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Noten los rayos de luz saliendo de la cabeza y los característicos bastones

Wiracocha según Tiahuanaco

Así que la famosa “Maldición del Perla Negra” no es azteca, sino INCA. ¡Coméntese y difúndase!

Por si fuera poco, hasta la moneda de oro azteca, con el diseño de la calavera, parece haber sido inspirada en la pieza redonda de arriba, que representa también aWiracocha. Al extremo derecho pueden ver el reverso de la "moneda maldita", un característico diseño escalonado con espiral recto utilizado por las culturas pre-colombinas del Perú. ¿Cómo la ven?

¿Has visto al “Perú en Pantalla” alguna vez? ¡Envíanos tus aportes!

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

¿Sabías que Roy Lichtenstein consiguió elevar el cómic a la categoría de arte?

Junto con Andy Warhol fue el máximo representante del Pop Art. Sus obras, como sacadas de un cómic, derrochan color y sentido del humor, y en su época le convirtieron en blanco de todas las críticas. Es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para ilustrar sus conocidos cómics. El artista que supo como convertir el cómic en un arte.  

Los inicios de Lichtenstein. Roy Lichtenstein está considerado como uno de los máximos representantes del arte pop. Nació en Nueva York en 1923 y estudió en una escuela secundaria privada donde el arte no constaba ni siquiera en el programa. Pero el joven Roy, inspirado por Picasso, comenzó a pintar en su casa.

Sus primeros trabajos fueron retratos de músicos de jazz y escenas de carnavales y combates de boxeo.   Durante los años 40 y 50, Lichtenstein hizo sus primeras exposiciones de pinturas cubistas y expresionistas, trabajó como dibujante gráfico, escaparatista y obtuvo una plaza de profesor ayudante de arte.   El arte del cómic. Hasta aquí, nadie podía pensar que su arte iba a hacer historia.

Pero en 1957 empezó a experimentar con un arte inspirado en las tiras cómicas. '¡Mira Micky, pesqué uno grande!' es una de sus pinturas más llamativas de esa época. Era un dibujo que partía del envoltorio de un dulce que amplió en una tela de grandes dimensiones. Objetos tan cotidianos como los billetes de dólar o el personaje de cómic Pato Donald, también sirvieron a Roy para inspirarse.  

Precisamente es así, tomando los objetos de la cultura popular y reinterpretándolos a través del cómic, como el artista consiguió que el cómic se elevara a los altares del arte.  Reelaboraba la imagen para transformarla en icono a través de su representación de las cosas vulgares o de los sentimientos. Todo plasmado a través del lenguaje de cómic. Óleos, serigrafías,  litografías... todas sus obras son conocidas en todo el mundo. Por eso carteles y postales que reproducen sus obras se encuentran por doquier.  

Críticas y reconocimiento. Su éxito hizo que en 1962 hiciera su primera muestra como artista pop en Manhattan. Empezó así su andadura por el arte contemporáneo, en el que utilizó sus conocimientos como diseñador para crear una pintura con la fuerza de los grandes carteles publicitarios y utilizando la trama punteada del fotograbado. A pesar de que su arte, parecido a la estética de las obras de Andy Warhol, no era aceptado por todo el público ni por todos los críticos, en 1987 se convirtió en el primer artista vivo al que le dedicó una retrospectiva el mítico Museo de Arte Moderno de Nueva York. Murió el 29 de septiembre de 1997 en la gran manzana. Fuente: arlista.com

A pedido del público culto y sensible

Después de una buena temporada recopilando material alrededor del mundo, regresa la tan esperada sección "El Perú en Pantalla", archivo de aquellos sublimes momentos en los que nuestra querida y sufrida patria es puesta bajo los reflectores del cine, la televisión, la música y otras expresiones de comunicación masiva, produciendo casi siempre extrañísimos resultados. Si no me crees, dale una chequeada a la primera parte de esta investigación sin precedentes aquí:

http://groups.msn.com/INSTITUTODELOSANDES/perenpantalla.msnw

Como recordarán, el último mensaje en "Perú en Pantalla", colgado por nuestro amigo Czarchef hacía referencia al tema "Peruvian Skies" de la hasta ese momento desconocida para mí, banda "Dream Theater". Sin embargo, mi ignorancia musical se tornó en curiosidad y luego en sorpresa, y esto fue lo que averigüé:

030. PERUVIAN SKIES (Dream Theater, 1997)

"Dream Theater" es una agrupación norteamericana de metal progresivo, formada en 1985, con una trayectoria bastante impresionante y una legión de seguidores nada despreciable, según cualquiera puede descubrir de una sencilla búsqueda por la red. El asunto es que en 1997 lanzaron en su cuarto álbum de larga duración un tema denominado "Peruvian Skies" (Cielos Peruanos) con una melancólica y misteriosa letra que en parte dice:

Under peruvian skies

Vanessa regretfully waits

The story unfolds in her eyes

Where midnight hysterias

No big surprise

Battered and bruised

Always confusing

The love that shes losing for hate

Poor vanessa

Poor, poor Vanesa

La canción, compuesta John Petrucci, miembro fundador del grupo y uno de los mejores guitarristas del mundo según los entendidos, parece estar basada en un artículo que leyó sobre una chica víctima de abuso en nuestro país, hecho que evidentemente reprime nuestro orgullo patrio. Según la costumbre de la banda de insertar riffs o trozos de canciones de otras bandas en sus interpretaciones en vivo, en "Peruvian Skies" es común escuchar porciones de "Have a Cigar" de Pink Floyd y "Enter Sandman" de Metallica. Los chicos de "Dream Theater" estuvieron por Chile en el 2005, reuniendo una multitud de 20000 personas y no faltó quien les recomendara no tocar "Peruvian Skies", por xenofobias estúpidas, pero se mandaron igual, incluso haciéndole un intro con tonalidades altiplánicas. Ahora, juzguen ustedes mismos, y deléitense con "Peruvian Skies" en el siguiente enlace:

Más Cocina Natural con Carlos

Elogiadas por lo sencillas que parecen y lo bien que lucen, las señitos continuan pidiéndonos más recetas saludables de Carlos. Y nosotros cumplimos, así que anímese a probarla aquí:

(Por si fuera poco, viene con chiste incluido)

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

PERU, Indiana. - Los admiradores de Cole Porter transformaron la casa donde el compositor pasó su infancia en un museo y en un estadero.

Varios cientos de personas estuvieron presentes el viernes en la dedicatoria de la casa de madera de dos pisos adonde nació Porter en 1891 y adonde vivió los primeros 10 años de su vida. Allí fue a donde aprendió a tocar el violín, y fue allí a donde compuso su primera canción, una dedicada a su madre: Kate.

Con el paso de las décadas, la casa, localizada a unos 105 kilómetros caso 65 millas_ al norte de Indiana, estaba muy mal estado y hasta llegó a ser utilizada como laboratorio para preparar metanfetaminas.

Pero sus dedicados admiradores intervinieron para rescatarla y restaurarla con fondos de la organización sin ánimo de lucro Ole Olsen Memorial Theatre, un grupo de Perú, Indiana, compró la casa en el 2004.

"Pasó de casa de drogas a casa de mágica", dijo el alcalde de Perú, Jim Walker.

Porter, quien falleció en 1964, escribió más de 1.500 canciones para el teatro, el cine y la televisión, entre ellas "Night and Day", "Anything Goes" y "I've Got You Under My Skin".

Machu Picchu, el tesoro mejor guardado de los Incas

Redacción

Sábado, 12 de mayo de 2007

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Sagrado y enigmático. Así es el Machu Picchu -la ‘montaña antigua' según su significado en quechua- situada en el corazón de Perú, en las alturas de los Andes peruanos y a escasos kilómetros de la ciudad de Cuzco, capital del Imperio Inca. Candidata a ser declarada una de las 'Siete Nuevas Maravillas del Mundo' en una campaña por Internet promovida por el cineasta suizo Bernard Weber, el Machu Picchu acoge en su cima las ruinas de lo que antaño fue una antigua ciudadela y santuario Inca.

Se trata de una auténtica obra de arquitectura e ingeniería situada, posiblemente, en uno de los lugares más bellos del mundo. Precisamente sus imponentes ruinas son famosas en el mundo entero por su incomparable ubicación, al borde de un abismo sobre las aguas del río Urubamba. Además, su majestuosidad está en perfecta armonía con el paisaje natural que lo rodea, lo que le convierte en uno de los más bonitos y enigmáticos lugares del planeta y máxima expresión del desarrollo arquitectónico de la cultura Inca.

Los incas convirtieron este paraje en un pequeño pero extraordinario lugar, invisible desde abajo, difícil de acceder, pero con los recursos agrícolas para alimentar a toda su población. La ruinas, descubiertas en 1911 por un arqueólogo de Yale, Hiram Bingham, permiten apreciar la estructura de lo que antiguamente fueron palacios, baños, templos, almacenes y cerca de 150 casas.
Allí vivían cerca de 1.200 personas, la mayoría mujeres, niños y sacerdotes.

El hallazgo más importante de Machu Pichu es Intihuatana, una columna de roca que se alza desde un bloque de piedra del tamaño de un piano de cola. Literalmente significa 'para amarrar al sol' y se utilizaba durante los rituales del solsticio de invierno. Son pocos los Intihuatana que todavía se conservan ya que fueron sistemáticamente buscados y destruidos por los españoles. El de Machu Picchu nunca lo encontraron a pesar de que sospechaban de su existencia.

Machu Picchu - declarado santuario histórico por el Gobierno peruano en 1981 y Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1983- es todavía un centro espiritual y muchos místicos peruanos utilizan el lugar, que aseguran que la ciudad está llena de energías profundas. De hecho, el lugar desprende un halo de misterio que se siente en todos los rincones. En breve podría contar con el honor de ser una de las 'Siete Maravillas del Mundo'.

Junto al Machu Picchu, Cuzco -que encierra toda la historia del Perú legendario, desde su fundación hasta la retirada de los conquistadores españoles- guarda otros tesoros arqueológicos como la Fortaleza de Sacsayhuaman, Kenko, los Baños de TamboMachay, los andenes de Pisac y la Fortaleza de Ollantaytambo.

Hoja de ruta:

Cómo llegar: Se accede en tren (112.5 kilómetros, unas 4 horas), desde la estación de San Pedro en Cuzco, hasta la estación de Aguas Calientes. Una de las empresas que realizan este servicio es Perú Rail. A partir de este punto hay dos maneras de subir a la ciudadela. Una, la más común, es en autobús (viaje de 20 minutos). La otra es a pie, aunque la caminata dura en torno a una hora y media.

Más información: www.peru-machu-picchu.com

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Instituto de los Andes - Panel: Turismo

Monasterio de Rila, naturaleza y cultura

Monasterio de Rila

Por: @Ana Victoria Suárez

"Mientras en Transilvania el conde Drácula (Vlad Tepes) y su ejército empalaban los turcos, los monjes de Rila enfrentaron la dominación otomana con la pluma". Así definía un periodista argentino el espíritu que reside en el interior de una joya Patrimonio de la Humanidad que alberga la cada vez más cercana Bulgaria. Se trata de un impresionante monasterio ortodoxo en el valle de Rila, al oeste del país. De nuevo viajamos a los Balcanes, tierra con la que tenemos mucho en común, pero de la que tanto nos hemos alejado en el siglo XX.

A 150 kilómetros de la capital, Sofía, se alza el Monasterio de Rila en el homónimo valle formado por el río Rilski. Monumento, valle y río están íntimamente ligados por la figura de un cortesano búlgaro del siglo X llamado Iván Rilski que, posteriormente, se le conocería por San Juan de Rila. Cuentan en aquellos parajes que Rilski se retiró a las montañas como ermitaño y vivió en una estrecha cueva: "el agujero del milagro". Tuvo muchos seguidores y su tumba se convirtió en lugar de peregrinación y recogimiento. Bajar al agujero es absolutamente claustrofóbico.

Próximo al lecho de San Juan de Rila se levantó el monasterio. A comienzos del siglo XIV el señor feudal de esas tierras, Jrelio Dragovol, mando edificar el convento. Se construyó como una fortaleza inexpugnable de 23 metros de altura, con una capilla en el último de los cinco pisos. Jrelio, además, mando construir la iglesia principal donde sería enterrado como donador del templo.

Pero toda esta historia sólo sirve para enmarcar la enorme belleza del edificio, obra insigne para el culto de la Iglesia Ortodoxa y hacer las delicias de simples laicos amantes del arte. Sus muros conservan innumerables obras de vital importancia para la cultura búlgara y, por qué no, mundial. Desde este lugar el historiador ruso Teplov escribió: "Si Dios, nuestro Señor desease salir de su habitual morada, sin duda iría a vivir al Monasterio de Rila". Una pasión que deja de parecer exagerada cuando nuestros pasos se adentran en el recinto cuya enormidad del silencio embarga al más escéptico.

Como ocurre con los monasterios católicos, los ortodoxos han sido centros culturales durante el Medievo. Rila destaca por el impacto de su arquitectura, las pinturas murales y las tallas en madera... reflejo vivo de la resistencia inteligente al Imperio Otomano. De ahí que los búlgaros lo identifiquen como símbolo de su identidad, junto a la circunstancia de que se halle en las faldas del monte más alto de toda la península balcánica.

"Desde siempre, los nueve mil metros cuadrados que componen este conjunto monumental se convirtieron en un gran centro literario y educativo, con especial significado para la divulgación de las letras búlgaras. El colorido es espectacular y la visión de los frescos de las capillas es abrumadora, así como la visita a lo largo y ancho de sus bibliotecas y salas de lectura, con ejemplares manuscritos e incunables, los primeros libros eslavos elaborados en Venecia en el siglo XVI, valiosos códices evangélicos...

Resulta indescriptible la sensación de contemplar de cerca las colecciones de monedas, obras de orfebrería como los medallones de oro del siglo IV del emperador romano de Oriente Constancio II, así como las bulas de los monarcas búlgaros, como el diploma con sello de oro otorgado al monasterio por el zar Ivan Shishman en 1378... Pedazos de la Historia, tesoros del mundo.

Hoja de ruta - Cómo llegar: De Madrid a Sofía, vuelos con una escala con la aerolínea Lufthansa. Una vez allí alquilar un coche o concertar visitas con agencias. Esta última opción es más interesantes porque el monasterio de Rila está enmarcado en uno de los numerosos parques nacionales del país, en los que abundan raras especies de flora y fauna, algunas de ellas algo peligrosas como los osos o los lobos. Contrate visitas guiadas, algunas necesitan permiso.

Dónde dormir: Con calificación cinco estrellas: Hotel Radisson SAS Grand, Sheraton Sofia Hotel Balkan, Hotel Kempinski Zografski Sofia, Grand Hotel Sofia.

Más información:

Instituto de los Andes - Panel: La Revista

MÉXICO (AFP) - La multifacética obra de la pintora Frida Kahlo será exhibida en México desde este miércoles en una muestra jamás reunida hasta ahora a nivel mundial, incluidos documentos inéditos sobre su militancia política y vida familiar.

"El gran autorretrato de Frida Kahlo", dijo a AFP el co-curador Juan Coronel Rivera al definir la dimensión de la exposición que abarca ocho grandes salas del Museo Nacional de Bellas Artes capitalino, donde se exponen 354 piezas, varias de ellas presentadas por primera vez en México.  

Al cumplirse el centenario del natalicio de la artista (1907-1954), 69 instituciones y coleccionistas colaboraron con sus obras y documentos para mostrar toda su trayectoria artística, aspectos de una vida privada atormentada por 33 operaciones, su matrimonio con el muralista Diego Rivera, su etapa en Estados Unidos y la militancia política.  

Coronel Rivera, curador de 50 exposiciones de Diego Rivera y una decena de la artista mexicana, sostuvo que la popularidad de Frida Kahlo trasciende cualquier interés político o comercial de casas de arte.   "La gente la hizo popular, como a (Pablo) Picasso. No se necesita un impulso gubernamental o que esté en juego algún aspecto comercial. Ella es de la gente. Es un icono universal", afirmó el experto al augurar una asistencia masiva a la muestra que cerrará el 19 de agosto.   En varias salas aparecen sus conocidos autorretratos como 'Pensando en la muerte' o 'Autorretrato con manos' (ambos de 1943) y otras obras en óleos, grabados, dibujos y fotografías que reflejan su versalitidad, algunas de ellas inéditas en México.   En un marco histórico y social, otra sala muestra la vida política de Kahlo, a través de fotos y documentos originales de la época, que detallan su militancia en el Partido Comunista, su relación con León Trotsky y otras figuras de la época.  

También se ha generado un espacio "íntimo" de la artista, con imágenes familiares desconocidas, así como de su etapa juvenil poco conocida como maestra y modelo fotográfica.   Una sección especial estará dedicada a su padre, Guillermo Kahlo, considerado un personaje "trascendental en la vida, desarrollo y concepción creativa de su hija", dijeron los organizadores durante un recorrido especial para la prensa.

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Putin premia al escritor Alexander Solyenitzin

Instituto de los Andes - La Revista 

MOSCÚ (AFP) - El presidente ruso, Vladimir Putin, rindió el martes homenaje al Premio Nobel de literatura y ex disidente soviético Alexander Solyenitzin, un hombre que "ha dedicado su vida a la patria", al otorgarle el prestigioso Premio de Estado en una ceremonia en el Kremlin.

"Millones de personas en el mundo relacionan el nombre y las obras de Alexander Solyenitzin con la suerte de Rusia", declaró Putin ante varias personalidades, entre ellas la esposa del escritor, Natalia, quien recibió el premio en nombre de su marido, demasiado frágil a los 88 años para desplazarse.

"Él ha dedicado prácticamente toda su vida, a través de sus obras científicas y su trabajo literario eminente, a la patria. Como él mismo lo ha dicho: Rusia somos nosotros mismos. Somos su carne y su sangre, su pueblo", añadió el presidente ruso.

Poco después Vladimir Putin, que era oficial del KGB cuando el escritor vivía en el exilio, fue a visitarlo a su casa de Troitse-Lykovo, en el noroeste de Moscú, para felicitarlo personalmente.

El Premio Nobel, que apareció algo demacrado en una silla de ruedas, expresó su alegría al recibir a Putin. "Aprecio mucho vuestra visita", dijo, según las imágenes difundidas por televisión.

Los dos hombres hablaron de "la situación de Rusia" y del "futuro del país", declaró Putin, citado por las agencias rusas, al término de su visita.

"Me pidió que prestara atención a la necesidad de sostener las pequeñas y medianas empresas y a la clase media en Rusia", dijo Putin.

Poco antes, en un mensaje de vídeo transmitido en el Kremlin, el ex disidente, cuyas apariciones públicas son cada vez más escasas, dijo que se sentía "muy orgulloso de la atención prestada a su trabajo".

"Al final de mi vida, puedo esperar que el material histórico que he recolectado entrará en las conciencias y la memoria de mis compatriotas", dijo el escritor.

"Nuestra amarga experiencia nacional ayudará, en caso de nuevas condiciones sociales inestables, a prevenir funestos fracasos", añadió Solyenitzin, quien reveló al mundo la realidad de los campos de concentración soviéticos en sus obras.

Premio Nobel de literatura en 1970, Solyenitzin fue despojado de la ciudadanía soviética en 1974 y expulsado de la URSS, viviendo luego en Alemania, Suiza y Estados Unidos, hasta su retorno a Rusia en 1994.

El escritor recibió el Premio de Estado por "sus realizaciones excepcionales en el campo humanista", otorgado el año pasado al Patriarca ruso Alexis II.

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¿Le dieron ganas de jugar? Antes, acompáñenos en este tributo al glotón amarillo:

¿Sabías que Monet no se acercó a la abstracción al final de su vida sino que veía mal?

En sus últimos años de vida el padre del Impresionismo, Claude Monet, pintaba obras muy cercanas a la abstracción. Pero, al contrario de lo que muchos creían, no estaba cambiando de estilo. Simplemente sufría cataratas. Eso asegura Michael Marmor, profesor de oftalmología de la Universidad de Stanford (EEUU), tal como publica la revista Antiqvaria.   Problemas de vista Y él no era el único. Edgar Degas (1834-1917) también sufría problemas de vista. Y es que, según la experiencia llevada a cabo por de esta universidad americana, las pinturas del impresionista Claude Monet  y de Edgar Degas no querían manifestar un cambio de estilo al final de su vida y aproximarse a la abstracción, sino que sufrían enfermedades de la vista ligadas a la edad.   Monet y sus cataratas Según el profesor Michael Marmor, que ha recreado las imágenes que veían los dos artistas por ordenador, a través de un sistema de filtros y apoyándose en documentos de la época, Degas sufría degeneración macular y Monet cataratas.   Bajo el punto de vista del profesor, que describe su experiencia en una revista especializada llamada "The Archives Of Ophtalmology", al final de su vida, los contemporáneos de los dos pintores habían notado que sus obras eran de factura gruesa, contrariamente a lo realizado con anterioridad. Según el autor, en la obra Puente japonés de Giverny donde se ven radicales naranjas y azules, Monet veía un mejunje verde amarillento. Marmor cree que el artista al final escogía los colores por la etiqueta y cuando se operó destruyó muchos de los cuadros de ese periodo.   Degas y sus problemas de vista Degas, a quien la vista se le deterioró entre 1860 y 1910, pintaba cada vez de manera más frustrada, y la enfermedad que padecía hacía que los contrastes fuesen cada vez menos difusos. Para Monet, que finalmente fue operado al final de su vida, "la catarata hace la visión borrosa, pero también puede afectar a la capacidad de distinguir colores", escribe el profesor, y los "colores se vuelven amarillos y sombríos".   El profesor aclara que su teoría no pretende explicar el arte sino aportar datos sobre los obstáculos a los que se enfrentaron los pintores. Su estudio está basado en documentos históricos, entre los que se incluyen cartas donde los artistas hablan de su visión pero no mencionan su intención de evolucionar hacia el arte abstracto. Fuente: artelista.com

¿Sabías que Picasso era un apasionado del arte africano?

"Las Señoritas de Aviñón" (1907) de Picasso muestran el impacto del encuentro entre Picasso y el arte africano.

Enigmática. Así califican los expertos la fascinación que sentía Pablo Picasso por la cultura, los ritos y las costumbres del África profunda. Y es que según una conferencia ofrecida en el Museo Picasso de Málaga, desde joven el artista andaluz se sintió atraído por el significado de los objetos africanos, especialmente por aquellos a los que se les atribuían poderes. Y así lo plasmó en muchas de sus obras.

El arte que cautivó a Picasso

'Objetos mágicos: símbolos africanos de poder y Picasso'. Este es el título de la conferencia que la profesora del Maine College of Arts (Estados Unidos), Aimée Conlin-Bessire, ofreció la semana pasada en el Auditorio del Museo Picasso Málaga (MPM).  La ponencia, que estaba incluida en el ciclo 'Picasso y África' explicó como el interés de Picasso en el arte africano fue más allá de lo estrictamente formal, hasta el punto de que muchos estudiosos de su obra calificaron de "enigmática" la relación entre su trabajo y el continente de ultramar. El artista andaluz se sintió atraído por el significado de los objetos, especialmente de aquellos a los que, por contener sustancias ocultas o por "activación espiritual", se le atribuían poderes.

Los rasgos africanos de algunos Picassos

En este sentido, Aimée Conlin-Bessire, apasionada por la cultura africana, mostró en su ponencia la influencia de ésta en la obra picassiana, en la que es posible encontrar rasgos comunes, como las formas simplificadas, el uso de materiales básicos y un simbolismo que a veces raya lo misterioso.

La profesora estudió en las universidades de Nueva York y Harvard, donde realizó el doctorado y recibió diferentes becas de investigación para posgraduados entre las que se encuentra la prestigiosa beca Getty, recibida para desarrollar su tesis doctoral, que versó sobre arte africano. Entre los años 1993 y 1996 trabajó en Tanzania junto a su marido en la catalogación y registro de las piezas del Museo Sukuma en Mwanza.

Exposiciones

El fruto de esta estancia fue la exposición 'El arte de la identidad: arte africano de la Colección Tee' (1996), que tuvo lugar en el Museo Fogg de la Universidad de Harvard. Paralelamente, ejerció como directora de Investigación, Fuentes y Estudios de la Cultura Visual Africana en esta institución. Actualmente, Conlin-Bessire es profesora asociada en el Maine College of Arts y es autora de otros textos sobre arte y cultura africanas.

Paralelamente a este acto está en marcha "Pequeña figura", una muestra que abre una serie de exposiciones organizadas bajo el título de "La Colección en Contexto", cuyo fin será situar histórica y artísticamente piezas seleccionadas de los fondos del Museo Picasso de Málaga.

Más información: Museo Picasso de Málaga

Fuente: artelista.com

2007, el año de Le Corbusier, el artista que pensaba en el hombre

Es uno de los arquitectos más influyentes y admirados de la historia de la arquitectura. Teórico, urbanista, y uno de los padres de la arquitectura moderna. El hombre que por las tardes proyectaba sus edificaciones y por las mañanas pintaba sin parar. Hablamos de Le Corbusier, el polifacético artista que este año recibe numerosos homenajes por el 120º aniversario de su nacimiento.   El polifacético Le Corbusier Su nombre real es Charles Édouard Jeanneret-Gris. Nació en La Chauz-de-Fonds, una francófona ciudad suiza, en 1887. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo "Le Corbusier", el apellido de su abuelo materno. Ahora es recordado por ser uno de los principales creadores de iconos dentro del arte industrial de las primeras décadas del siglo XX. Arquitecto, urbanista, teórico de la arquitectura y pintor.   Por las tardes, cuando se iba a su estudio, proyectaba sus edificaciones. Por las mañanas se dedicaba a la pintura, su otra gran pasión. Junto a su colega Ozenfant y vinculado al cubismo, se vio inmerso en el universo de posibilidades que le brindaba la pintura. Dejó una profusa colección de lienzos, obra gráfica y sobre todo de dibujos, afición que nunca dejaría de practicar. Ahora el Mori Art Museum de Tokio le homenajea a en el 120º aniversario de su nacimiento.   Un homenaje en Japón Y es que Le Corbusier es el arquitecto no nipón más respetado en Japón. Su influencia es evidente en todos los grandes arquitectos del país asiático. Es por ese entusiasmo que despierta allí, que el Mori Art Museum de Tokio ha inaugurado una exposición que muestra una completa selección de pinturas, dibujos, esculturas, maquetas, fotografías... Incluso la recreación a escala de algunos de sus espacios más emblemáticos: su estudio en París, dos de los apartamentos que componían la famosa "Unité" de habitación de Marsella y otro de "Le Petite Cabanon" (una cabaña de madera edificada en Cap Martin, al sur de Francia y su última residencia). Todos ellos equipados con replicas del mobiliario, la decoración y los objetos personales de Le Corbusier.   Arte y arquitectura "Le Corbusier: Art and Architecture - A Life of Creativity" es el título de esta exposición que nos sumerge en la relación que arte y arquitectura tuvieron para el artista. Aunque son mucho más conocidas sus teorías arquitectónicas es evidente que su actividad en el terreno de las artes plásticas merece también una atención especial como la que en esta ocasión le brinda este museo japonés. Fuente: artelista.com

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Y tomada ni más ni menos que por el propio Steven Spielberg en un descanso del rodaje de la cuarta entrega de "Indiana Jones", aún sin título confirmado. Ver a Harrison Ford (quien ha tenido varios años de películas olvidables) otra vez con los polvorientos traje y sombrero del arqueólogo aventurero nos regresa a nuestos despreocupados 12 años. Sin duda, Indiana luce más "experimentado", pero no "decrépito" como muchos adelantaban. La cinta, ambientada en los 50s, se estrenará el próximo año y su trama se mantiene bajo un misterio mayor que el que rodea al Arca de la Alianza, pero se rumorea que tiene que ver con extraterrestres, cráneos de cristal, Albert Einstein, explosiones atómicas, agentes soviéticos y el Area 51. Chequeen las manchas de sangre en la rodilla.

HOTO/PEÑALOSA

El catedrático y académico de la Real de la Lengua José Manuel Sánchez Ron dedicó su conferencia en el XXIV Día del Alcázar a glosar la figura del astrónomo y físico italiano y su relación con la artillería.

POR: M.Galindo - Segovia

El científico italiano Galileo Galilei (1564-1642) es uno de los principales teóricos de la ciencia aplicada a la artillería a través de sus estudios sobre la trayectoria de los proyectiles previos a la aplicación de la mecánica de Newton.

Esta fue una de las principales conclusiones de la conferencia pronunciada ayer por el catedrático de Física Teórica de la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), José Manuel Sánchez Ron, en el transcurso del XXIV Día del Alcázar, que tuvo lugar en la Sala de Reyes de la fortaleza segoviana.

El acto estuvo presidido por el presidente del Patronato del Alcázar, general Luis-Díaz Ripoll Isern, que estuvo acompañado por el alcalde Pedro Arahuetes, el subdelegado del Gobierno Juan Luis Gordo, el presidente de la Diputación Provincial, Javier Santamaría, y el presidente de la Audiencia Provincial de Segovia, Andrés Palomo, así como los patronos de la fortaleza y una amplia representación de todos los sectores sociales de la capital.

En su conferencia, Sánchez Ron destacó la figura del astrónomo, filósofo, matemático y físico que encabezó la revolución científica del renacimiento, y que defendió "con pasión" las tesis heliocentristas de Copérnico que aseguraban que el sol es el eje del universo.

En este sentido, indicó que la controversia que mantuvo con la Iglesia Católica de la época "suele tomarse como el mejor ejemplo de conflicto entre la autoridad y la libertad de pensamiento en la sociedad occidental".

Sánchez Ron indicó que entre sus múltiples facetas científicas, la obra de Galileo destacó por su preocupación por la aplicación de la ciencia al desarrollo de la artillería; elaborando para ello estudios recogidos en su libro "Discursos y demostraciones sobre dos nuevas ciencias (1638).

Indicó que en este trabajo Galileo "presentó importantes avances sobre la trayectoria de los proyectiles medio siglo antes de que Newton presentara sus tesis sobre la gravedad; y ya tuvo en cuenta de forma incipiente para el cálculo de los disparos de las piezas larelación entre la fuerza de la gravedad y la inercia".

En cuanto a su obra, el catedrático y académico de la Lengua aseguró que Galileo "es uno de los personajes más reconocidos en la historia de la ciencia, y su personalidad ha causado impresión en autores contemporáneos como el dramaturgo Bertolt Brecht o la cineasta Liliana Cavani, que han dedicado algunas de sus obras a su figura".

Antes de la conferencia, el presidente del Patronato del Alcázar y director de la Academia de Artillería, general Luis Díaz-Ripoll anunció la concesión de la medalla de plata del Alcázar al Jefe del Estado Mayor de la Defensa, general Félix Sanz Roldán, que no pudo asistir al acto por estar de viaje oficial en Estados Unidos.

Díaz-Ripoll aseguró que el Alcázar mantiene las cifras de medio millón de visitas anuales y afrontará este año la renovación de todo su sistema de distribución eléctrica para adaptarlo a las exigencias de la legislación vigente.

Asimismo, señaló que el Alcázar colaborará en los actos de conmemoración del bicentenario del inicio de la Guerra de la Independencia que el próximo año organizará la Academia de Artillería con la publicación de un libro sobre la historia de la fortaleza y con la exhibición de una muestra dedicada a las maquetas militares.

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SAN SALVADOR (AFP) - Un total de 840 millones de turistas se desplazaron en el mundo durante 2006, generando ingresos para los países de 735.000 millones de dólares, consignó el viernes en San Salvador el 'Barómetro' de la Organización Mundial de Turismo (OMT).

"En síntesis el mundo consolidó, en el 2006, 840 millones de llegadas por turismo internacional, lo cual significa crecer un 4,9% sobre el año anterior", declaró el representante regional para las Américas de la OMT, Augusto Huescar.

El balance fue dado a conocer en el marco de la 46a. reunión de la Comisión de las Américas de la OMT, que debate en un hotel de San Salvador sobre cuatro temas clave: la seguridad turística, la calidad como factor estratégico de la competitividad, la implantación de la estrategia marca-país y los segmentos emergentes como la oportunidad de expansión del turismo.

Según el informe, Europa encabeza los ingresos de turistas con 455 millones de personas que generaron ingresos por 377.600 millones de dólares, mientras que los países asiáticos y de Oceanía recibieron 167 millones de visitas, que a su vez dejaron 153.000 millones de dólares.

El continente americano y la región de El Caribe recibieron en conjunto durante 2006 un total de 136 millones de turistas que dejaron dividendos por 153.300 millones de dólares.

Las naciones de Oriente Medio fueron receptoras de 40,7 millones de turistas con un saldo de 26.700 millones de dólares, mientras las regiones menos favorecidas por el turismo fueron África del Norte y África Subsahariana, con 40,8 millones de turistas e ingresos de 24.200 millones de dólares.

En términos de porcentajes, Europa concentra el 54,2% del turismo mundial, le sigue Asia con el 19,9%, las Américas con 16,2%, África con el 4,9% y Oriente Medio con el 4,8%.

El secretario general de la OMT, Francesco Frangialli, destacó la evolución de la también llamada industria sin chimeneas en el continente americano.

"Cabe destacar que, en el contexto americano, Centroamérica es la subregión que más está creciendo. Captó en 2006 casi 7 millones de llegadas que aportaron unos 5.000 millones de dólares", comentó Frangialli.

El secretario general de la OMT resaltó el hecho de que los países centroamericanos (Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Panamá y Belice), a pesar de que tienen prioridades propias, han consolidado la marca común "Centroamérica", para posicionarse en el competitivo mercado del turismo internacional.

Según el funcionario, las llegadas de turistas internacionales en 2006 aumentaron en el continente un poco más del 2,1%, la mitad del crecimiento medio mundial que fue de 4,9%.

América del Norte, que concentra el 66% del total de llegadas a la región, arrastró la media a la baja con su modesto crecimiento: 0,9%.

A pesar de la evolución favorable del turismo, el secretario general de la OMT estimó que todavía está presente el fantasma de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York y Washington.

En los primeros cuatro meses de 2007, el Barómetro de la OMT indica en las Américas un crecimiento del 3%, superando el 2% del mismo período en 2006.

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¿Sabías que durante el nazismo algunos artistas fueron tachados de "degenerados"?

Entre los años 1933 y 1945, el nazismo impuso en Alemania un arte peculiar, un arte que servía de instrumento para la consolidación del régimen y el sometimiento de las masas. Rembrandt, Van Gogh, Picasso, Kandinsky, Munch... Ellos fueron algunos de los artistas calificados como "degenerados" por el régimen nazi. Hitler consideraba que su arte no transmitía los ideales del nazismo y que sus obras eran fruto de una fantasía enfermiza.

El arte del nazismo

En la segunda mitad del siglo XX el nazismo, en manos de Hitler y Goebbels, impuso en Alemania un arte peculiar, distinto, exclusivo, un arte que utilizaban como instrumento fundamental para la consolidación del régimen y el sometimiento de las masas. Y es que por aquel entonces la cultura en general se utilizó como arma del nazismo para transmitir los ideales de Hitler. El dictador era un apasionado del arte, en su juventud intentó entrar varias veces en la Academia de Bellas Artes para estudiar pintura. Pero nunca llegó a conseguirlo. Se dice que esta frustración fue desarrollando en él su complejo contra la sociedad.

La confiscación de obras de arte

El intento del dictador por convertir a Linz, ciudad alemana, en el centro de la nueva cultura del país dio inicio al gran saqueo de obras de arte en la Europa ocupada durante la Segunda Guerra mundial. La adquisición más costosa en tierra holandesa fue la de gran parte de la colección de Mannheimer, que contenía tesoros como el Doctor judío, de Rembrandt. El saqueo del proyecto Linz llegó hasta Francia. Cerca de 21.000 piezas fueron robadas sólo en ese país. Además, el 18 de noviembre de 1940 Hitler proclamó su derecho a disponer de todas las obras de arte confiscadas en los territorios ocupados.
Muchas de las obras robadas perecieron en una gran hoguera en marzo de 1939 en Berlín. El resto se subastaron a nivel internacional para aportar fondos a la propaganda nazi.

La muestra de "Arte degenerativo"

Algunas corrientes como el expresionismo, el impresionismo, el dadaísmo, el surrealismo... representaban innovaciones estéticas, de manera que contradecían el ideal de belleza propagado por el régimen nazi, el tradicionalismo y clasicismo.

En 1937, los nazis mostraban en Münich 650 pinturas y esculturas que ellos mismos habían confiscado de los museos y las galerías privadas de toda Alemania. La exposición llevaba el título de "Arte degenerativo".  La muestra estaba prohibida para menores y exhibía grandes pinturas junto a dibujos de discapacitados mentales, comentarios despectivos o fotografías repulsivas, para ridiculizar y llevar al absurdo el concepto moderno del arte.

La locura inventada de grandes artistas

En la apertura de la exposición, el presidente de la Cámara de Cultura del Tercer Reich, Adolf Ziegler, dijo: "Lo que están viendo son los productos enfermos de la locura, la impertinencia y la falta de talento. Necesitaría varios trenes de carga para limpiar nuestras galerías de esta basura... Esto sucederá pronto". La muestra incluía obras tan valiosas artísticamente como las de Paul Klee, Pablo Picasso, Vincent Van Gogh, Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Max Ernst, Otto Dix y Eduard Munch, entre otros, eran consideradas fruto de una "fantasía enfermiza".

Afortunadamente, el nazismo no consiguió aniquilar por completo las innovaciones estéticas.

FOTO 1. Autoretrato de Rembrandt, de 1643.
FOTO 2. Autoretrato de Pablo Picasso, pintado en 1907.
FOTO 3. Autoretrato de Marc Chagall de 1914.
FOTO 4. Autoretrato de Edward Munch de 1895.

Fuente: artelista.com

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