02 LA REVISTA

MÚSICA Y PINTURA

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

¿Sabías que Kandinsky defendía la existencia de una estrecha relación entre música y pintura?

Para el pintor la música era el referente de toda creación artística, y base de la pintura abstracta que él mismo desarrollaba. Kandinsky consideraba que un cuadro podía ser la representación visual de una composición musical. En 2006, un estudio realizado por neurocientíficos londinenses le daba en parte la razón al confirmar que los sentidos de la vista y el oído están fuertemente relacionados en el cerebro.

Las composiciones de Kandinsky - Tienes ante tus ojos la "Composición IV" de Kandinsky, una serie de líneas, colores y formas sin ninguna relación con la realidad exterior. Un lienzo dominado por colores muy vivos. Cada color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Y es que para él música y pintura iban unidas, como él mismo escribe en su libro "Sobre lo espiritual en el arte" ( 1911 ).

Los colores surgen en hermosas mezclas de límites completamente inverosímiles. Todo es como una explosión de fuegos artificiales, no hay ni la más remota idea de paralelismo, ni de simetría, y por supuesto es casi imposible encontrar una ligera similitud con cualquier tipo de pintura figurativa.

El artista necesitaba exteriorizar una necesidad interna, y lo hizo mediante la abstracción. Buscó un arte espiritual, imaginativo, intuitivo, y encontró en la música su gran inspiración.

De violines a pinceladas - "Los violines, los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Mentalmente veía todos mis colores, los tenía ante mis ojos", dijo Kandinsky después de una representación de Wagner titulada Lohengrin en Moscú. El pintor se interesó en la disonancia de color y música para evocar esas percepciones que producían emociones más intensas en la degustación del arte.

La sinestesia entonces y hoy - Las sinestesias -mezcla de los sentidos al recibir un estímulo- de Kandinsky poseían gran sensorialidad, presentándose tanto a nivel visual, como acústico y táctil. A sus más ambiciosas obras las llamó Composiciones, lo que probablemente conlleva una metáfora musical. A través de ellas intentó ejercer sobre el espectador un impacto como el que podría sentir con la música.

En 2006, un estudio realizado por neurocientíficos londinenses le daba en parte la razón al confirmar que los sentidos de la vista y el oído están fuertemente relacionados en el cerebro de todas las personas, aunque sólo aquellas que padecen sinestesia son totalmente conscientes. Además, la investigación revelaba que la mayoría de nosotros preferimos las imágenes y los sonidos combinados antes que aislados. FOTO. Detalle de "Composición IV" ( 1910-1913 ) de Wassily Kandinsky. Fuente: artelista.com

SALVADOR DALÍ Y EL ADN

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que Salvador Dalí pintó la molécula de ADN en varias de sus obras?

 

Los hallazgos científicos del siglo XX le impresionaban. Quizá fue el ADN, descubierto por Watson y Crack, la que más le impactó. Hasta tal punto que, fascinado por la estructura espiral del ADN como forma básica de la vida, la incluyó en muchos de sus cuadros. "Butterfly landscape. The great masturbator in surrealist landcape with DNA" ( 1957-58 ) es la primera obra que plasma la molécula. Esa molécula que para Dalí era la llave de la inmortalidad.   El ADN daliniano - "Árabes acidodesoxiribonucleicos" ( 1963 ), "La estructura del ADN", ( 1975-76 ) "Galacidalacidesoxyribonucleicacid" ( 1963 ) son otras tres de las obras que Dalí pintó plasmando el ADN. "La herencia depende de una maquinaria soberana y la vida misma es el resultado del gobierno absoluto del ácido", aseguraba Dalí.

El origen de la vida según Dalí - Para Dalí, tanto la estructura del átomo com la del ADN configuran una realidad que no podemos percivir con los sentidos, son realidades ocultas como las que aparecen en los sueños. Para acercarnos a estas realidades inventaron un método paranoico crítico ( sobre este tema, Salvador Dalí publicó, en 1956, un artículo en La Vie Médicale titulado "Aspects phénoménologiques de la méthode paranoïaque-critique" dentro un suplemento sobre arte y psicopatologia ).

La concepció daliniana del origen de la vida assumia, por tanto, los avances científicos, però no renunció nunca a su isió mística de la creación.   En la década de los 70, el químico español Juan Oró le pidió un cuadro para encabezar el programa de la reunión de la Sociedad Española de Bioquímica que se celebraba en Madrid. El resultado fue un lienzo en el que Dalí presentaba el ADN como la escalera de Jacob, por la cual, decía, se puede llegar al cielo. El cuadro incorporaba también unos ángeles que su autor identificó como los "ARN mensajeros"   La llave de la inmortalidad - Dalí siguió atentamente, hasta sus últimos años de vida, los progresos en los descubrimientos relacionados con el ADN, llave según Dalí, de la immortalidad. "¿No es una molècula de ADN la garantia de la immortalidad? Ella es -le deia a Descharnes poco antes de morir- la célula monárquica por exceléncia". "Cada una de las dos mitades está exactamente unida a la otra, de la misma manera que Gala estaba unida a mi... Todo se abre y se cierra y se interrelaciona con precisión. La herencia depende de un mecanismo soberano, y la vida es el producto del papel absoluto del ácido desoxiribonucleico".  

FOTO 1. "El ácido desoxiribonucleico y la escalera de Jacob", pintada en 1975 por Dalí. FOTO 2. Naturaleza muerta viva ( Still live - fast moving ) ( 1956 ) FOTO 3. Galacidalacidesoxyribonucleicacid ( 1963 ) FOTO 4. Butterfly landscape. The great masturbator in a surrealist landscape with DNA ( 1957-58 ) Fuente:artelista.com

No te pierdas la Dionisos 59

Para más placeres de la buena vida

Hemos estado hojeando con calma el número 59 (Julio 2007) de la revista "Dionisos", devota a los temas del buen comer y beber, y puede que sea su mejor edición a la fecha, separándose por varios cuerpos de otras publicaciones que asumen la gastronomía con una ligeresa preocupante. Hablando de cuerpos, encontramos entre sus páginas unas confesiones culinarias de la actriz y cantante Vanessa Saba, una crónica sobre Inés de Suárez, una heroica cocinera de los tiempos de la Conquista, un manual imperdible sobre el vino y sus colores, un artículo que remueve la espuma para descubrir el origen de la cerveza en el Perú, una completa guía gourmet de Springfield que todo fanático de los Simpsons sabrá apreciar, su acostumbrada y bien documentada sección de Gastronomía Inteligente, y como cereza que corona el postre, un sabroso Dionigrama que le confirmará cuánto sabe (o no) de cocina. Finalmente, como una razón más para coleccionarla y presumir, una reseña bien ilustrada sobre nuestro 58 Festival de Gastronomía que pueden ver aquí:

Pulse aquí para verla más grande.

EL PRIMER MUSEO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que el primer museo que existió estaba en la Biblioteca de Alejandría?

Fue en su época la más grande del mundo. Albergaba 700.000 volúmenes y se cree que fue creada a comienzos del siglo III antes de Cristo por Ptolomeo. Hablamos de la Biblioteca Real de Alejandría. Al otro lado de su inmenso jardín erigieron otra gran edificación: el primer Museo de la historia. Lo llamaron así por respeto a la sabiduría, porque lo consideraron un santuario consagrado a las Musas, las diosas de la memoria, de las artes y de las ciencias.  

El primer museo - Ptolomeo ( 362 adC-283 adC ) mandó construir en Alejandría el gran palacio que serviría de alojamiento a toda la dinastía Ptolemaica. Al otro lado del jardín y conocido desde el principio con el nombre de Museo, se erigió otra gran edificación. Lo llamaron así por respeto a la sabiduría, porque lo consideraron como un santuario consagrado a las Musas, que eran las diosas de la memoria, de las artes y de las ciencias.  

El edificio del saber - El edificio constaba de varias estancias dedicadas al saber, que con el tiempo fueron ampliándose y tomando más importancia, pero también acogía un pequeño zoo, jardines, una gran sala para reuniones e incluso un laboratorio.   Se iniciaba así la idea de un museo científico con parque botánico y zoológico, salas de anatomía e instalaciones para observaciones astronómicas. En Roma, el término museum se otorgaba a una villa particular donde tenían lugar reuniones filosóficas presididas por las musas.  

Marcando hitos - Pero fue en el siglo XVI cuando por primera vez se utilizó el término museum a una colección, como una realidad dinámica que se ha ido desplegando hasta hoy. El humanista Paolo Giovio ( 1483-1552 ) empleó dicho término al describir sus colecciones de arte y colocó esta denominación en la fachada del edificio donde albergaba sus piezas, cerca del lago Como.   A fines del siglo XVI se concibe la primera construcción de un edificio destinado a museo, para exponer una de las colecciones privadas más importantes de la época: el Palazzo Giardino de Sabbioneta, próximo a Mantua. También el Palacio Uffizi es transformado por Buontalenti, quien encarga remodelar el piso alto en una gran galería con el fin de instalar las colecciones de los Médicis.

A su vez, Alberto V de Baviera encarga para su Palacio de Munich una galería especial, conocida como el Antiquarium, más conocida como Museo de la Residencia. Todos estos precedentes marcan los hitos en la larga historia de los museos. Fuente:artelista.com

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BOTERISMO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

La mirada diferente de Botero, icono latinoamericano del arte

Figuras humanas de tamaño exagerado, formas redondeadas e hinchadas, pinceladas casi invisibles… Este es el estilo inconfundible de Fernando Botero, uno de los artistas latinoaméricanos vivos más reconocidos del mundo. Ahora el Palazzo Reale de Milán, en Italia, expone más de 160 obras que el artista colombiano ha realizado estos últimos 10 años. Un viaje por el “boterismo”.

Botero en Italia - Pinturas, dibujos, esculturas... El visitante a la muestra italiana no se deja nada por ver del polifacético Botero. Milán acoge en el Palazzo Reale una gran exposición representativa del trabajo del artista desde el 6 de julio hasta el 16 de septiembre. Además, los transeúntes también pueden apreciar el arte de Botero ya que a lo largo de la ciudad se exponen las esculturas de bronce dispersas por algunos puntos a lo largo de la ciudad, entre la Piazetta Reale, la Piazza Scale y la Piazza San Carlo. No es la primera vez que Fernando Botero celebra una exposición en Milán, pues ya había expuesto en el Castello Sforzesco hace aproximadamente treinta años.

El Botero inédito - La muestra, con un total de 160 piezas, se divide en tres secciones, la primera de ellas acoge obras de la nueva inspiración de Botero, el escultor colombiano plasma su interés por el circo en piezas artísticas. En 15 óleos y 25 dibujos se capta la esencia del arte mágico circense. Con el uso de un gran colorido, movimiento y personajes vinculados a este tipo de espectáculos, Fernando Botero plasma la alegría del circo como en su momento lo hicieron artistas tan destacados como Picasso, Léger o Chagall.

La poética habitual del artista - Botero es conocido en todo el mundo por sus voluminosos personajes, temática usada en la segunda sección que se puede observar en la exposición. Las obras que corresponden a este apartado muestran situaciones tan típicas en el arte de Botero como son mujeres, hombres y parejas con sus relaciones personales, sus sentimientos, y sus actividades de la vida cuotidiana. Junto a ellas, el visitante puede apreciar algunos cuadros que se inspiran en grandes pintores europeos como Van Eyck, Rubens, Le Brun o Goya.

La obra como crítica - A partir de la tercera y última sección de la muestra, Botero deja a un lado el tono festivo y alegre para plasmar el horror de los prisioneros en la cárcel iraquí en sus obras. La serie llamada “Abu Ghraib” nace de un artículo crítico publicado en el New Yorker que dio la vuelta al mundo. El artista trabajó para plasmar la tortura, la crueldad y la dureza que sufren los presos. Fuente: artelista.com - http://groups.msn.com/institutodelosandes

EL BAR DE HIELO EN SHANGHAI

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

Por: José Álvarez Díaz - Shanghai, (EFECOM).- El primer "bar de hielo" de China, construido con más de 45 toneladas de hielo traído de Suecia, aspira a convertirse en un atractivo turístico por sí mismo y en un local de referencia de la noche de Shanghai, la ciudad con fama de más extrovertida y cosmopolita del gigante asiático.

"Queremos que se convierta en una atracción de moda de Shanghai, que cada vez que la gente visite esta ciudad también se acerque a visitar este tipo de bar tan difícil de encontrar en Asia", explicó a Efe Anna Chau, empresaria hongkonguesa con más de 40 restaurantes temáticos, que tuvo la idea de montar el local.

Situado en una de las principales avenidas de la ciudad, Huaihai Zhong Lu, en la antigua concesión francesa, sus paredes, sus muebles, su decoración y hasta sus vasos, de un solo uso, están esculpidos con hielo del río Torne, en Laponia (Suecia), y serán renovados cada seis meses, después de viajar casi 30.000 kilómetros.

El bar se abrió hace tres semanas, en pleno azote del intenso calor pegajoso característico de la húmeda Shanghai, y para sus primeros clientes está suponiendo el atractivo adicional de un cambio de temperatura, casi repentino, de cerca de 40 grados centígrados, ya que el local se mantiene a cinco grados bajo cero.

"El bar de hielo te permite una pausa, pasar de la contaminación y el calor sofocante de Shanghai a un entorno frío y limpio para refrescar la mente", comentó Sophia Duménil, encargada de mercadotecnia del local, una franquicia de la firma sueca Icehotel patrocinado por la marca de vodka también sueca Absolut.

Sus cinco grados bajo cero son "la temperatura ideal, tanto para el cuerpo humano en un entorno como este, como para que no se te quede la lengua pegada al vaso de hielo", explicó, mientras Chau destacó que su objetivo es permitir el disfrute de la bebida y del hielo "con todos los sentidos", el placer de "chupar el hielo".

"Es un hielo muy especial, porque el agua del río Torne es tal vez la más clara y más pura del mundo", aseguró Duménil, "que da lugar a una cristalización preciosa, porque cuando se forma casi no queda oxígeno dentro, así que sale un hielo muy compacto, muy transparente y muy suave".

El bar, de 100 metros cuadrados, y donde se permite un máximo de 60 personas durante no más de 45 minutos a cada visitante, al que se ofrece una capa de piel y guantes para aislarlo del frío y proteger al hielo de su calor corporal, está decorado con esculturas de agua helada, y sólo las sillas están guarnecidas con pieles.

En la barra, o en mesas translúcidas y gélidas, se sirven cócteles basados en vodka o zumos naturales, que por su ausencia de alcohol se solidifican con rapidez y deben ser removidos constantemente.

Dentro todo está hecho de hielo, salvo el techo y el suelo, y la decoración, que también se renueva cada seis meses, combina formas cuidadosamente diseñadas, ahora inspiradas en los paisajes árticos, con una técnica propia de la franquicia sueca, que permite "pintar" introduciendo nieve a capricho en bloques de hielo transparentes.

Con un horario muy chino (de doce a doce, hasta la una de la madrugada los sábados), hasta la fecha ha sido visitado por centenares de clientes, la mayoría de ellos turistas, según Chau, además de expatriados y hombres de negocios locales, familias con niños pequeños e incluso ya se ha celebrado una boda en su interior.

"Es un sitio muy 'cool' (juego de palabras entre "guay" y "fresco")", dijo a Efe un cliente surcoreano, que se identificó como Edward. "Trabajo aquí al lado y creo que este verano voy a venir a menudo".

"En Shanghai hay constantemente turistas de todo el mundo, además de gente de negocios que viene a la ciudad cada cierto tiempo y sabemos que poco a poco irán trayendo a sus amigos y dando a conocer el bar boca a boca", concluyó Chau, que importará entre 40 y 50 toneladas de hielo dos veces al año, incluidos unos 50.000 vasos.

La empresa sueca Icehotel, que construye un hotel de hielo todos los años en Jukkasjärvi (Laponia, Suecia), que dura unos cuatro meses hasta que se derrite, tiene otros seis bares parecidos en esa ciudad y en Estocolmo, Milán, Londres, Copenhague y Tokio, aunque le han salido imitadores en Finlandia, Francia, Rumanía y Sudáfrica. EFECOM -jad/mz/vnz - http://groups.msn.com/institutodelosandes

BASURAMA

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que hay artistas que convierten la basura en una obra de arte?

Fuente:artelista.com - Vasos, colillas, envoltorios... Cualquier tipo de desecho sirve. El resultado: "Eres lo que tiras", el título de la estructura metálica que ha construido el Grupo Basurama en la playa de Voramar, en Castellón, España. Se trata de un basurero gigante, de 5 metros de alto, una revelación pública de la cantidad de desechos que genera un evento como el Festival Internacional de Benicássim, el FIB.

Basurama, los creadores Basurama es un colectivo de nueve personas dedicado a la investigación y a la gestión cultural desde 2001. Su principal área de estudio y de actuación son los procesos productivos, la generación de desechos que éstos implican.

Ahora, para enseñarnos como la desaparición inmediata oculta a la gente la realidad de la gran cantidad de deshechos que se acumulan y el deterioro que este provoca en el medio ambiente, el colectivo ha dirigido el proyecto "Eres lo que tiras".  

De hecho los creadores de la obra de arte no han sido ellos, sino los turistas y asistentes al FIB que participaron lanzando sus propios vasos, parasoles, colchonetas y todo tipo de restos a la obra de arte, durante los días que duró el acto, del 19 al 22 de junio.  

Aprovechando los desechos. Durante la edición pasada, en tres días de música, baile y acampada, el festival generó unas 185 toneladas de desperdicios, y la cantidad aumenta cada año. El colectivo de Basurama pedía bolsas de basura llenas a los servicios limpieza del FIB diariamente a las 6 de la mañana. Hasta las ocho, se encargaban de llenar su instalación con desechos. El sábado por la tarde, penúltimo día del festival, la obra "lucía" una gran cantidad de desechos.  

Una obra de arte efímera. El lunes 23 de julio "Eres lo que tiras" despareció de la bonita playa de Castellón, y sus restos en cualquier planta de desechos. En la estructura metálica han querido mostrar los desechos que genera el ocio.

Además, pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. Esta no es la primera vez que realizan proyectos, ya han estado actuando en actividades en Bruselas, San Sebastián, Palma de Mallorca , y Valdemoro.   La obra de arte no pasaba desapercibida debido a su tamaño y a su peculiaridad, así que transformar la basura en arte ha sido una buena manera de llamar la atención a la gente para que se den cuenta de la cantidad de basura que se lanzan en festivales como el FIB.

EL TENEBRISMO

Instituto de los Andes - Panel: La Revista 

¿Sabías que existe una corriente que se fija sólo en los aspectos desagradables de la realidad?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Se conoce como tenebrismo. ¿Ejemplos? Una mujer ahogada en el Tíber representando a Maria de Jerusalén, el rey David sosteniendo la cabeza cortada de Goliat, la crucificción de San Pedro... Son algunos de los temas que se pueden contemplar en el tenebrismo italiano perteneciente al Barroco. Unas representaciones que llevaron a la polémica al impulsor de esta corriente, Michelangelo Merisi da Caravaggio.

Tenebrismo

El tenebrismo es un estilo iniciado en Italia por Caravaggio. El pintor barroco busca la representación de las cosas, estudiadas en su contexto espacial y luminoso. En esta corriente no se necesita buscar temas ya que la simple observación de la realidad proporciona al pintor los objetos y situaciones qué pintar.

Luz de sótano y luz de bodega

Caravaggio pintaba sus obras con un único foco de luz elevado que normalmente travesaba en diagonal la escena pintada. Por medio de hábiles golpes de luz resaltaba las partes más elocuentes, mientras el resto permanecía en penumbra. Se ha hablado de luz de sótano y luz de bodega en referencia a este modo de iluminación caravaggiesca.

Temas crudos, temas controvertidos

Las atmósferas de luz y tiniebla envuelven escenarios muy realistas. Caravaggio se inclina por la representación de los aspectos más crudos de la realidad. Cuando el pintor barroco eligió como modelo de Maria, para la obra "La muerte de la Madre de la Virgen", una mujer ahogada en el Tíber, fue muy criticado por tota la sociedad ya que esta no estaba preparada para aceptar algo tan revolucionario. Hasta entonces se había primado la idealización y era inconcebible representar personajes bíblicos sin majestuosidad.

Trascendencia universal del tenebrismo

El tenebrismo es la contribución más importante de Italia; Guido Reni i Il Domenichino siguieron una gran parte de su obra. Además, casi todos los países europeos pasaron por una etapa tenebrista. Algunos de los grandes maestros que no dejaron nunca los principios de iluminación son Rembrandt o Zurbarán. Otros, como Murillo o Velázquez, los abandonaron después de haberlos utilizado.

Fuente: artelista.com