas en la boca se disuelva. No se necesita masticar, inmediatamente se debe disolver. El chocolate se disuelve a 26° grados de temperatura”. Para trabajarlo, lo primero que se debe aprender es a derretirlo. Parece cosa simple, meter fuego y ya, pero no lo es. “Derretir el chocolate y poder moldearlo, pero en cosas básicas. Lo básico es trabajar con moldes, hacer trabajos con figuras huecas como los huevitos de chocolates. Conforme se avanza, se aprende a pintar el chocolate. Una vez que se sabe moldear se empiezan a hacer trabajos a mano. Ahí, el único límite del chocolate es la imaginación. Puedes hacer lo que quieras”. Igual sigue sin resolver el misterio del derretido. “Para derretir el chocolate sólo se puede llegar hasta los 50 grados, después se puede quemar. Usamos el baño María, una tacita con agua debajo. Para trabajar, la temperatura del chocolate tiene que estar siempre en 33 grados. Es algo muy exacto, se debe usar termómetro, si está a la temperatura adecuada puedes estar una hora y no se pone duro. Pero también te das cuenta por la temperatura de tu piel, el chocolate tiene que estar más o menos a la temperatura corporal”. Eso es válido para los chocolates bitter, mas no para los de leche o blancos. “El chocolate de leche necesita uno o dos grados menos, a 31 grados. Y a 30 el chocolate blanco. Si quieres un buen resultado, se necesita gran precisión, porque si se te pasa la temperatura, inmediatamente reacciona y vas a tener manchas, brillos, y no es que el chocolate esté brillando bonito, sino que la grasa sale a la superficie. Queda disparejo, aunque no afecta el sabor”. ¿Y en verano? “Eso es lo bueno de ser peruanos, trabajamos con todos los climas. Una vez vi a un chocolatero que no quiso trabajar porque era verano. Lo ideal es tener un lugar con aire acondicionado, claro. Acá en el Instituto tenemos lugares especiales, pero nosotros no le tenemos miedo a nada, eso es lo bueno de los peruanos”.

Tipos de chocolate

Chocolate Bitter: Chocolate puro, amargo porque no debe tener azúcar, deja sentir el verdadero sabor del cacao y conocer su calidad. Se compone de pasta de cacao y manteca de cacao.

Chocolate de Leche: Tiene pasta de cacao, manteca de cacao, leche y un poco de azúcar.

Chocolate Blanco: Tiene manteca de cacao, leche y azúcar, pero no tiene pasta de cacao. En realidad, es más nombre “chocolate” que chocolate mismo, porque no tiene pasta de cacao.

He aquí una propuesta para cenar la víspera de Navidad sin recurrir al eterno expediente del pavo y el puré de manzana.

Escribe Manuel Cadenas Mujica / Fotos de Eric Dañino / Aparecido en el # 62 de la Revista "Dionisos", Diciembre 2007

Según se le mire, preparar la cena navideña puede ser un acto celebratorio o una tediosa tarea. Trabajosa siempre será, porque amén de que no ha de ser jamás un menú cualquiera, de entrecasa, son también muchos los detalles que han de conjugarse perfectos a medianoche del 24 de diciembre. Pero si a esa laboriosidad se le suma, además, la rutina insustancial, se perderá sin duda parte del encanto que tiene de por sí la Noche Buena. Por eso, en el Instituto de los Andes, nuestros aliados a la hora de imaginar nuevos horizontes para el paladar de los lectores de Dionisos, el chef y profesor Carlos Otero dispuso sobre la mesa una alternativa para la Navidad del 2007. No se dejó arrastrar por las corrientes novoandinas ni tampoco optó por sofisticaciones de la noveau cuisine, sino que más bien se remitió a los recuerdos de infancia, a los sabores de siempre, pero con ímpetus renovadores.

Tentación incomparable

“Hay que salir de lo tradicional, o dejar utilizarlo como un toque adicional. Hemos trabajado para esta ocasión el cerdo, que es delicioso, y postres diferentes: no el tradicional “cielo” o el panetón, porque podemos hacer un bizcocho de frutas o también un turrón navideño helado. Como acompañamiento haremos una especie de Charlotte salada en la que en vez de bizcotelas habrá unos cilindros de jamón rellenos. Al centro una ensalada tipo rusa pero con manzana y coco rallado. Son alternativas diferentes para no estar en lo mismo de siempre: el eterno puré de camote o manzana y el pavo”. No es que el pavo resulte algo demasiado complicado. “El problema del pavo se puede solucionar porque aunque la carne es muy seca hay formas de ablandarla y de que sea jugosa. Yo, por ejemplo, le inyecto jugo de naranja con limón y un poco de pisco, cosa que cuando salga del horno esté jugoso, sobre todo en la pechuga, que a veces no sabe a nada”. Pero el lechón resulta una tentación difícil de comparar. “El cerdo es mucho más rico, más sabroso, lo podemos hacer de mil maneras y en esta ocasión lo prepararemos medio dulce, con guindones”.

No es una fórmula de origen definido la que propone, por si alguien está rebuscando recetarios. “Cada uno crea sus propias recetas y va adaptando recetas conocidas”. Pero se busca siempre en Navidad un toque dulzón. “En esta fiesta buscamos ese toque de la fruta unida a sabores especiados, básicamente frutas secas, por ejemplo el chanchito con guindones, la Charlotte con toque de pecanas, algo de coco rallado, manzanita, siempre el toque medio dulce”. En este caso, el trabajo no se hará sobre un lechón completo, sino con un lomo de cerdo, “¿Por qué? Porque lo voy a abrir para rellenarlo. Lo ideal es un pedazo grande para abrirlo. Normalmente el lomo de cerdo es pequeñito, así que puede ser también el corte conocido como ‘chuleta deshuesada’. Se abre y se rellena, cosa que una vez preparado, a la hora de cortarlo queda adentro lo oscuro del guindón, que es tan rico”. Debe ser, por supuesto, cerdo fresco y desgrasado con mucho cuidado.

Los acompañantes

Cuando hablamos de un Charlotte nos referimos al clásico postre de origen francés llamado paradójicamente Charlotte Rusa. “Su característica es estar rodeado de bizcotelas. En este caso he hecho una variación salada, y en vez de bizcotelas haré unos rollitos de jamón rellenos con palmitos. Todo va cubierto con colapez, cosa que el rollito va teniendo consistencia. Formaré mi Charlotte poniendo todo al borde. A la hora de armar el plato, veremos por afuera los filitos paraditos brillantes de jamón. Al centro estará la ensalada de papa con verduritas, manzana, pecanas, coco rallado”.

Sin mirar la mesa, uno puede ver desde ya los típicos colores navideños. Ese detalle no podía escaparse. “Incluso a la hora de armar y decorar, me gusta ponerle en la punta de cada jamón un marrasquino, como si fueran velitas o algo así. Se ve muy bonito y es muy rico”. Como decíamos, trabajosa siempre será la cena navideña y la espera desespera. Por eso, la propuesta es mitigar tanta antesala con algunos piqueitos. “A veces nos pasa  que estamos con hambre y no sabemos qué picar. Entramos a la cocina y nadie se preocupa de hacer un piqueito, algo rico. Así que voy a preparar unas bolitas de almendras con queso fritas que nos ayuden a llegar a las doce. Claro, nada muy fuerte porque sabemos que nos espera una cena contundente. Son unas bolitas de queso tipo edam con almendras claras, se fríen y nos queda algo esponjoso, ligero, rico a la vez, que nos va ayudando a esperar la Noche Buena”. Sorteado este inconveniente, se pasa a la elaboración del postre. “Propongo como postre un turrón con reminiscencias más bien al turrón español tradicional de almendras, con miel de abeja y demás, pero convertido en una especie de mousse adicionado de guindones, pecanas, higos y pasas. En España se sigue comiendo el tradicional turrón navideño. Con esa idea es que creé este postre”.

Consejos finales

¿Cómo acompañar esta cena, en qué virtuosos vinos remojar tales manjares? “Generalmente en las cenas navideñas lo más recomendable es un vino blanco. Y si fuera tinto, un vino ligero, porque generalmente tenemos mucha comida, pavo o chancho y además arroz, puré, etcétera. Se come en exceso”.

(Paréntesis aquí para seguir con las bebidas: las guarniciones clásicas no están ajenas a la preparación propuesta, asegura Carlos, “porque al peruano si no le das arroz, pierdes. Deberá ser un arrocito tipo navideño: arroz árabe, arroz con frutas, hay un sinfín de formas de prepararlo. Yo incluso tengo un arroz gracioso, muy sencillo: un arroz graneado que después lo pongo en un molde con forma de árbol navideño, pongo una capa de arroz recién preparado con un poquito de mantequilla y crema de leche, que quede más o menos blanco, luego una capa de arvejas cocidas, otra de jamón, mozarella, y cubro con otra capa de arroz; lo prenso bien y lo volteo inmediatamente. Se convierte en una especie de pastel donde el arroz no está seco; además tienes el blanco, el verde y el rojo de Navidad”). Vuelta a los vinos, Sauvignon es lo recomendable. “Y por supuesto seco, nada de vinos dulces. Si a alguien le gusta los tintos que se tome un Merlot, algo suave, no puede ser uno fuerte. Puede ser un rosado también, ahora hay mucha más libertad para la elección del vino. Además, siempre tomamos Champagne antes y después de la cena, eso ya es una tradición. Y el champancito es rico con el postre”. Sobre la alucinante tradición del chocolate caliente, Carlos no le encuentra sentido a tomarlo caliente un 24 de diciembre, con 24 ó 25 grados de temperatura ambiente. ¿Alguna opción más refrescante? “Claro, se puede perfectamente tomar un Ice Chocolate o algo así. De chico siempre me gustaba desayunar el 25 con chocolate, pero helado, lo que quedaba en la jarra en la refrigeradora, de frente a mi vaso y qué rico era. Pero yo particularmente eliminaría el chocolate: tenemos más que suficiente comida”. Las recomendaciones finales son “una bonita presentación, que sea un mantel rojo, verde, floreado, con un tema navideño. Lo importante es tener todo en orden y todo a la vez. No hay cosa peor que la persona encargada de la cena esté metida en la cocina y espere hasta la última hora para cenar. Si se tienen listas las cosas, uno se va tranquilo a festejar con los suyos. Porque esa es la parte más importante: estar con los seres queridos, pensar en el Dios que nace, algo que a veces dejamos de lado. Demos gracias a Dios por habernos dado a su Hijo y por estar con los nuestros disfrutando una cena que nos ha costado trabajo pero también una gran alegría prepararla”.

¿Sabías que hasta un autobús puede convertirse en galería de arte?

La idea fue planteada por las historiadoras del arte Ariadna Ramonetti y María Fernando Sales con la intención de crear un espacio artístico no convencional. Galería Trolebús ha contado con la presencia de 15 artistas.

Regalo de Japón - En el año 2000, el Gobierno japonés regaló al mexicano 15 viejos autobuses para que fueran utilizados como espacios culturales. El proyecto no tuvo mucho éxito, pero gracias a la ilusión de Ariadna Ramonetti, tres años después, uno de estos buses se convertía en un espacio de arte sin ánimo de lucro.

Experimentación artística - El objetivo de esta iniciativa es que Galería Trolebús se constituya como un lugar para la experimentación artística que estimule el diálogo entre productos y receptores, fomentando el consumo intelectual y adquisitivo del arte actual.

Los que suben al bus - Los invitados a subirse al bus como artistas son pertenecientes a la escena contemporánea mexicana. Participan exponiendo de manera individual dentro del Trolebús o interviniendo en su fachada.

Envuelto de algodón de azúcar - Uno de los proyectos que se realiza corre a cargo del artista Visual Mauricio Limón. Consiste en transformar el espacio galerístico a través de saturado de algodón de azúcar. La acción se titula "A Big Fellow too". La intervención intenta recrear un ambiente azucarado, explotando así las posibilidades escultóricas de un dulce placero. Una serie de luces amplia en el Trolebús el espectro cromático. Además, diversas fotografías se exponen dentro de este bus envuelto en azúcar.

Arte hasta en el retrete - El caso del Trolebús no es único, el arte ya no se encuentra solo en los museos o galerías. Pablo León, un comisario y artista mexicano, fundó un galería de arte en el baño de un bar londinense dónde trabajaba como camarero, "George & Dragon". Por las cuatro paredes de "White Cubicle Toilet Gallery" han pasado artistas como Federico Herrerro y Deborah Castillo. Fuente: artelista.com

WASHINGTON (Reuters) - El presidente ruso, Vladimir Putin, fue nombrado el miércoles "Personaje del Año" del 2007 por la revista Time, por llevar estabilidad y un renovado estatus a su país, aunque a un costo para los principios democráticos.

Putin, ex agente de la KGB que fue sacado del anonimato en 1999 por el entonces presidente Boris Yeltsin, aparecerá en la portada de una edición especial de Time como la persona que los editores de la revista creen que ha tenido mayor impacto en los acontecimientos de este año, para mejor o para peor.

"No es un buen chico, pero ha hecho cosas extraordinarias," dijo el editor jefe de Time, Richard Stengel, quien anunció la elección de Putin en el programa "Today Show" de la NBC. "Es el nuevo zar de Rusia y es peligroso en el sentido de que no le preocupan las libertades civiles, no le preocupa la libertad de expresión, se preocupa por la estabilidad.

Pero es estabilidad lo que Rusia necesita y es por eso por lo que Rusia lo adora," añadió. La elección llega días después de que Putin anunciara un plan para seguir aferrado al poder al término de su mandato. Putin dijo el lunes que si su aliado Dmitry Medvedev gana las elecciones presidenciales, él sería primer ministro.

Putin derrotó a varios rivales, incluyendo el ex vicepresidente estadounidense Al Gore, quien era la segunda opción de Time, a la autora británica J.K. Rowling, al presidente chino Hu Jintao y al comandante de Estados Unidos en Irak David Petraeus. (Reporte de David Morgan, editado en español por Gabriela Donoso)

¿Sabías que muchos de los grandes artistas de toda la historia son zurdos?

Miguel Ángel, Raphael, Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Hans Holbein, Paul Klee, Henri de Tolouse-Latrec, Paul Rubens, Pablo Picasso...Todos ellos eran zurdos. ¿Casualidad? No, los científicos afirman que tienen más facultades artísticas que los diestros.   El hemisferio cerebral derecho está especializado en el dibujo, y es esta parte la que controla la mano izquierda. Se considera que la razón de ser zurdo es que las conexiones cerebrales están cruzadas: el hemisferio derecho controla la parte izquierda del cuerpo, y el otro, la parte derecha.  

Más habilidades artísticas - Al hemisferio derecho, se le atribuyen las cualidades espaciales y visuales ( la facultad de imaginar en el interior figuras y formas ), la creatividad, las emociones y el talento artístico. Así que se dice que los zurdos tienen más facultades artísticas. Y si nos fijamos en algunos ejemplos vemos que es una teoría que se lleva a la práctica; muchos grandes artistas coinciden en el hecho de ser zurdos: Albrecht Dürer, M.C. Escher, Hans Holbein, Paul Klee, Michelangelo, LeRoy Neiman, Raphael y Leonardo da Vinci, entre otros.  

No lo han tenido nada fácil - Se calcula que el 10% de la población es zurda. Pero hasta hace algunos años la zurdera se consideraba una enfermedad, un problema de salud. Incluso los zurdos eran severamente discriminados y golpeados durante los siglos XVIII y XIX, y en su edad adulta tenían menos posibilidades de casarse y de reproducirse, fenómeno que declinó en el siglo XX, lo que permitió que los zurdos no tuvieran que convertirse en ambidiestros.  

Y no sólo se les ha perseguido sino que hay sugerencias de la relación entre la zurdera y la dislexia, tardamudeo, y autismo del niño, entre otras discapacidades. Muchas de estas causadas por tratar de convertirlos en diestros.   Muchos quieren ser como ellos - La doctora Edwards, quien sostiene la teoría que el hemisferio cerebral derecho está especializado en el dibuo, ha escrito un best-seller " Nuevo aprender a dibujar con el lado derecho". En él explica cuáles son los métodos para aprender a dibujar con el hemisferio derecho. Millones de personas ya han aprendido a dibujar siguiendo los consejos de la doctora. fuente: artelista.com 

Autoretratos de Albrecht Dürer, Pablo Picasso y Henri de Toluse-Lautrec.

DOS LICORES NOBLES SE UNEN PARA DAR VIDA A CROWN ROYAL CASK No. 16 El Resultado: Un Whisky Ultra Premiun Con Acabado Coñac

Crown Royal presenta la más nueva adición a su renombrado portafolio con la llegada del ultra-premium Crown Royal® Cask No. 16.^TM. Resultado de la combinación de dos nobles y grandes tradiciones, el Cask No. 16 ofrece una mezcla de whisky artesanal madurado en raros barriles de Coñac.

Poniendo meticulosa atención en cada aspecto de la elaboración del nuevo licor, incluida la exquisita selección de los barriles de Cognac, el Maestro Catador de Crown Royal, Andrew MacKay, suma la refinada esencia de fino Cognac a la rica tradición y sabor único de Crown Royal que ofrece balance perfecto del carácter del whisky y la delicadeza roble frutal del Cognac".

La creación de Crown Royal Cask No. 16 empieza con una mezcla única de más de 50 whiskies individualmente añejados. Una vez mezclados, el nuevo whisky es colocado en barriles franceses auténticos, hechos con maderas de los bosques Limousin en Francia. Cada uno de estos barriles es excesivamente raro y es marcado con el número "16" que representa su lugar de origen. El acabado Cognac se combina con la mezcla de Crown Royal para formar un exquisito y persistente licor que tiene un complejo pero balanceado sabor y aroma inicial ahumado con notas sutiles de rica fruta seca.

Ideal para un regalo especial que quiera causar una buena impresión, Crown Royal Cask No. 16 estará disponible por $100.00 (precio sugerido de menudeo).

 ¿Sabías que con el teléfono móvil también se puede hacer arte?

El móvil se ha convertido en la gran estrella del siglo XXI, en ese pequeño aparato que siempre nos acompaña allá donde vayamos. Antes sólo lo usábamos para hablar, ahora sirve para infinidad de cosas. Tiene utilidades que ni siquiera nos podíamos imaginar. Allan Paris, un profesor de arte escocés, lo utiliza para pintar. No necesita lienzos, dibuja sus obras en un móvil multimedia de pantalla táctil.

Nuevas formas de arte - Antes lo normal era pintar sobre lienzos. Pera ahora, para algunos, este soporte ya ha quedado anticuado. Para Allan Paris, por ejemplo. Seguro que muchos se preguntarán cómo es posible pintar un cuadro en un móvil.

¿Cómo? - Primero, hay que contar con un programa de diseño. Los equipos más avanzados lo permiten, como por ejemplo, Palm Treo, o Ipack, que tienen pantalla táctil y un pequeño lápiz. Luego, la obra de arte puede enviarse por correo electrónico para poder imprimirla, tanto en su propia impresora, o en las casas de fotografía, en el papel que uno desee. Paris acumula colores y alcanza una gran variedad de efectos seleccionando el tamaño más pequeño de puntero y cuando su dibujo está completo, se lo manda a sí mismo por correo electrónico o lo imprime en papel.   Y... con éxito -

Las pinturas del profesor de 49 años del artista ya han causado sensación entre sus seguidores. Ha expuesto sus piezas en una galería escocesa y ya ha recibido encargos para pintar piezas de un lujoso hotel. Allan Paris tiene claras las ventajas que supone pintar con un teléfono móvil: "Me encanta la idea de ser capaz de pintar en mi teléfono móvil mientras estoy de vacaciones y tener recuerdos", señala el pintor. Afirma que "Todo comenzó pintando en mi teléfono y me entusiasmaron los efectos que podía conseguir". Fuente: http://www.artelista.com/ http://gerencia.blogia.com/

"The answer, my friend, is blowing in the wind". Y la respuesta es que sí, es cierto. Conocido mundialmente como uno de los grandes genios de la música rock del siglo XX, Bob Dylan nos sorprende ahora con otra faceta artística: la pintura. Un museo alemán acaba de inaugurar la primera exposición de la estrella de Minessota.  

La muestra - "No puedo recordar haber estado jamás sin pintar desde mi época de escuela", señaló Bob Dylan en una reciente entrevista a la revista alemana Art. Sin embargo, jamás se había realizado una exposición de sus obras. Se trata de 140 acuarelas inéditas que se exponen en el Museo de Colecciones de Arte de Chemnitz, ciudad de Alemania hasta el 3 de febrero. En este recinto también se han mostrado obras de artistas tan consagrados como Picasso o Tolouse-Latrec.  

Bajo el título "The drawn blank series", Bob Dylan expone retratos, bodegones, interiores, paisajes, desnudos... Para esta exposición, Dylan imprimió digitalmente sus dibujos, coloreándolos luego con acuarela y témpera. A lo largo de 8 meses de trabajo surgieron así 320 pinturas que cubren una amplia gama temática, 175 de las cuales se pueden ver en la exposición.  

Su afición no era un secreto - El interés de Bob Dylan por las artes gráficas sorprende pero no era un secreto. La inclinación plástica del genio viene de lejos. Ya en los años 70, un dibujo suyo ilustró la carátula del álbum "Self Portrait", un autorretrato que como él dice, lo realizó en 5 minutos. En 1994 incluso se publicó un libro con dibujos realizados durante giras de conciertos entre 1989 y 1992. Se trata de bosquejos a carbón y lápiz, de trazo claro y preciso.  

Ya lo decía Cohen...  El poeta y cantante Leonard Cohen, sin conocer la faceta pictórica de Bob, afirmó en 1988 algo que ahora parece curioso: "Dylan es como Picasso, con esa exhuberancia, variedad, y asimilación de la historia de la música.  

Éxito en la sala - Bob Dylan no acudió a la inauguración de su exposición en Chemnitz, porque estava dando un concierto en Chicago. Su ausencia, sin embargo, no apagó el interés del público ni el de la prensa internacional. Y menos el de los seguidores que tienen ahora la ocasión de conocerlo desde otra perspectiva.   FOTO 1. Imagen de la portada del álbum "Self Portrait" dibujada por Bob Dylan. - FOTO 2. Otra de las pinturas de Dylan. - FOTO 3. "Man on a bridge", pintura de Dylan.

Ya decía yo que me olvidaba de comentarles cómo viene la "Dionisos" de noviembre, aquella revista dedicada al "placer de la buena vida" que tiene predilección por el Instituto de los Andes y sus talentosos estudiantes. Pues bien, su colorido número 61 trae una exploración periodística tras las huellas del Pisco Punch, un legendario coctel a base de Pisco que se volvió muy popular en la vieja San Francisco. En su sección "Entre Copas", dedicada a la gente y los eventos destacados, se puede ver una reseña ilustrada con dos fotografías captadas durante el 59 Festival de Gastronomía. ¿Saldrás en ellas? Pues, ¡corre a buscar tu ejemplar! También leímos con hambriento interés la crónica "El Lomo con el que todos soñamos", elaborada en base a una visita a la clase de Cocina Peruana en el Instituto reservada al Lomo Saltado y sus variantes, con imágenes captadas al momento. ¡Imperdible! Asimismo, encontramos la ahora famosa leyenda de "Achicay, la Bruja Cocinera", recopilada por el Ing. Jaime Ariansen, un artículo sobre el vino y sus sabores, la segunda parte de "La Historia del Té", ahora rumbo a Occidente. En su sección que marida el cine y la gastronomía encontramos un vistazo al caldero de dos brujas-cocineras de la pantalla, su esperada sección "Buena Mesa", con consejos dietético-nutricionales y finalmente la tercera entrega de su "Dionigrama", puro "alimento para la mente". Ahora... ¡a comer!

 

La muerte es a menudo un tema tabú para muchos, impone respeto y no resulta agradable hablar de ella. Sin embargo hay gente que la afronta con serenidad. Este es el caso del famoso pintor italiano Tiziano Vecellio quien realizó la obra "La Piedad" para decorar su sepultura. Aunque finalmente la pieza no lo acompañó a la tumba, es sorprendente que alguien quiera decorar su propia muerte.  

Todo preparado - Tiziano había elegido como lugar de su enterramiento la capilla de la Crucifixión de la iglesia de Santa María dei Frari y como pago por la tumba, ofreció a la comunidad franciscana una pintura de la Piedad, que sería al final su última obra. En la Piedad se retrató a sí mismo y a su hijo Horacio ante el Salvador, acompañados de una sibila. Cuando el lienzo estaba a punto de ser terminado, surgieron algunas diferencias por la escena y Tiziano decidió ser enterrado en su pueblo natal.  

La Piedad no acompañó a Tiziano - Tiziano rondaba los noventa años cuando la peste negra asoló Venecia. Murió a consecuencia de la epidemia el 27 de agosto de 1576, las mismas fechas en las que realizaba la Piedad. El Senado veneciano derogó una severa medida que obligaba a incinerar los cadáveres de las víctimas que morían de esta enfermedad y permitió que sus restos recibieran sepultura en la iglesia de los Frari. El Senado pagó sus funerales que allí y en la Basílica de San Marcos se celebraron en su memoria. La Piedad fue terminada por Palma el Joven, pero paradójicamente no le acompañó en su sepulcro; otra obra suya, la Pala Pesaro, se encuentra cerca de éste. En principio nada en especial adornaba su tumba hasta que el gobierno austriaco que invadió Venecia a fines del siglo XVIII encargó a Antonio Canova un monumento conmemorativo que fue terminado en 1795.  

El genio de Tiziano - Tiziano Vecellio es el pintor italiano más importante maestro de la gran escuela pictórica veneciana y uno de los genios máximos de la pintura universal. Su obra fue admirada por los más grandes personajes de su época, y desde entonces, y por encima de todas las variaciones de gustos y estilos, ha sido siempre considerada como uno de los grandes logros de la cultura europea. Además, fue el creador del movimiento llamado "impresionismo mágico". artelista.com

Los profesores del Instituto de los Andes y chefs Carlos Otero y Carmen Villar ponen al alcance de cualquier mortal todos los pasos para alistar correctamente este jugoso potaje nacional con origen chino.

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Escribe Manuel Cadenas Mujica / Fotos de Eric Dañino Costa

Aparecido en la sección "Bon Apetit" de la revista "Dionisos" de Noviembre 2007 (#61)

Si en el mar reina el ceviche, en tierra extiende sus dominios el lomo saltado. Si los pescados nadan a su antojo en la culinaria peruana, como soberanos de cuanta locura brote del genio de nuestros chefs, difícil resistirse a la lujuria que imponen en la mesa nacional los jugosos brillos de cebolludos cubículos de res trepados a todas las guarniciones imaginables.

Como muchos otros potajes de la gastronomía local, el lomo saltado no había sido ponderado en toda la magnitud que su fasto impone. También tuvo sus momentos de bajo perfil, aguardando la oportunidad de mostrarse en aquella versatilidad que ahora se celebra en las cocinas. Una vez que le llegó la ocasión, no se ha detenido hasta lograr que prácticamente no haya propuesta a la que no se sume, qué digo, ¡multiplique!

¿Y en qué sustenta tan amplia cintura, lista para el amague inesperado y la sorpresa humeante? En un elemento que caracteriza a las mayores delicias del paladar de todos los tiempos: una sabia armonía de simpleza y sofisticación en insumos y técnica.

Para ahondar en esos mares, o mejor pastar en esos campos, había que adosarse al conocimiento y experiencia de quienes legan a generaciones nuevas la tradición gastronómica peruana. En el Instituto de los Andes, los chefs Carlos Otero y Carmen Villar tienen ese delicado encargo y con ellos desmenuzamos cada uno de los secretos –a voces– del lomo saltado.

Técnica china

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Cuando el salón de clase es una cocina, los alumnos no mueven lápices y cuadernos, sino cuchillos, cucharones y sartenes. La tabla de picar es la pizarra en la que se habrá que garabatear la lección una y otra vez hasta llegar el momento del examen en caliente, el aceite excitado que aguarda el crepitar del conocimiento adquirido. En la plaza se ven los toros, como decía mi abuela, y frente al fuego se ve al chef.

El palote círculo, en este caso, según reitera hasta el cansancio Carlos Otero es tener todos los ingredientes listos antes de empezar la preparación, esto es “las verduritas cortadas, el lomo picado, todo lo que implica el plato”. Y hay razones para tanto apremio: “El lomo es un plato muy rápido. La característica del salteado es la de siempre: fuego un poco alto, mínima cantidad de aceite y procedimiento muy rápido. Así se hace un salteado”.

Sobre los orígenes, Otero conviene en que “sí, definitivamente, el lomo saltado nace de los chinos”. Para ello, algunas referencias históricas. “Recuerda que los chinos vienen primero a trabajar en las haciendas, y estos como tienen buena sazón, hacen sus especies de fonditas en el centro de Lima y ahí es que nace, con la técnica de ellos, como un salteado”.

Entonces, aparentemente, habría existido un lomo saltado original con más o menos los mismos ingredientes, pero sin las características que aporta la técnica china. “Acuérdate que todos los platos chinos son muy rápidos, a fuego muy fuerte, muy violento, y con la mínima cantidad de aceite. Así, primero, no permiten que los ingredientes se sobre cocinen, y como es tan rápido, las carnes se fríen con sus jugos dentro. Igual, las verduras no botan su jugo, sino que al saltearlas, como el fuego es muy alto, se conserva todo su sabor y las texturas se mantienen”.

De la técnica del salteado al lomo saltado ha mediado, apenas, un par de siglos de permanente contacto con la cultura china. “El nombre ‘saltado’ es peruano. Y todo lo demás es peruano. Sino, a ver imagínatelo con una cebolla blanca marchita o con un lomo duro. Al toque te dirán que está mal preparado”.

Abecé de la cocina

Sin embargo, no es común que en las cocinas caseras se cuente con algunas condiciones sine qua non, como por ejemplo, el fuego altísimo que produce ese espectáculo con que los cocineros deslumbran al visitante de sus predios. “Es mucho más difícil hacerlo con una cocina eléctrica, claro, no te va salir, pero con una cocina de gas normal sí te puede salir, siempre que dejes el tiempo suficiente para que se caliente la sartén o el wok. Cuando eso ocurre, el lomo toma ese saborcito ahumado. Hay que flambearlo un poquito y con la mínima cantidad de aceite. Eso es lo característico. Claro, además del sillao y el toque de vinagre”.

Preparar un buen lomo saltado es, en verdad, el abecé de la gastronomía nacional. Por eso, forma parte del curso Cocina Peruana 1 en el Instituto de los Andes, que se dicta a los recién ingresantes. En cristiano, si no se aprende a preparar correctamente un lomo saltado, mejor es pensar en cualquier otra profesión u oficio. No se ha nacido para la cocina.

Sobre los ingredientes fundamentales del lomo saltado, explica Carlos Otero, el primero es, obviamente, una buena carne. Curiosamente, no tiene que ser un corte de lomo. “Si es lomo, es lo ideal, pero otras personas lo hacen con bola de lomo, con cadera, con un buen corte de tapa. Eso sí, no podemos hacerlo con bistec porque es muy duro”. Luego viene “cebolla, tomate, sal, pimienta, un poquito de sillao, vinagre, un poquito de perejil y paramos de contar. Hay gente que le pone culantro, es una costumbre, pero yo particularmente prefiero un poquito de perejil, porque el sabor es como más lento, el culantro mata mucho el sabor”.

Buenas compañías

¡Quién no quiere acompañar un buen lomo! El acompañamiento de este manjar ha sido tradicionalmente una buena porción de papas fritas. El clásico, se diría, flanqueado por el montículo de arroz de rigor. Con la novelería de las presentaciones gourmet, hay quienes se resisten a revolver el lomo y las papas para que éstas se consubstancien con los jugos, y entonces las ubican modositas a su costado, mirándose de refilón muertas de las ganas de intimar con las carnes, tomates y cebollas aunque guardando la compostura lo mejor que pueden. Pero añádase una exquisitez que los peruanos disfrutamos cotidianamente: papas fritas de la variedad amarilla, para que tanta meticulosidad caiga por los suelos y se desaten las pasiones en el plato.

También de la mano con los últimos gritos de la culinaria peruana, el lomo saltado ha –valga, y muy bien, la redundancia– saltado hacia otros territorios. “Ahora los chicos van a presentar un lomo saltado con tacu tacu, también en los sanguchitos de lomo saltado, que no llevan papa porque con el pan ya sería mucho, pues”. Y me consta haber visto con estos ojitos lomos saltados que se encumbran sobre risottos y también sobre causas rellenas.

¿Hay límites acaso? “Yo creo que los límites los pone cada uno. Hay gente a la que le gusta meterle de todo un poco. A veces el resultado es agradable y a veces sólo es una mezcolanza de sabores. Algunos quieren ponerle un poquito de kión picadito, puede ser un detalle así, pero si le pones más de los ingredientes adecuados, al final, para mí ya no es un lomo saltado. Como creación, genial, maravilloso, como plato extraordinario, pero no me digas, pues, que es un lomo saltado. No te lo creo. Yo soy así, lo hago pegado a lo que debe ser; si no mejor le pongo otro nombre”.  

La profesora Carmen Villar nos recuerda otro acompañante tradicional del lomo saltado: los tallarines. “Es una variante de nuestro riquísimo tallarín saltado chino, el del chifa. El ingenio criollo crea cosas nuevas. Se prepara el lomo saltado y se mezcla con los tallarines al final, así de simple. Es el mismo que los chinos hacen con sus fideos, pero con otras verduras y con spaghettis”.

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Paso a paso

Una vez que tengo todos los ingredientes para el lomo saltado ya cortados, ¿cuál es el primer paso? Este humilde servidor empezaba antiguamente por el aceite y los ajos, luego la carne y el vinagre, más tarde las cebollas y el tomate, al final el sillao. A estas altura ya estaría reprobado en el curso y pensando en el suplicatorio, porque la profesora Villar pone los puntos sobre los ajíes para preparar un buen lomo saltado.

“El primer paso es tener un fuego alto, poner la sartén a calentar y calentamos bien sin grasa. Luego ponemos el aceite y sellamos la tapa. Es importante este paso, porque así no se escapa el humo y la carne queda tierna y jugosa a la vez. El sellado es un proceso por el cual atrasamos los jugos de la carne”. Ojo al tomate rojo, porque se trata del paso más importante. La experiencia dice que, caso contrario, habrá que acudir al odontólogo, porque la carne nos será muy dura de matar.

“Además, a muchos les gusta el lomo saltado porque tiene ese sabor ahumadito, como a parrilla. Si en la casa no hay una cocina adecuada, la salida es dejar la sartén más tiempo en el fuego al máximo y recién entonces agregar el aceite, dejándolo calentar también. Y hay que saltear la carne de a pocos para evitar que el aceite se enfríe. Así vamos a obtener una carne sellada, rica, jugosa”.

Prosigue la profesora esta lección inolvidable: “Luego, en el momento en que ya se selló la carne, empezamos a echar las cebollas y los ajos. Todo eso hace que la carne quede jugosa. Tiene que quedar bien cocida”.

A continuación llega recién la hora de la sal, la pimienta, el toquecito de sillao y el vinagre. Se están jugando los descuentos de este partido culinario cuando llega con sus aromas y sabores insólitos el ají amarillo cortado en julianas. “Salteamos un poquito, porque la cebolla no debe marchitarse, tiene que ser crujiente, luego echamos el tomate, entonces bajamos el fuego un poquito para que el tomate cocine y bote su jugo, pero que no se deshaga. Y al final, el toque de perejil picadito. Así queda el lomo saltado muy jugoso”.

Ese es el lomo que quiero yo, usted, nosotros, vosotros y ellos. El lomo saltado que –otra vez valga la redundancia– ha saltado a las grandes ligas por su simplicidad suculenta y su extraordinario don de gentes.

¿Sabías que Leonardo da Vinci y la Mona Lisa fueron vecinos?

Las curiosidades del pintor y su famoso cuadro no acaban nunca. Cuando parece que ya se ha dicho todo acerca de ellos, ahora nos sorprende el descubrimiento que acaba de hacer un profesor italiano: Leonardo Da Vinci y la mujer que se representa en la Mona Lisa eran vecinos. Musa y pintor vivían en la misma calle, en la vía Sguazza, una calle de anticuarios de Florencia.

La vecindad es fuente de amistad

¡Quién lo diría! Después de las miles de curiosidades acerca de Leonardo y su obra, como el hallazgo de un investigador que asegura que el autor pintó a Mona Lisa con cejas, aquí viene otro descubrimiento que no os dejará indiferentes. Todo el mundo conoce a la modelo del pintor como "Mona Lisa", pero el verdadero nombre de la mujer que se representa en el cuadro es Lisa Gherardini. Un profesor italiano ha descubierto unos documentos que indican dónde estaba situado el domicilio de la musa de Leonardo da Vinci.

La casa estaba en la via Sguazza, una calle de anticuarios de la preciosa ciudad de Florencia ( Italia ). Pero no siempre vivió aquí. Gracias al hallazgo del maestro se sabe que la autora de la sonrisa más enigmática en el mundo del arte residió un tiempo frente a una casa que pertenecía a la familia de Leonardo en la calle florentina de Ghibellina.

¡El mundo es un pañuelo!

Pero es no es todo, incluso las familias estaban relacionadas. El marido de Lisa conocía al padre del pintor porque tenían negocios en común. Así que, seguiremos estando atentos al próximo descubrimiento en el mundo de Leonardo y su Mona Lisa para contároslo. Fuente: artelista.com

¿Sabías que la mejor obra de Miguel Ángel está perdida?

Es reconocido mundialmente por obras como el David o La Piedad, pero según maestros y críticos del Renacimiento no son estas las mejores piezas de Miguel Ángel. Ellos afirman que la mejor creación del artista es un cartón preparatorio para un fresco: "La batalla de Cascina", una obra hoy desaparecida.

En realidad el fresco nunca se llegó a pintar, pero fue durante mucho tiempo el modelo con el que aprendieron a dibujar generaciones posteriores.   Las obras divinas de Miguel Ángel - "Más divinas que humanas", así han sido calificadas muchas de las obras de Miguel Ángel. Pero hay una que se considera "la mejor", "La batalla de Cascina". Refiriéndose a esta pieza, Benevuto Cellini apuntaba en el siglo XVI que el talento del italiano nunca volvió a alcanzar ni siquiera la mitad del nivel de perfección que logró con este cuadro.  

Cartones preparatorios - En realidad, el fresco nunca se empezó a pintar, pero Miguel Ángel sí terminó los cartones preparatorios que tanta admiración causaron. En la segunda mitad del siglo XVI los cartones fueron divididos en varios fragmentos que terminaron perdiéndose. Solo se conservan copias parciales, una de ellas, espléndida, en la colección privada de Holkham Hall, Inglaterra, la antigua residencia de los condes de Leicester.  

Según Vasari, que recogió la impresión que causó la realización de este cartón preparatorio en su obra Vidas ejemplares, "todos los artistas que vieron el cartón quedaron subyugados y admirados".  

El duelo de titanes - El fresco de Miguel Ángel iba a competir con otro encargado a Leonardo da Vinci para adornar la misma sala del Palazzo Vecchio de Florencia. El primero en recibir el encargo fue Leonardo en 1503. Consistía en un enorme cuadro que iba a decorar una de las salas del Gran Consejo que se encontraba en la primera planta del Palazzo Vecchio de Florencia. El tema, la batalla de Anghiari, en las que las tropas florentinas se alzaron con la victoria en la guerra contra Pisa. Por otra parte, Miguel Ángel recibió el encargo en 1504. Su asunto era la batalla de Cascina, otra famosa victoria de las tropas de Florencia; su ubicación: la pared de enfrente del fresco encargado a Leonardo da Vinci. No hay testimonios que indiquen cómo acabó el desafío. En septiembre o a primeros de octubre de 1504 se sabe que Leonardo dejó Florencia y, por supuesto, el proyecto del fresco que nunca llegó a realizarse. fuente: artelista.com

Luxor, Egipto (EFE).- La momia del faraón Tutankamón fue sacada de su sarcófago y desvelada al gran público por vez primera en la historia, en medio de un gran revuelo mediático. Desde hoy, la momia descansará en una urna de plexiglás transparente, al abrigo del polvo, la humedad y las temperaturas.

"Con la colocación de la momia en la vitrina, mandamos al rey dorado a la vida eterna", dijo exultante Zahi Hawas, secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades e impulsor de este proyecto.

La momia del "faraón niño" tiene la nariz chata, los dientes pronunciados y la cabeza redonda, según pudieron constatar los numerosos medios internacionales congregados para asistir a este traslado histórico. Precisamente hoy se cumplen 85 años del descubrimiento de la momia por parte del arqueólogo británico Howard Carter.

Varias televisiones, encabezadas por National Geographic y Discovery Channel, grabaron el momento del traslado y lo transmitieron en directo en una pantalla situada fuera de la cámara mortuoria. La ceremonia de hoy estuvo reservada a la prensa, y el gran público y los turistas deberán esperar hasta mañana para ver la cara del faraón más famoso de la historia.

¿Sabías que Modigliani era conocido como el "artista maldito"?

Una personalidad anárquica. Una infancia llena de tragedias y pobreza. Un rompecorazones con una salud tan mala que él mismo llegó a escuchar noticias de su muerte más de una vez. Hablamos del pintor y escultor italiano, Amedeo Modigliani, conocido como el "artista maldito", un personaje marginal y autodestructivo.

¿Mito o realidad?   Unos principios difíciles - Muchos son los artistas conocidos por su carácter enigmático y violento, como es el caso de Amedeo Modigliani. Pero no solo su carácter fue objeto de polémica, sino también su obra. Su primera exposición, celebrada en diciembre de 1917, solo tres años antes de su muerte, fue clausurada horas después de la inauguración por "indecente". Lo que nunca fue cuestionado fue su talento.  

El escultor y pintor creció envuelto de pobreza, su padre era un hombre negocios arruinado. Además, sufrió un ataque de fiebre tifoidea a los 14 años y dos años más tarde padeció una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.  

Espejo de su obra - Su personalidad anárquica se reflejó en su pintura hasta el punto de no inscribirse en ninguno de los movimientos artísticos que capitaneados por Picasso sacudían París. Nunca perteneció a ninguna escuela. La comunidad artística consideró su individualidad como una amenaza, pero su obra era respetada.  

Un rompecorazones - A pesar de su reputación, Amedeo tenía magnetismo hacia las mujeres y fue llorado por las más bellas féminas de París. Tuvo numerosos romances hasta que entró en su vida Beatrice Hastings con la que mantuvo una relación de unos dos años. Ésta le sirvió de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour".  

Y en el mejor momento... Su salud siempre fue mala, y las noticias sobre la enfermedad y la muerte de Modigliani eran tan frecuentes que el propio pintor llegó a escuchar noticias de su muerte en varias ocasiones. Pero con cada nuevo rumor subía el precio de sus cuadros. El propio pintor pudo gozar de la revalorización de su obra, ya que, después de una vida de dificultades económicas, pocos meses antes de morir vendió a buen precio tres cuadros en una exposición en Londres.   Mientras sigue vendiendo obras, su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. El pintor murió en enero de 1920 de meningitis tuberculosa en un hospital de París. Pocas horas después, su compañera, embarazada de nueve meses, se suicidó arrojándose desde una ventana. Fuente: artelista.com

POBRES PATOS Y GANSOS

Fuente: lavanguardia.es - El Ayuntamiento de York, la pintoresca ciudad del norte de Inglaterra, famosa por su catedral y sus murallas pero no por la sofisticación culinaria - ni asomo de una estrella Michelin en bastantes kilómetros a la redonda-, se ha sumado a California y Chicago en la campaña internacional contra el foie, por la crueldad que significa alimentar con un tubo a los patos o gansos hasta que su hígado adquiere un tamaño diez o doce veces superior al normal, y entonces matarlos. Las diversas organizaciones pro defensa de los derechos de los animales, un poderoso lobby en este país, han aplaudido con fervor el gesto, pero no tanto las carnicerías y restaurantes, reacios a que las autoridades interfieran en su negocio.

A diferencia de los estados y ciudades norteamericanos que han prohibido la producción y venta del conflictivo alimento en su jurisdicción, el Ayuntamiento de York carece de poder para impedir que un foie se cocine en los f