02 LA PINTURA

CARAVAGGIO

 

Dionisos 

(Caravaggio, Lombardía, 1573 - Porto Ercole 1610)

Michelangelo Amerighi o Merisi da Caravaggio, pintor italiano y máximo exponente de la escuela naturalista surgida en Italia como oposición a la corriente manierista del siglo XVI. Su carrera fue corta y tumultuosa, viéndose continuamente envuelto en riñas, desafíos y reclamaciones judiciales, provocados por su temperamento violento y pendenciero.

Enigmático, fascinante, rebelde, peligroso... Estos son sólo algunos de los adjetivos que Caravaggio se fue ganando poco a poco con sus actos. Implicado en numerosas peleas callejeras en Roma, retó a duelo a pintores que intentaban hacerle competencia, pegó palizas a críticos de arte, e incluso llegó a matar.

 

La Adivina 

Estudió con Simona Peterzano en Milán, y para su formación artística fue decisiva la tradición lombarda, de acentuada inclinación realista, y los experimentos luminosos de la pintura de aquella región (Savoldo, Moretto, los Campi, etc.).

Cena de Emaús 

Hacia 1590 pasó a Roma, donde trabajó algún tiempo en el taller del caballero de Arpino. Desde las primeras obras (Baco, Uffizi, y Muchacho con fruta, Borghese) dio pruebas de su genio profundamente original y renovador, que alcanza ya plena madurez en las pinturas de san Luis de los Franceses (últimos años del siglo XVI) y de Santa Maria del Popolo (1601). 

La Muerte de María 

La novedad radical de su concepto pictórico hizo que algunos de sus cuadros de altar más importantes, como La muerte de la Virgen (hoy en el Louvre), fueran rechazados por los comitentes.

La Virgen del Rosario 

En 1606, como consecuencia de una reyerta surgida en un partido de pelota, Caravaggio mató a un hombre y tuvo que escapar de Roma a Nápoles. Allí pintó algunas obras importantes (Las siete obras de misericordia, iglesia del Pio Monte; La virgen del Rosario, hoy en el Museo de Viena, etc.).

San Jerónimo 

De aquí pasó a Malta. Allí pintó San Jerónimo, Degollación de San Juan Baptista, los dos en la catedral de La Valletta, y también Retrato del gran maestre de la orden de Malta, Alof de Wignacourt. Más tarde se fue a Sicilia. En esa época pintó Entierro de Santa Lucía (en la iglesia de Santa Lucía, en Siracusa), La resurrección de Lázaro (en el Museo de Mesina) y La adoración de los pastores (en el oratorio de San Lorenzo de Palermo).

En 1609, se encontraba de nuevo en Nápoles. Murió de malaria cuando volvía a Roma, cerca de Porto Ercole, uno de los presidios costeros españoles.

WOMAN III

Los Cuadros más caros del mundo:

Woman III

Posición: 2 Autor: Kooning, Willem Fecha de venta: Nov 2006 Técnica: Óleo / lienzo Medidas: 171 x 121 cm. Precio: 137.500.000 $ Vendido por David Geffen a Steven A. Cohen.

LOS GRAFFITI

¿Sabías que un graffiti puede pasar de un muro a una galería de arte?

Por definición un graffiti es una forma de pintar sobre propiedades públicas o privadas: paredes de la calle, vehículos, mobiliario urbano... Para Bansky, un popular artista de graffiti del Reino Unido, parece que esas superfícies no son suficientes. Él, cuya identidad se desconoce, ha roto con la regla trasladando su arte callejero a prestigiosas galerías. Ahora acaba de arrasar en una subasta de Londres.

El arte urbano parece estar al alza. Ya no se limita a las calles sino que se puede llegar a exponer y vender, como le ha sucedido a Bansky. Resulta paradójico que las galerías y las subastas le hayan acogido con tanto entusiasmo cuando él mismo está en contra de este sistema.

Récord personal - Sus éxitos suman un total de casi 430.000 euros. Bansky fue la estrella de una subasta en Londres dónde vendió un mural por 275.000 euros. Desde que se difundió que famosos como Angelina Jolie y Christina Aguilera habían comprado algunas obras de Banksy, este artista no ha parado de cosechar éxitos.

"Laugh Now" - "Laugh Now", así se titula un mural de Bansky adjudicado en la subasta por más de 300.000 euros. En la pieza unos monos advierten al espectador de que estos animales algún día acabarán estando al mando de la sociedad.

El enemigo en casa - Banksy se caracteriza por un carácter subversivo y provocador. El graffitero dota a sus trabajos de un fuerte contenido político y mucho humor. El artista considera a las subastas de arte urbano "antidemocráticas " y opina que glorifican la avaricia, resulta paradójico pues él mismo está triunfando y ganando miles de euros en este sector.

El graffiti: un arte cuestionado - El graffiti tiene su historia, sus influencias, sus estilos, tiene una filosofía, unas técnicas; es un arte. Pero hay quienes no lo consideran una práctica artística. Las ventas de los graffitis de Bansky e una subasta de Londres muestra un punto de inflexión en el mundo de graffiti.

IMPRESIONISMO

Claude Monet

El Impresionismo es un movimiento pictórico surgido en París, Francia, a mediados del siglo XIX. Pero no fue hasta 1874 que el Impresionismo floreció. Un 15 de abril de ese año, un grupo de pintores quiso desafiar la exposición del Salón Oficial de París realizando una muestra paralela en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Entre ellos había artistas como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, y Édouard Manet, entre otros. Fue una obra de el célebre pintor francés Monet, titulada "Impresión: sol naciente" pintada en 1872 la que bautizó esta corriente artística como Impresionismo.

Auguste Renoir

El Impresionismo rompía con las leyes del academicismo, suprimiendo la perspectiva tradicional, la anatomía clásica y el claroscuro. Los autores de este movimiento rechazaron los colores oscuros para buscar la claridad, la transparencia y la luminosidad.

Edgar Degas

Fueron los pintores del Impresionismo los primeros en poner sus caballetes en plena naturaleza, concretamente en el bosque de Fontainebleau. Para Monet, Renoir o Pissarro, la naturaleza era una fuente de sensaciones puras, de efectos que se convertían en objetos de la pintura. El campo inicial del Impresionismo fue precisamente el paisaje. Si en un principio aplicaron los efectos de la luz a superficies reflectantes, como el agua y la nieve, muy pronto lo ampliaron a todos los elementos compositivos, como la figura humana, el cielo, los paisajes urbanos, entre otros.

Camille Pissarro

La temática era uno de los principales motivos de discrepancia que tenían los pintores impresionistas con la sociedad de la época. Procedentes de una clase social popular, o próxima a ella, a los impresionistas les resultaba placentero retratar gustos y costumbres que les eran familiares. Por el contrario, los clientes de arte, pertenecientes a las clases burguesas y aristocráticas, estaban acostumbrados al idealismo y al reflejo de la sofisticación en los cuadros. Como consecuencia, la alta sociedad consideraba que los impresionistas estaban en guerra contra la belleza.

Alfred Sisley

Los artistas del Impresionismo dedicaban un largo período de tiempo al estudio de la técnica pictórica. La plasmación de la luz era trascendental para ellos, ya que creían que los objetos sólo se veían en la medida que la luz incidía. La coloración de las sombras era otro aspecto importante en el Impresionismo, así como la repetición de tema con cambios de matices de iluminación, como única diferencia.

Pese a empezar como un grupo de artistas, a partir de 1886, cada uno de los pintores buscaron renovar el arte por sus propios medios y comenzaron a gozar de un modesto triunfo. artelista.com

LA BELLEZA DEL ARTE

¿Sabías que la belleza no se convirtió en tema artístico hasta el siglo XVI?

La Primavera de Boticelli  

Son muchos los artistas que usan la belleza física como protagonista de sus obras. Cualquiera diria que es un tema que ha existico siempre. Pero no es así. No fue hasta la mitad del siglo XVI que se concibió el cuerpo femenino como tema artístico recurrente. Uno de los precursores fue Boticelli y su Alegoría de la Primavera.  

Se dice que el arte ha existido siempre, desde los tiempos más remotos con las pinturas rupestres, sin embargo, no podemos decir lo mismo del concepto de belleza física como tema artístico. No sólo la belleza física, sino también el erotismo e incluso la sexualidad, pasaron a convertirse en un tema artístico en este siglo. Como todos los cambios, la aceptación plena de nuevos temas vino auspiciada por una serie de cambios sutiles y paulatinos.  

Los bellos precursores - Se puede considerar a Botticelli y sus obras mitológicas, ( Alegoría de la Primavera, 1484 ) precursores en la búsqueda y plasmación de la belleza física como fin en una obra de arte; se trata de dos encargos de los Médicis para decorar alguna de las casas o palacios destinados al ocio y al descanso que tenían en el campo. Giorgone, con su Venus dormida ( 1509-1510 ), da un paso más; el tema, repetido hasta la saciedad a partir de entonces, es una novedad para la época.  

 

Venus de Urbino - Tiziano  

Primer mujer de carne y hueso - Con Júpiter e Io ( sobre 1532 ), de Correggio, el tema del erotismo y la sensualidad hacen su aparición definitivamente: las imágenes muestran una sexualidad explícita insólita en esa época. La Venus de Urbino ( 1538 ), de Tiziano, es la aportación definitiva: se trata de la primera mujer de carne y hueso; es una "Venus", pero Tiziano la ha humanizado de tal forma que representa por primera a la mujer, no a la diosa.    

 

Tres Gracias - Rubens  

Ya no es lo que era - Aunque la belleza artística como tema apareció hace cientos de años, ha cambiado considerablemente. Las tres gracias de Rubens es un buen ejemplo. La obra fue realizada un siglo más tarde que surgiera el nuevo tema artístico. En la famosa obra se observa una belleza encarnada por tres mujeres de una tez blanca, y características por sus curvas en sus siluetas. Así se entendía la belleza en aquellos tiempos, muy diferente a cómo se entiende hoy la belleza física. Fuente: artelista.com

LA MUERTE DE MURILLO

Exigente con su arte hasta el final. Murillo, una de las figuras más importantes del barroco español, subió a un andamio para poder pintar mejor la parte superior de un retablo y un resbalón le jugó una mala pasada. Moría días después a causa de la caída.

Al pintor andaluz se le encargó el cuadro del el retablo de los Capuchinos de Cádiz, que empezó a pintar en 1681. Se trataba de una pieza de grandes dimensiones que requirió la ayuda de un andamio para que pudiera realizar las partes superiores de la pintura.

Una mala caída

Murillo estaba pintando el retablo sobre el andamio, cuando tropezó y cayó al suelo. El accidente le provocó un grave problema en los intestinos ya que hacía tiempo que padecía una hernia. Esto, al parecer, le llevó a la muerte, pero no en el acto, ya que el pintor español, aunque muy enfermo, sobrevivió unos meses más. Finalmente, el 3 de abril de 1682 Bartolomé Esteban Murillo falleció. Su última voluntad fue que se le enterrase en su parroquia de Santa Cruz y que se le dijeran misas en dicha iglesia y en la del Convento de la Merced.

Su recuerdo yace en Sevilla

Al día siguiente, el 4 de abril, fue enterrado tal y como él había pedido. La Iglesia de Santa Cruz, la última casa del artista, desapareció durante la ocupación francesa en Sevilla. Actualmente, el solar de la parroquia lo ocupa la plaza de Santa Cruz, en cuyo subsuelo reposan los restos del gran pintor.

Una gran pérdida

Murillo es uno de los máximos exponentes del arte barroco en España. Un artista que se caracteriza por su magnifica técnica y un gran colorista. El pintor avanza desde un tenebrismo inicial hacia una pintura más suelta, ligera y libre. Además de sus temas religiosos, también es famoso por sus obras realistas.

ANDREA DEL VERROCCHIO

 

(Florencia 1435-Venecia 1488)

Andrea Di Cone, llamado Andrea del Verrocchio, orfebre, escultor y pintor italiano. Tomó su nombre del orfebre Giuliano Verrochi, junto a quien se inició en el arte. En escultura se formó bajo la guía de Donatello. A partir de 1465 dirigió uno de los más importantes talleres escultóricos de Florencia, que rivalizó con el de los Pollaiolo.

Fue protegido por Lorenzo Médicis, para quien realizó numerosas obras; en 1472 se le encargó la erección del mausoleo de Juan y Pedro de Médicis en la iglesia de San Lorenzo, y en ella utilizó sólo motivos ornamentales. De 1478 a 1483 realizó uno de sus trabajos más originales, el grupo de Cristo y santo Tomás de Orsammischele, rico en contrastes de masas, en tensiones formales opuestas, en claroscuro de ropajes.

Con estilo y espíritus diferentes, se enfrentó con algunos de los temas más famosos de Donatello: su David (1476, Bargello) es más soñador que el de su maestro; su estatua ecuestre B. Colleoni (1479-1488), su última obra, hecha por encargo de Venecia, es más movida que el Gattamelata de Padua.

En pintura, Verrocchio intensificó las investigaciones técnicas, tendiendo a los efectos lisos de modelado y al estudio naturalista de la iluminación. En su Bautismo de Cristo (Ufizzi), la sutileza de las dos figuras de ángeles, debidas a Leonardo da Vinci, contrasta con la relativa sequedad de los personajes principales.

La Madona con san Donato y san Juan Bautista, composición que destaca por su amplitud y su delicado paisaje, la pintó en colaboración con L. di Credi, que junto con Leonardo, fue uno de sus mejores discípulos.

TINTORETTO Y TIZIANO

¿Sabías que Tintoretto y Tiziano fueron enemigos?

Los dos fueron grandes maestros de la Escuela Veneciana y los dos máximos exponentes del Renacimiento Italiano. Juntos podían haber compartido y aprendido mucho. Pero no fue así. Diez días después que Tintoretto ingresara en el taller de Tiziano como alumno, este lo echó. Pura envidia, dicen.

Ambos se conocieron en el taller del italiano Tiziano. Éste era ya considerado el gran pintor del Renacimiento y cuando vio las increíbles facultades artísticas de un alumno acababa de apuntarse, Tintoretto, le dio la espalda expulsándole de la academia por la envidia que le provocó el arte de sus dibujos.

Grandes maestros

Tintoretto ( 1518-1594 ), cuyo nombre verdadero Jacopo Comin, fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y uno de los últimos del Renacimiento italiano. Nacido en Venecia, fue discípulo de Tiziano y de Paris Bordone, pero también se inspiró en el estilo de Porndenone y en el irrealismo de Schiavone.

Tiziano ( 1480-1576 ), pintor nacido en Pieve di Cdore, es el más importante maestro de la gran escuela pictórica veneciana y uno de los genios máximos de la pintura universal. Su obra fue admirada por los más grandes personajes de su época y ha sido siempre considerada como uno de los grandes logros de la cultura europea.

Vidas cruzadas y envidiadas

Tintoretto era un pintor innato. En su infancia ya pintaba sobre las paredes de la tintorería de su padre. Éste se dio cuenta de la pasión de su hijo cuando el pintor tenía 56 años, y lo llevó al taller de Tiziano a ver si podía aprender del artista. El arte del color y las sombras fueron las principales influencias de Tiziano en su alumno.

La tensión entre los dos pintores se mantuvo a lo largo de sus vidas. ¿La razón? El dinero: La pasión de Tintoretto por pintar era tal que apenas cobraba por sus cuadros; solo el coste del material y un mínimo para mantenerse. Así consiguió una abundante clientela...y la enemistad de Tiziano.

Admiración y recelo

Tintoretto fue un admirador ardiente de la obra de Tiziano, pero nunca un amigo, y Tiziano y sus partidarios le dieron la espalda. No faltó tampoco una abierta denigración, pero Tintoretto no le prestó atención. No buscó otro maestro, optó por estudiar por su cuenta, vivió pobremente, coleccionando moldes, bajorrelieves... Fuente: artelista.com