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INSTITUTO DE LOS ANDES

02 LA PINTURA

EL ARTE Y EL RENACIMIENTO

¿Sabías que el arte sólo "existe" desde el Renacimiento?


Hasta la Edad Media las artes se dividían en mecánicas y liberales, siendo estas últimas aquellas para cuyo ejercicio se hacía precisa la aplicación del intelecto. Lo que hoy día conocemos por artes plásticas no se consideraban como tales, dado que se creía que para su ejecución tan sólo era precisa la destreza manual. La llegada del Renacimiento y los primeros textos teóricos sobre las Bellas Artes harán que esta situación comience a cambiar.


Intelecto vs. Trabajo manual

El sistema de trabajo de los artistas durante el medioevo se ubica dentro de la jerarquía de los gremios. Frente a las consideradas artes superiores, caso de la Gramática, la Retórica, la Dialéctica, la Aritmética, la Geometría, la Música y la Astronomía, la producción artística era tenida por un mero trabajo mecánico y manual, resultado de la aplicación de unas reglas sistemáticas de la que quedaba excluido cualquier asomo de ciencia, y que podía ejercerse tan sólo mediante afiliación gremial.

El humanismo renacentista

Varios factores harán que la consideración social de las artes cambie durante el Renacimiento: por un lado, hay que tener en cuenta el individualismo del hombre inherente a la época, que entraba en clara oposición con el sistema de trabajo establecido por los gremios, así como el desarrollo del pensamiento científico y el retorno a la Antigüedad y, con ello, al concepto de belleza clásico. En estos momentos comienzan a surgir personalidades destacadas dentro del mundo del arte que reivindicarán el reconocimiento de su personalidad artística y de su oficio, aduciendo para ello la necesidad de conocimiento científico que éste precisaba ( una buena muestra de ello es la invención de la perspectiva lineal en estos momentos ), los precedentes de la Antigüedad y la existencia de un ideal de belleza profano. artelista.com

ARTE CONCEPTUAL

Blue - José Fàbrega Agea

El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.

La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

¿Cuál es la ideología de este tipo de arte? El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no es dueña de nadie.

Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, una creación de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central. La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?

A finales de la década de 1980, el arte conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido. No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos.

El body art (arte minimalista que utiliza el cuerpo como material de la obra) y el land art (arte terrestre que consiste en gigantescas obras en amplios espacios naturales) fueron dos corriente muy importantes del arte conceptual. artelista.com

LAS MUJERES RETRATISTAS

¿Sabías que hubo mujeres retratistas en la corte de Felipe II?



La historia del arte está repleta de nombres de grandes pintores, algo más patente cuanto más atrás retrocedemos en el tiempo. Y si ya hablamos de pintores de corte la cosa adquiere mayores proporciones. Sin embargo, algunas mujeres han logrado pasar a los anales de la pintura por una calidad en sus obras que nada tiene que envidiar a la de sus colegas masculinos.

Felipe II "El retratado" - Hijo de Carlos V, de quien heredará su pasión por el coleccionismo, Felipe II es uno de los grandes mecenas de la historia de la pintura en España. Un mecenas un punto narcisista, por cierto. Algo que atestiguan los múltiples retratos que le realizaron en vida, la mayoría con una intención de encarnación del poder real y la gloria del país propia de la época.

Trabajo de hombres - Pompeo Leoni, Tiziano, Sánchez Coello, Rubens... conocidos artistas todos ellos que plasmarán en un momento u otro de su carrera la grandeza del rey en retratos de diferente carácter. Ecuestres, sobrios e institucionales, o mucho más privados, la mayoría de las representaciones de Felipe II que han llegado hasta nuestros días son producto de un trabajo cuya realización y reconocimiento estuvieron durante siglos ligados a los hombres.

 

Sofonisba Anguissola - Hija de un noble menor amante de la cultura, Sofonisba Anguissola es una de las pocas pintoras del Renacimiento cuyo nombre ha pasado a la posteridad y, desde luego, la más famosa. Principalmente por su labor como retratista de la corte de Felipe II, quien requerirá sus servicios atraído por sus cualidades y para el que realizará uno de los más conocidos retratos del monarca, hoy día presente en el Museo del Prado en Madrid ( España ). artelista.com

VENUS Y ADONIS

Óleo sobre lienzo (212x191 cen) - Año 1580 - Museo del Prado - Madrid - España

El pintor Paolo Veronés, nacio en Italia en 1528 y fallecio en Venecia en 1588. Este es un cuadro especial, por que la mitológía no era su especialidad. Este famoso cuadro es una buena muestra de su estilo virtuoso y de gran colorido a la mejor manera de la escuela veneciana, con Tiziano y Tintoretto como sus pares. Destaca el admirable sentido del espacio y la vibración atmosférica.

La luz que se filtra entre la maleza para bañar el cuerpo desnudo de la diosa del amor, es su gran protagonista, en el colorido dominan los verdes, rojos y amarillos. Este hermoso lienzo fue adquirido para el rey Felipe IV por Diego Velázquez durante la segunda estancia del pintor español en el año 1650.

PARECIDOS RAZONADOS

Un juego. Una reflexión. Una nueva mirada. En Artelista estrenamos esta semana sección, destinada a compartir con todos vosotros un hecho muy común en la historia del Arte: los homenajes. Y es que, desde siempre, los grandes creadores han tomado como modelo a aquellos que les precedieron. Los artistas Artelista no iban a ser una excepción porque ¿qué mejor para tu obra que la inspiración de un maestro?



                                                                      Las tres gracias de Rubens                           Modelos de Leonardo Yosovitch



Si Shakespeare pudo...

Romeo y Julieta no es una obra original de Shakespeare: antes que él, por lo menos cuatro autores más escribieron su versión sobre este mismo tema. ¿Coincidencia?, ¿plagio? Ninguna de las dos cosas. Durante siglos, la copia fue un sistema reconocido y aceptado, existiendo incluso la circulación de obras en papel cuya función era servir de modelos ( al igual que hoy día existen los contenidos e imágenes gratuitas en Internet para ser empleadas como se quiera ). De hecho, la copia directa de otros autores no estaba mal vista, aunque si uno quería que se olvidaran del "préstamo" era preferible que la obra resultante fuera mejor que sus predecesoras...

Occidente y Oriente

Mientras que hoy día en la parte occidental del mundo el recelo a la copia va en aumento, en Oriente han comprendido que tomar como base el trabajo de otro artista, captar su esencia y reproducirla supone un homenaje, una muestra de admiración, y no una apropiación indebida. Muchos se escandalizarán, pero...¿y si recordáramos la cantidad de versiones de Las Meninas hechas por grandes artistas a lo largo de la historia? Todas ellas expuestas con orgullo como lo que son: homenajes a la grandeza de Velázquez.

Rubens al estilo Artelista

Rubens y Picasso mano a mano reinventados por Leonardo Yosovitch. Suena atractivo ¿verdad? Las líneas voluptuosas tomadas del maestro flamenco conviven en la obra de Yosovitch con una riqueza cromática que enfatiza los volúmenes y contribuye a crear la unión entre unas protagonistas de perfiles cúbicos. Una alegre y colorista alegoría reinterpretada en clave contemporánea, no sabemos si mejor, pero al menos sí igual de intensa que las anteriores.

LA JOVEN DE LA PERLA

¿Sabías que La joven de la perla pudo haber sido la propia hija de Vermeer?

La vida de Vermeer, al igual que sucede con muchos otros pintores de la época, está llena de lagunas e hipótesis. Apenas pintaba lo suficiente al año como para alimentar a sus numerosos hijos y mucho se ha especulado acerca de sus otras actividades comerciales. Murió pobre y desalentado, y su memoria caerá en el olvido hasta que sea redescubierto a mediados del s.XIX. Sin embargo, de todos los enigmas que rodean su vida, ninguno como el generado por este especial cuadro.


Un pintor con problemas

A pesar de contraer matrimonio con una mujer de posición acomodada, Vermeer conoció apuros económicos a lo largo de su vida. Se sabe con certeza que el maestro holandés no pudo haberse ganado la vida pintando, si se tiene en cuenta, artísticamente hablando, lo poco prolífico que era, debido seguramente a lo depurado de su técnica. Finalmente la crisis generada por la guerra con Francia e Inglaterra terminará de socavar la economía familiar, consumida además por una venta cada vez menor de obras y las deudas acumuladas.

Una modelo enigmática

Conocida como la "Gioconda del norte" por lo misterioso de su identidad, la propia composición y ejecución del lienzo incitan a la imaginación, al igual que sucede con la Mona Lisa original. La extraña postura de tres cuartos en la que se encuentra, junto con una depurada concepción y la propia actitud y semblante de la muchacha contribuyen a insinuar una fuerte intimidad con el pintor que la retrató, algo habitual por otra parte en Vermeer.

 
La luz es la clave

Parte de lo metódico y exacto de la técnica de Vermeer ha sugerido la idea de que pudo haber empleado para sus cuadros la cámara oscura. Algo que no quita para que fuera un auténtico maestro en el tratamiento de la luz, consiguiendo envolver todas sus obras de un intimismo tan presente que hoy día uno puede permanecer por unos momentos en el interior de una estancia holandesa del s.XVII. Vermeer convierte en realidad la propia realidad, pero no sólo de los interiores, fundamentalmente de las personas retratadas. Y esto, por encima de todo lo demás, es lo que provoca la sensación contradictoria de ser espectadores y excluidos de parte de una historia. artelista.com

LOS ROBOS EN LOS MUSEOS

Vistos y no vistos: ¿son seguros los museos?


Se suele decir en los museos que "el que quiere robar, roba". No es posible que un museo o institución con programa expositivo abierto al público tenga continuamente vigilados sus fondos. Para ello debería o bien alejar al público de la obra o bien reducir el tamaño de la exposición para poder dotar cada sala de personal de seguridad. Ninguna de las dos opciones son excesivamente viables, sin embargo. ¿Esto quiere decir que no se pueden evitar los robos? En muchos casos sí y para ello los museos cuentan a su disposición con un buen número de recursos que limitan al máximo cualquier posible incidente.


¿Por qué se producen?

Existen varias teorías para explicar esta clase de robos. La verdad es que las obras que suelen sustraerse de los museos no son vendidas en su mayoría en el mercado negro del arte. El motivo es que precisan tiempo para poder ser colacadas y el porcentaje de beneficio no es tan excesivo como se pudiera creer. Sí suelen ser empleadas muchas veces como moneda de cambio en transacciones ilegales, obviando de esta manera los problemas de certificación. Junto con esto, existe una tercera explicación, que no puede ser validada más allá de la mera mitología: el coleccionista millonario que encarga el robo de una obra que no puede comprar y quiere poseer.

Sistemas de seguridad

Los museos cuentan con un buen número de sistemas y barreras para complicar lo más posible cualquier incidencia sobre la colección. Personal, vigilantes, cámaras o sensores son las principales medidas disuasorias. Además, existen una serie de reglas básicas a la hora de distribuir los fondos por el edificio o museo. Para empezar, se valora el tipo de edificio que es, su hermetismo, y su ubicación. Además, las salas de reserva y de exposiciones suelen estar poco accesibles, sin ventanas.  A menor acceso directo desde el exterior, mayor seguridad.

Barreras psicológicas

Lo cierto es que, aún así, si alguien quiere robar una obra, lo más seguro es que lo consiga, pero este tipo de medidas impiden que en determinadas circunstancias se efectúen "algunos" robos. O lo que es lo mismo: un profesional va a llevar a cabo el robo con o sin cámaras, pero un visitante que se encuentra sólo en una sala y se le ocurre llevarse un cuadro probablemente no lo haga si se nota vigilado. Y es que buena parte de los dispositivos de un museo no están realmente tanto para evitar robos meditados como actos espontáneos o vandálicos del visitante  común.

MODIGLIANI


 

Autoretrato 

(Livorno 1884 - París 1920)

Amedeo Clemente Modigliani, pintor y escultor italiano. Hijo de una familia judía (su madre, sefardí) estudió en las escuelas de bellas artes de Livorno, Florencia y Venecia, y visitó los grandes museos de Italia.

En 1906 se trasladó a París. Hasta aquel momento su arte se basaba en el procedimiento de manchas de los macchiaioli italianos del s. XIX, pero luego fue influido por Tolouse-Latrec, por Picasso, y posteriormente, por Cézanne. En 1909 trabó amistad con Brancusi y por algún tiempo se consagró casi exclusivamente en la escultura, ejecutando figuras simplificadas de traza primitiva.

De Montmartre, donde residía, se trasladó a Montparnasse, dondé vivió miserablemente abusando del alcohol y de la droga. Fue amigo de Kisling, en cuya casa trabajó, de Soutine y de Pascin. Algunos protectores lo mantuvieron: la poetisa británica Beatrice Hastings, el marchante y poeta Zborowski, desde 1916.

 

Bohemio e ingobernable como su propia época, Modigliani vivió ajeno a las convenciones en el París de los manifiestos. Ahora, el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid dedican una retrospectiva al pintor de mirada famélica.
Comisariada por Francisco Calvo Serraller, la exposición recoge la trayectoria del pintor desde su llegada a la Ciudad de la Luz hasta su muerte. Una selección de obras de arte, surgidas de entre la pobreza y la enfermedad que le acompañaron durante toda su vida, bien arropadas por algunos de sus amigos más cercanos.

 

Los primeros maestros - En 1906 Amedeo Modigliani llega a París. Pronto queda impresionado y muy influido por la obra de maestros de vanguardia como Cézanne o Picasso, algo apreciable en las obras de este periodo. Sin embargo, serán principalmente dos los factores determinantes en su producción posterior: el descubrimiento del arte africano y su amistad con Paul Alexandre. Su traslado a Montparnasse en 1909 constituye otro punto de inflexión. Desde este momento y en fechas posteriores, intensificará su labor escultórica inducido por Brancusi, a quien conocerá en este año, sentándose así las bases de su estilo pictórico de madurez.

 

Retrato de Jeanne  Hébuterne, uno de los varios que hará el pintor 
 

Amistad y arte - Modigiani pronto verá truncada su inclinación escultórica debido a su precaria salud. El polvo provocado por la talla, del que se resiente, será el "culpable" de la dedicación del artista a la pintura en exclusiva, junto con la imposibilidad de conseguir en tiempo de la Gran Guerra bloques para esculpir y la poca aceptación de su obra en el mercado. Gracias a ello, podemos disfrutar en la actualidad de una enorme galería de contemporáneos de Amedeo, a muchos de los cuales conocerá en los principales círculos artísticos e intelectuales del momento, buen testimonio de la Francia de la primera mitad del s.XX.

 

Modigliani, el pintor ¿maldito? - Reconocido en vida por su obra, exitoso entre las mujeres y querido por sus amigos, Modigliani ha logrado sin embargo forjarse una reputación de pintor maldito con el paso del tiempo. ¿Los motivos? Sus excesos, sus amoríos, la clausura de su única exposición por indecencia, la pobreza, la enfermedad o su muerte a temprana edad y posterior suicidio de su amante Jeanne Hébuterne, quién lo sabe. Lo único seguro son sus obras, que han llegado hasta nuestros días cargadas de melancolía e inspiración.


 

Un homenaje compartido - Un total de 130 obras, provenientes de todo el mundo, componen esta exposición en la que el homenaje corre a cargo de las piezas de maestros y amigos de Modigliani. Gauguin, Cézanne, Picasso, Derain, Kisling o Soutin ofrecen el contrapunto a todo el conjunto de cuadros, dibujos y esculturas herencia del genio del artista. Una muestra que ofrece un recorrido desde los primeros dubitativos ensayos pictóricos hasta sus últimas creaciones, pasando por sus conocidos desnudos, plenos de un erotismo desafiante, y sus magníficas esculturas. artelista.com